Archivo de la etiqueta: sitges

SITGES FILMS (i 9)

Acabem el repàs a alguns dels títols que els nostres alumnes van poder gaudir al Festival de Sitges amb la crítica de Joan Martínez, alumne de primer, sobre Réalité.

 

I recordeu que aquest blog está obert a la col·laboració de tots els estudiants. Animeu-vos!

 

 

Si el món dels somnis ja és força complex, Réalité és el súmmum. Un film ple de connotacions absurdes i un guió format per diferents capes que s’entrellacen entre elles.

 

En total en trobem tres: en un primer lloc una nena, que es diu Réalité, que desitja veure una pel·lícula en VHS que troba a l’interior d’un porc senglar que ha matat el seu pare. Per una altra banda tenim un càmera d’un programa de televisió que vol fer realitat una pel·lícula que té en ment des de fa força temps i que intentarà que un productor li compri. Finalment, un presentador d’un programa que té una malaltia que resulta ser producte de la seva ment.

 

A l’inici de la pel·lícula és desenvolupen les tres històries i poc a poc aniran entrellaçant-se i barrejant-se fins a arribar a un cert punt on tot perd el sentit i la realitat és veu totalment regirada: la nena aconsegueix mirar la cinta de vídeo on apareix el càmera que arriba a la bogeria i s’interna en un centre psiquiàtric i alhora és gravada per un productor…

 

El ritme és bastant accelerat, cosa que en alguns moments pot donar lloc a confusions i un cert desordre.

 

En l’apartat més tècnic trobem una bona fotografia amb tons terrossos i poc saturats. Els espais utilitzats són força variats, plató de TV, casa forestal, centre psiquiàtric, etc.

 

L’estructura narrativa es va entrellaçant amb una única peça musical interpretada per violins que es repeteix en molts moments de la pel·lícula i que crea un ambient de tensió i de desconcert.

 

En la meva opinió personal trobo que és un film per un públic força concret i que estigui mitjanament familiaritzat amb arguments complexos i regirats com és el cas de Réalité.

 

En molts moments m’he arribat a perdre ja que hi havia masses girs i barreges entres les diferents capes de la història que donaven lloc a confusió. Potser amb un segon visionat moltes coses s’haguessin connectat.

 

En un primer moment semblava una barreja de somnis però finalment ha resultat ser una combinació de diferents realitats, totalment fictícies, que probablement donen lloc al títol de la pel·lícula.

SITGES FILMS (8)

Avui tornem a viatjar a l’Àsia Oriental. Òscar Larraga, alumne de 1er, ens comenta Kundo: Age of the Rampant.

 

 

United we are people, divided we are thieves” és una de les cites que més es repeteix en la pel·lícula Kundo: Age of Rampant, dirigida per Yoon Jong-bin, i que millor la descriu. Aquesta superproducció coreana que narra com un carnisser que perd la seva família és acusat d’un delicte no comès. Afortunadament, és salvat per un grup d’espadatxins als quals s’unirà per lluitar en contra de la corrupció i ajudar els pobres. De manera que ens trobem davant un grup de Robin Hoods que roben als rics per entregar-ho als pobres.

 

Tot i ser un espectacle d’arts marcials, es podria dir que té algunes característiques típiques del western com són els bandits que roben, els deserts o els personatges que munten a cavall, sense esmentar el fet que ens trobem davant d’una història on hi ha d’una banda els “bons” i de l’altra els “dolents” i que l’estil que envolta el film és molt americà.

 

Aquest film està dividit en cinc actes, el primer dels quals fa la funció de pròleg, en què es veu com Kundo, el grup de lluitadors, actua davant la corrupció. A continuació, el segon acte és el plantejament, ja que es presenta al protagonista, Dol Moo-chi (Ha Jung-woo), i a l’antagonista, Joo Yoon (Gang Dong-won), fill d’un noble ric i d’una concubina, que representarà la màxima corrupció, donat que serà capaç d’assassinar membres familiars per tal d’aconseguir poder, puix que ell és il·legítim. A més a més, durant aquest acte es veurà com Joo Yoon encarrega una feina al protagonista, la qual és una trampa. Per tant, més endavant serà sentenciat a mort pel mateix Joo Yoon, just després que assassinin la seva germana i la seva mare. Ja en l’acte tercer, Dol Moo-chi és salvat pels Kundo i amb ànsies de venjar la seva família, lluitarà, al costat d’aquests bandits, contra els nobles. Així que ja ha començat el nus del film, el qual s’estén fins la meitat del cinquè acte i dóna lloc al desenllaç, que tot i no ser explícit és un final tancat.

 

La història d’aquesta pel·lícula es desenvolupa a partir de tots els girs que esdevenen, ja que són aquests els que construeixen el sentit i la coherència del film. D’aquesta manera, a mesura que transcorre la història es va creant una relació d’odi més estreta i clara entre el protagonista i l’antagonista, de forma que encara que Kundo sigui un grup de bandits, el clímax del film es troba a la batalla final entre Dol Moo-chi i Joo Yoon.

 

En aquesta pel·lícula destaca l’acció i l’aventura; i el drama i la comicitat es troben en un punt d’equilibri que permet que l’espectador es trobi davant d’un film seriós, ja que no deixa de ser una crítica a la tirania i la corrupció, però al mateix temps, entretingut i lleuger.

 

Cal destacar que el director ha decidit afegir el recurs de la veu en off per presentar personatges o, acompanyada de flashbacks, explicar successos, puix que d’aquesta forma es pot donar més informació al públic en menys temps. Considero que es una decisió molt encertada perquè permet que l’espectador conegui tot el necessari per comprendre i gaudir del film però sense deixar que la pel·lícula es faci llarga, avorrida o pesada.

 

Pel que fa a l’atmosfera de la pel·lícula, les localitzacions exteriors tenen gran importància, ja que més de la meitat del film té lloc a l’aire lliure. A més a més, en general, aquestes acostumen a ser lluminoses i destaquen els colors càlids, mentre que els interiors, solen ser una mica més foscos.

 

Afegim que la direcció d’art ha establert un grau de diferenciació dels pobres i els rics a partir de la textura i el color del vestuari, ja que la roba dels pobres, a part d’estar bruta, és més fosca i opaca i és rugosa, mentre que els rics vesteixen amb colors més clars i brillants i la seva vestimenta és completament llisa, a part de ser més gran, ampla i ornamentada. D’altra banda, gràcies al vestuari, l’atrezzo i als escenaris, la direcció d’art transporta a l’espectador a una Corea del Sud de mitjans del segle XIX.

 

Tot i així, des del meu punt de vista, cal ressaltar la importància del muntatge en les escenes de lluita, ja que genera un ritme i un caos (controlat) que atrapen l’espectador, però mai desorientant-lo, és a dir, que encara que es canviï de pla i de personatge de manera molt seguida, el públic és capaç de captar i entendre tot el que succeeix. Però la virtuositat del muntatge no seria possible sense la complexa coreografia dels intèrprets. Tanmateix, en aquest tipus d’escenes, la importància que cobren els efectes especials és fonamental; afortunadament, en aquest film estan molt ben treballats, fins el punt que alguns passen gairebé desapercebuts.

SITGES FILMS (7)

Seguimos con el repaso de películas que nuestros alumnos vieron en el Festival de Sitges. Hoy, Sarah Romero, de primer curso, comenta ’71.

 

 

Yann Demange nos presenta su nuevo largometraje protagonizado por un Jack O’Connell ubicado en una situación límite.

 

¿Qué nos quiere decir Demange con esta película? Nos encontramos en 1971, época de grandes disturbios relacionados con el IRA. O’Connell se encuentra en una ciudad rompecabezas en la cual cualquier error le puede llevar a la muerte.

 

La película hace un crescendo reflejado en la tensión que hay en cada situación y que también vive, irremediablemente, el espectador. Dicha tensión estalla en forma de una violencia que podríamos tachar de molesta. Lo que quiero decir realmente con esto no es que la violencia a veces no resulte molesta. Siempre lo es. La diferencia aquí es que la violencia que hay en una película es más llevadera que la que podemos recibir en la vida real. En ’71 esta violencia no es llevadera. He podido ver realmente odio en los ojos de los figurantes, un odio que puede ser difícil de entender. El largometraje se convirtió para mí en una agresión psicológica. Sentía odio pero también lo recibía. Constantemente me situaba en un bando distinto del conflicto. En un chasquido sentía vergüenza hacia los ingleses y en otro comparaba a los irlandeses con animales.

 

El personaje de O’Connell es muy fuerte, consiguió absorberme con facilidad. Vivía virtualmente lo que vivía él y me di cuenta de que llegados a un punto de la película aceptaba cualquier cosa con tal de que éste sobreviviera y volviera a casa. Acepté la muerte fría de su compañero y la de un niño, acepté los dobles juegos, acepté el mal de otros para su bien…

 

La película terminó y me relajé de golpe. El personaje había llegado donde yo quería: a su casa sano y salvo. En un primer momento pensé: uf, ya está. Pero al cabo de poco volví a darle vueltas. Realmente el conflicto no se solucionó. Hice un viaje en el tiempo y me di cuenta de que seguirían enviando pelotones militares a las calles de la ciudad, que los niños al salir del colegio seguirían apuntados con armas, que seguirían entrando en casa de la gente sin motivos, que seguirían muriendo inocentes y que los deshonestos seguirían escabulléndose.  Conflictos así han pasado a lo largo de la historia de la humanidad por culpa de la mísera idea de querer controlar siempre a los demás y seguirán pasando.

 

No puedo dejar de preguntarme si realmente es un thriller por todo lo que le pasa al protagonista o si lo es por ese mensaje de que estas cosas han pasado, pasan y seguirán pasando siempre. Recordando lo que me sucedió al acabar la peli, me vuelvo a preguntar si no será un thriller porque, después de todo, lo único que importa es que vuelva a casa sea el precio que sea.

SITGES FILMS (6)

Comentario de la cinta japonesa Over Your Dead Body, dirigida por Takashi Miike. Autor de la crítica: Èric Borràs, alumno de 1º.

 

 

El director japonés mundialmente identificado como “la provocación que llegó de oriente” vuelve a causar polémica, controversia e impacto sobre los espectadores con su último trabajo: Over Your Dead Body (Kuime), adaptación cinematográfica de la más famosa historia de fantasmas de la cultura nipona; eso sí, aplicando su inconfundible estilo pero sin abandonar la tradición teatral de esta leyenda.

 

La historia se narra inteligentemente siguiendo dos tramas paralelas: por un lado la muy presente representación sobre escenario del relato original Yotsuya Kaidan, y por contraposición, el día a día de los actores que dan vida a esta obra. A medida que se sucede el tiempo, la fina línea que separaba la realidad de la ficción acaba resquebrajándose.

 

Tres personajes y sus respectivos papeles en la función encabezan esta inquietante película. Una reconocida actriz de teatro, su amante (actor de poca monta) y la mujer con la que es engañada, interpretan a una esposa sumisa y enferma, su violento marido y la pretendiente por conveniencia del mismo. Desde el principio, los personajes ficticios son moldes de quienes los interpretan, dos caras de una misma persona en dos mundos muy diferentes: la ficción y la realidad. De esta forma, los actores que materializan a los personajes de la obra son poseídos por su propia interpretación, convirtiendo la representación teatral en un espejo de sus vidas. Así, el paralelismo entre los dos mundos, cada vez más evidente en el film, permite a Miike tergiversar la trama y jugar con la metáfora.

 

Sumando los elementos anteriores, se consigue un nuevo concepto de terror. Incluye lo fantasmagórico en un mundo no muy lejano al nuestro, que poco a poco va quedando contaminado por lo paranormal.

 

Over Your Dead Body nos presenta quésucedería si lo fantástico dejara de serlo, mediante una historia tradicional contada de una forma muy moderna, con una oscuridad que invade el ambiente, un terror psicológico que casi se puede tocar y el elemento gore que caracteriza a Takashi Miike.

SITGES: MASTERCLASS DE ROLAND EMMERICH

ESCAC Week no solo significa ver películas. Entre las actividades del Festival de Sitges se cuentan también interesantes Masterclass impartidas por destacados cineastas (en el sentido amplio de la palabra). Este año, una de las presencias más esperadas era la del director Roland Emmerich, responsable de títulos como Asalto al poder, 2012, o la emblemática Independence Day. Hoy colgamos aquí una breve crónica de su charla que ha realizado Daniel Molina, alumno de 1º.

 

IMG_2262

 

A su derecha, un traductor atareado; a su izquierda, Mike Hostench, subdirector del Festival. Él, sonriente y cómodo, con sus gafas de sol en el cuello del jersey y su pelo blanco iluminado por los focos. Las luces se atenúan, la música ambiental se detiene y comienza la clase.

 

En primer lugar, habla de sus inicios, donde reconoce que el cine alemán no era su fuente de inspiración, sino las películas de Hollywood, concretamente el cine de género. Entre risas, admite que no tenía nada claro escoger dirección, pues prefería el diseño de producción, pero mintió para poder estudiar en la escuela de cine. Siguiendo el hilo de sus orígenes,  reconoce estar satisfecho de no haber cambiado su estilo desde que inició sus andanzas en el mundo del celuloide y mantenerse fiel a los temas futuristas y las utopías catastróficas.

 

También le preguntaron por Stargate y levantó un murmullo en la sala cuando anunció que estaba en camino, aunque a largo plazo, una nueva franquicia de dicha película; de forma que podría completar su idea inicial de hacer tres films, frustrada por el reducido impacto de la cinta en su estreno. Tanto MGM como el propio Emmerich no fueron conscientes de la relevancia de la cinta original hasta años después.

 

Tras esto, contestó varias preguntas sobre El patriota: destacó lo emocionante que fue trabajar con John Williams, al que considera una magnífica persona y un excelente profesional; por otra parte, admitió que se sintió atraído por el guión a causa de la temática padre-hijo; y comentó la implicación total de Mel Gibson para desarrollar el personaje.

 

Asimismo, habló sobre la influencia de la literatura clásica en su cine por la cantidad de libros que consumió durante su juventud, y explica que cualquier cosa que escribas estará influenciada por aquello que has leído.

 

No dudó en reconocer que Anonymous es una de sus películas favoritas, aunque no fue de las más taquilleras, ya que trabajó mucho y se enorgullece del resultado de diseño de escenarios, además de aceptar su fascinación por las películas de época, sobre todo por la capacidad del cine de transmitir incluso la forma de pensar de las personas de siglos atrás.

 

Finalmente, con un aplauso unánime correspondido por una sonrisa del maestro de la destrucción, se levanta de su asiento y tras firmar unos cuantos autógrafos pone fin a una clase realmente magistral.

SITGES FILMS (5)

Aprovechando su estreno este fin de semana, colgamos el comentario que Mar Subirats, alumna de 1º, ha hecho sobre Relatos salvajes.

 

 

EL JUEGO DE PERDER EL CONTROL

 

¿Es posible gozar gracias a la ira que conlleva perder el control? Esa pregunta nos plantea el director Damián Szifrón con este largometraje. Seis historias que argumentalmente están desvinculadas entre sí pero en la que los siete protagonistas presentan esa explosión de ira en momentos de máxima tensión. Lo fácil que es traspasar la línea de control establecida por una sociedad es el nexo de estos relatos.

 

La primera historia bien podría servir como prologo de lo que vamos a ver, como una pequeña demostración del placer de perder el control. Éste film, el tercero de Szifrón, juega con el espectador generándole el placer de contemplar la barbarie, con unos personajes que se dejan llevar por un comportamiento primitivo. Sin embargo el espectador empatiza directamente con estos, nos ponemos en su piel e incluso llegamos a entenderlos. Eso es posible gracias a la actitud antisistema del film, pues no es más que una gran crítica de la sociedad, de los que nos rodea, de los pilares de nuestra civilización. Seis cuentos que hacen que se mezclen géneros y tonos, como también las formas narrativas. Esa particularidad o esa diversidad hace que el espectador éste atrapado des de un principio.

 

Szifrón en este largometraje no cuenta con Diego Peretti como en sus dos anteriores trabajos pero tenemos a Darín, a Sbargalia, a Grandinetti o a María Onetto. Relatos salvajes, una película para ver, para disfrutar, pero sobre todo para sentir placer, ese placer que nos conecta con la realidad.

SITGES FILMS (4)

Jaume Bernabéu, alumno de 1º, comenta The Voices.

 

 

DISNEY PSICÓTICO

 

La primera peli que vi este año en Sitges fue The Voices. Y os puedo decir que fue a la vez el mejor y el peor de los comienzos posibles. De un lado, una experiencia inolvidable; del otro, me pasé la semana comparando lo que veía y sentía con esta primera experiencia.

 

Solamente su sinopsis ya me pareció fascinante. Como fan acérrimo de la animación me atrajo muchísimo la combinación de una historia propia del terror o el crimen con la más Disney de las premisas. Tal vez pueda parecer algo descabellado asumir tan rápido que la película tendría tintes disneyanos, pero no lo es tanto si tenemos en cuenta la relación de la directora Marjane Satrapi con el mundo del cómic y la animación, recordando su imaginativa e interesante Persépolis.

 

Y efectivamente, nada más empezar el filme confirmé mi teoría. La primera secuencia nos muestra el mundo en el que vive Jerry, su protagonista, empezando por una fábrica en la que todo está impoluto y sus empleados llevan monos color rosa. Y como colofón, escuchamos una bonita canción inicial sobre lo maravilloso que es Milton, el pueblo donde transcurre la acción. La fotografía y la dirección de arte lo enfatizan aún más mostrándonos colores vivos y chillones; todo nos recuerda a un cuento de hadas. Más adelante incluso vemos mariposas revoloteando sobre la cabeza de nuestro… ¿héroe? Y hasta hay un cadáver radiante en mitad del bosque que nos remite a Blancanieves.

 

Continuando con los paralelismos llegamos al corazón de la película, los diálogos entre Jerry el humano, Bosco el perro y Mr. Whiskers el gato (los tres interpretados magistralmente por Ryan Reynolds, excelente también en su trabajo de voz). Cual ángel y demonio aparecidos en los hombros de un clásico cartoon, oiremos junto a Jerry los consejos y comentarios más desternillantes, crueles, cínicos y sádicos que jamás hayan salido de los labios de un gato escocés, contrapuestos a las buenas intenciones de un perro bobalicón. Tres personajes que nos despiertan compasión en una escena para horrorizarnos en la siguiente y luego volver a enternecernos.

 

Ahí reside el punto más fuerte de la película. Con un guion sólido y personajes bien construidos nos ofrece una hilarante y en parte escalofriante reflexión sobre nuestra propia dualidad. Cómica y trágica, colorida y oscura. Tenéis que verla.

SITGES FILMS (3)

Andrea Ordóñez, alumna de 1º, comenta Autómata.

 

 

Para preservar la vida humana, los robots se rigen por dos protocolos de comportamiento: no dañar ninguna forma de vida y no modificarse a sí mismos ni a otros. Este es el inicio de Autómata, una de las películas que más esperaba en el Festival de Sitges 2014 y que cubrió todas mis expectativas.

 

Normalmente, en este tipo de género se suele especular sobre los sentimientos que podrían tener o los que generarían en las personas los robots, como por ejemplo en Blade Runner, Yo robot o Eva. Pero en este film la premisa que utilizan es: ¿qué pasaría si la inteligencia artificial superase a la humana? Es decir, en ningún momento plantean la hipótesis de que podrían llegar a ser emocionalmente parecidos a las personas. El amor o la tristeza no tienen ningún protagonismo, y los robots simplemente muestran una cierta comprensión, hacia el final del film, sobre la vida y la familia. Lo cual podríamos deducir que es producto de su “propia” inteligencia. Una idea que, a mi entender, se acercaría mucho más a la realidad en el caso de que algún día se llegara a crear seres artificiales e hizo que no perdiera mi atención en ningún momento.

 

Antonio Banderas, otro de los platos fuertes de esta película, da vida al protagonista Jacq Vaucan, un hombre cansado de un mundo en el que hasta la lluvia es un peligro mortal. La historia muestra una evolución en la que, cuanto más cerca está de la muerte, mayor es su deseo de sobrevivir para poder volver con su mujer que, además, está embarazada (otra metáfora de como la vida se abre paso en las circunstancias más inhóspitas), y ayudar a los autómatas para que creen otro “mundo” dentro de la Tierra, pues comprende que lo importante es que los seres humanos continúen estando presentes, aunque sea a través de los robots, como sus creadores.

 

Gabe Ibáñez, presenta una idea original de un futuro que podría llegar a ser, y no solo por los autómatas, sino por la destrucción que el ser humano provocaría en el único lugar donde es posible nuestra existencia, la Tierra. Y, aunque a veces, el ritmo al que se desarrollan los acontecimientos pueda resultar un poco lento, la sensación de agobio continuo (ya sea por el calor o por la lluvia ácida), el diseño de los robots y su originalidad dentro de un género muy explotado, hacen que sea una película que no te arrepentirías de ir a ver.

SITGES FILMS (2)

Segunda entrega de los comentarios de nuestros alumnos sobre películas vistas en el Festival Internacional de Cinema Fantástic de Catalunya – Sitges 2014.

 

Daniel Belenguer comenta The Double.

 

 

The Double, dirigida por Richard Ayoade, fue presentada en el Festival de Sitges el pasado Miércoles 8 de Octubre con una gran recepción del público.  Ayoade nos presenta una cinta basada en un relato de Dostoyevski, en la que podemos ver muchas similitudes con otras películas.

 

La sociedad distópica y claustrofóbica oprimida por la burocracia nos recuerda al Brazil (1985) de Terry Gilliam, el desarrollo de la trama remite a El apartamento (1960) de Billy Wilder, y la premisa inicial es casi idéntica a la de Enemy, estrenada el pasado año.

 

Pese a esto, The Double consigue ser una película innovadora y muy original.

 

La cinta se sustenta en un guión escrito por el propio director, que ya sorprendió tanto a público como a crítica con su ópera prima Submarine (2010).

 

Con The Double, Ayoade repite su fórmula con un estilo propio y marcado y sigue funcionando a la perfección: diálogos rápidos e ingeniosos, personajes memorables y un guión deudor del mejor humor inglés con retazos de humor negro.

 

La historia que cuenta es la de Simon James (Jessie Eisenberg), vivo retrato del perdedor por excelencia, quien se encuentra con que en su oficina han contratado a un empleado que es físicamente igual que él pero con una personalidad totalmente opuesta, siendo su doble un reflejo de lo que Simon siempre ha querido ser.

 

La premisa inicial servirá para desarrollar una comedia de enredo en la que se plantean muchas preguntas pero se nos dan pocas respuestas. Quizás sea este el mayor acierto y a la vez el mayor fallo de The Double.

 

La cinta tiene una premisa muy interesante y que abre muchas puertas a la reflexión pero a los pocos minutos de metraje se decanta hacia un planteamiento centrado en entretener y hacer reír al espectador, sacrificando la vertiente filosófica/reflexiva (ya explotada por Enemy) que podría aportar la historia, y sustituyéndola por una historia delirante. Al final nos quedamos con una película que cuyos escasos 93 minutos de metraje se nos quedan muy cortos, una cinta muy agradable, un guión genial, unas actuaciones más que correctas (Eisenberg y Wasikowska se comen la pantalla), una muy destacable banda sonora a cargo de Andrew Hewiit y un estilo y atmósfera geniales que dan un toque distintivo y personalidad a la película.

 

Sin embargo salimos de la sala con una pequeña sensación de vacío; un vacío de respuestas y una sensación de que la película podría haber dado muchísimo más de si. Podría haber sido más ambiciosa o haber profundizado mucho más en sus personajes, en situaciones que no se acaban de explicar o simplemente se toman a la ligera, cuando obviamente son aspectos muy importantes de la película.

 

Ha sido un viaje agradable, sí. ¿Pero a qué precio?

SITGES FILMS (1)

Durante la ESCAC Week, como sabéis, los estudiantes de la escuela tuvieron ocasión de visionar una gran cantidad de películas interesantes programadas por el Festival de Sitges. Algunos de estos alumnos han escrito sus impresiones sobre los films que más les llamaban la atención, y a lo largo de los próximos días colgaremos aquí sus textos. Si habéis visto también las películas, ¡no perdáis la ocasión de iniciar un debate!

 

Empezaremos con las impresiones de Jaime Puertas, alumno de primero, sobre lo último de Jean-Luc Godard, la estereoscópica Adieu au langage.

 

adieuaulangage

 

EL ÚLTIMO ROMÁNTICO

 

En una entrevista que la empresa Canon realizó a Jean-Luc (cinéma) Godard este 2014, la leyenda del cine explicaba el significado de las siglas SMS: “¿No sabéis lo que quiere decir SMS? Todo el mundo los envía a diario y nadie sabe lo que quiere decir. Yo sí lo sé. Quiere decir “Save My Soul”. La gente envía SMS como antiguamente se enviaban los SOS, porque vivimos en soledad y queremos compartir nuestros días con alguien”.

 

Toda nuestra realidad está regida por una serie de normas sociales que permiten la convivencia entre diferentes pensamientos. El incumplimiento de dichas normas está sancionado. En cambio, en el arte todo está permitido. Quizá por eso nos guste tanto: todas aquellas reglas canónicas que a priori han sido creadas para ser respetadas pueden ser destruidas. Y es en su destrucción donde radican otros tipos de arte, otras maneras diferentes de interpretar la realidad. El ser humano es creativo, sí. Pero no hay que olvidar que también es destructivo. Hay muchos ejemplos de artistas que decidieron romper las normas: desde Monet hasta Cocteau, sin mencionar a Picasso, Dalí, Buñuel, Proust, Joyce, Beckett y un largo etcétera.

 

A través de esta reflexión he llegado a la conclusión de que el arte sirve para vivir vidas que jamás podremos vivir, al menos de manera física. En una realidad desfavorable, el ser humano tiene la capacidad de evadirse mediante el sueño a otra dimensión fantástica pero mejor. Con Adieu au langage (2014), Godard se propone justamente esto: explorar los límites de la realidad y del sueño. Y el cineasta nos hace vivir vidas que jamás viviremos a través de los sentidos. En su nueva película el espectador no ha de tratar de encontrar una trama general. La mayoría de filmes se filtran en el público a través de los sentidos hasta llegar al cerebro. Y será en el cerebro donde, mediante un mecanismo racional, se logre descodificar el mensaje de la película. Una vez entendido el mensaje, es el espectador quien se emociona o no. Godard, sin embargo, nos propone un juego diferente: que el material proyectado se filtre a través de los sentidos sin más propósito, es decir, pasar del plano sensorial al plano sensitivo e irascible, sin tener en cuenta la racionalidad cerebral de la cual tan orgullosos nos sentimos. Y lo consigue.

 

Adieu au langage es un ensayo impresionista donde el cineasta, como niño que coge por primera vez una caja de lápices de colores, indaga sobre las posibilidades del cine en 3D y reflexiona sobre conceptos nietzscheanos. ¿Qué es el lenguaje? Es una invención que los humanos hemos creado para comunicarnos con la realidad: una norma social. Sin embargo, el mayor error es pensar que el lenguaje es la realidad, y no un simple medio para relacionarnos con esta. El lenguaje es simplemente una metáfora. Adieu au langage no es un adiós definitivo, simplemente un adiós al lenguaje tal y como lo conocemos. Y la película reflexiona acerca de la naturaleza humana. Porque, realmente, ¿quién es más inteligente: una pareja desequilibrada debido a los problemas amorosos o un perro que vive a su libre albedrío, sin necesidad de comunicarse mediante palabras? Godard nunca responderá a dicha pregunta, pero sí dejará claro que no todo en el cine ni en la vida es racionalidad. La irracionalidad, la fantasía y los sueños forman parte de aquella parte del iceberg sumergida que jamás llegaremos a percibir mediante los ojos, pero que está ahí. Y no lo podemos negar.

 

Analizando las diferentes opiniones del público que acudió al visionado del filme, pensé en aquella legendaria proyección de 1895 donde los espectadores, al ver en una gran pantalla un tren llegar a la estación, salieron todos asustados de la sala de cine al pensar que el tren saldría de la pantalla y los atropellaría a ellos también. Aquellos espectadores no estaban preparados para el lenguaje cinematográfico que los Lumière les proponían. ¿Lo estamos nosotros para Adieu au langage? El tiempo lo confirmará o lo desmentirá. Pero lo que sí es cierto es que Godard empezó rompiendo en 1959 con À bout de souffle y ha acabado rompiendo en 2014 con Adieu au langage. Quizá es el adiós definitivo de tan lúcida mente.

 

Ya lo decía Hamlet: “words, words, words”. Palabras, palabras, palabras. Muchas palabras. Muchos SMS. Sí. Quizá estemos un poco solos.