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NEGATIVO GANADOR: Otro Cine Español

LA MAGIA DE LAS ÓPERAS PRIMAS

 

Con el artículo número 20 cerramos este curso la sección “Otro cine español” de Negativo Ganador. Durante todos estos meses, gracias a esta sección que planteamos Alejandro y yo, he podido descubrir y sumergirme un poquito en ese otro cine español que aun me faltaba por explorar. Para el cierre de la sección se me ocurrió que podría ser buena idea hablar de las óperas primas y así, acabar con algo que empieza.

Me vienen a la cabeza todas esas primeras películas de los directores y directoras noveles, ese primer paso en la industria cinematográfica y en el arte de narrar historias, y me pareció un tema interesante para tratar, intentando entender algo más allá. Para hablar de las óperas primas he escogido cinco películas de diferentes épocas del cine español, pero que todas me han afectado o me han hecho reflexionar de alguna manera.

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LA MUJER EN EL FESTIVAL DE MÁLAGA

 

Parece que los modelos empiezan a cambiar en el cine español. De las quince películas que he podido ver en el Festival de Cine español de Málaga, en diez son las mujeres protagonistas y en seis son madres (todas menos una solteras). Eso sí, sólo son cuatro las directoras de esas quince películas.

 

A medida que iban pasando los días en el festival, me parecía curioso que fuesen tantas las películas en las que se retratase el tema de la maternidad, y además una maternidad en la que sólo aparece la madre, ya sea porque el padre está fuera trabajando o por alguna otra razón que se nos omite en la historia.

 

 

 

El miércoles pasado fui a una mesa redonda en la que estaban algunas de las integrantes de la “Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA)”. Estas mujeres (entre ellas Chus Gutierrez, Esther Garcia, Mabel Lozano…) hablaban de impulsar y reivindicar la presencia de las mujeres en el cine. Reivindican que los modelos de la mujer que hemos visto hasta ahora en el cine tienen que cambiar, para que sea otra (una más real) la imagen que recibamos de la mujer.

 

Después de ser oyente en esta mesa redonda y haber estado viendo las películas, no sé si de casualidad o por alguna otra razón, parece que algo esta cambiando, ya que el modelo que he visto representado en la mayoría de las películas del festival es el de una mujer fuerte, luchadora y con voz.

 

 

Desde la madre de Zoe en “Zoe” de la que ya hablé el otro día, pasando por Emma Suarez en “La propera pell”, Ana Katz en “Hijos Nuestros”, Silvia Pérez Cruz en “Cerca de tu casa”, Julieth Restrepo en “Mama”, hasta Julieta Zylberberg en “Mi amiga del parque”, nos encontramos con seis madres completamente distintas que luchan por sus hijos e hijas.

 

Si nos vamos detrás de las cámaras son cuatro las directoras con las que nos encontramos entre estas quince películas. Una de ellas es Isa Campos, que, junto a Isaki Lacuesta, dirige “La propera Pell”, de la que también es guionista. Por otro lado está “Kauflanders”, película documental dirigida por Olaia Sendón, en la que son cuatro las mujeres que nos cuentan la historia. La tercera es “Julie” dirigida por Alba Gonzalez de Molina y protagonizada por Marine Discaceaux. La película cuenta cómo Julie decide huir de casa para esconderse en una ecoaldea en mitad de la montaña en el norte de España.

 

 

Por último, a la que me gustaría dedicar un poco mas de espacio es a “Mi amiga del parque” de Ana Katz. Ana es la directora, guionista y coprotagonista de la película. Una historia sobre la maternidad que protagoniza, como ya he dicho antes, Julieta Zylberberg. La película, con un tono muy particular y llena de humor, consigue atraparte y hacerte empatizar con los personajes. Katz escoge las situaciones perfectas para contar su historia con una visión muy propia en la que describe a esos personajes imperfectos, con heridas, pero con una necesidad inmensa de amor, compañía y aceptación, de una forma maravillosa.

 

Acabando con las directoras, son sólo quince las películas que he podido ver en el festival, muchas más son las que se han proyectado, entre cortometrajes, documentales y películas de ficción. Con esto, sigue siendo mínima la participación de la mujer dentro y fuera de la pantalla. Aun así, confío en que algo va a cambiar, porque somos la mitad de la población mundial y es necesaria nuestra mirada y nuestra voz para contar historias y crear imágenes que permanezcan en el tiempo.

 

 

Por último mencionar que en la sección de Territorio Latinoamericano del festival han sido las mujeres las que se han llevado las Biznagas. Ana Katz se ha llevado la Biznaga de plata a mejor película por “Mi amiga del parque”. Y Sandra Kogut la Biznaga a mejor dirección por “Campo Grande”. En la sección documental el premio se lo ha llevado Julia Pesce por “Nosotras.Ellas”

 

Las quince películas de las que he estado hablando (en negrita las diez en las que la mujer es protagonista):

 

1. Gernika – Koldo Serra

2. Kauflanders – Olaia Sendón

3. Mama – Philippe van Hissenhoven

4. Zoe – Ander Duque

5. Callback – Carles Torras

6. Julie – Alba Gonzalez de Molina

7. Cerca de tu casa – Eduard Cortés

8. La propera pell – Isa Campos e Isaki Lacuesta

9. La pols – Llàtzer Garcia

10. Mi amiga del parque – Ana Katz

11. Los comensales – Sergio Villanueva

12. Koblik – Sebastián Borensztein

13. 10 años con Bebe – Hernán Zin

14. Hijos Nuestros – Carlos Portaluppi

15. Nuestros amantes – Ángel Lamata

 

De estas quince películas son cuatro las que no superan el test de Bechdel (test para evaluar la brecha de género en las películas.)

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LOS COMENSALES – Sergio Villanueva

 

 

Entre las películas que me han tocado hoy (28 de abril) la última ha sido Los Comensales de Sergio Villanueva, en la sección ZonaCine del festival. Este actor ha pasado a dirigir su primera película que mas me recuerda a un documental que a una ficción.

Tres actores y dos actrices se reúnen alrededor de una mesa para hablar sobre sus vidas, miedos, profesión, pasiones, deseos… Durante un día de rodaje y con los diálogos improvisados los actores dejan su alma para abrirse frente a ese sexto comensal que es el espectador. 

 

 

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ZOE – Ander Duque

 

Por fin he venido al festival de Málaga, y hoy, en mi segundo día en esta ciudad con vistas al mar, esta mañana, aun medio dormida, me he encontrado con la ultima película (primera de ficción) del director vasco, Ander Duque.

 

Un film en el que se mezcla la ficción con el documental (algo que también vi, aunque de manera muy distinta, ayer en la película de Olaia Sendón “Kauflanders). Ander, que venia del documental, decide esta vez introducirse en la ficción de la mano de la actriz Rosalinda Galán y la primeriza en el mundo del cine y la interpretación Zoe Gavira. El director utiliza la experiencia del documental para llevar la película hacia delante, y podríamos decir que nos encontramos frente a un documental reconducido.

 

 

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EL MUERTO Y SER FELIZ

 

Hace unos meses descubrí a Javier Rebollo con “La mujer sin piano”; hoy, decidiendo qué película ver para el próximo articulo, me he acordado de este director y he decidido que era buen momento para seguir descubriendo su filmografia, esta vez con su tercera y por ahora última película “El muerto y ser feliz”. 

 

Protagonizada por José Sacristán (que se llevó el Goya a mejor actor por la película), acompañado por Roxana Blanco, la cinta nos muestra el viaje por carretera que hacen estos dos personajes, que, de desconocidos, pasan a compartir un viaje, un camino. Santos, el personaje de Sacristán con tres tumores y un cargamento de morfina encima, emprende este viaje en su viejo coche. Por el camino se encontrará a Erika, mucho mas joven que el y que pasara a convertirse en su compañera de camino y amiga.

 

 

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10.000 NOCHES EN NIGUNA PARTE

 

 

– Va a ser mi cumpleaños

–  ¿Cuando ?

–  Pronto

–  Lo que pasa es que aquí no contamos por años, contamos por noches, ¿sabes cuantas noches tienes?

–  Muchas

–  Ya… cuantos años tienes?

–  27!

–  27…eso deben ser como 10.000 noches.

 

 

Hace tiempo que me tope con la película de Ramon Salazar, fue hace un par de años ya, que estas vidas posibles del personaje de Andrés Gertrúdix me llevaron a algún lugar, a un recuerdo, a un momento de mi vida, a una ensoñación… Y hoy después de estos años, he vuelto, con estos personajes, a plantearme las que podrían haber sido mis vidas posibles si en algún momento de mi vida hubiese decidido coger otro camino.

 

Utilizando el montaje en paralelo como recurso, el director nos lleva de una vida a otra constantemente. El personaje de “El hijo”, al que el director ha decidido no darle nombre, en un momento de su vida se le plantea una situación en la que puede decidir, si quedarse en casa y tener que cuidar de su madre enferma, que al parecer lo único que le causa son problemas, o marcharse, escapar, a Paris, con su amiga de la infancia. El personaje de Andrés Gertrúdix toma las dos opciones, se queda en Madrid y se va a Paris.

 

 

A partir de su viaje a Paris se abren mas caminos, otras opciones, que tomara y dejará, un “Hijo” se irá a Berlin, el otro se quedará en Paris con el personaje que interpreta Lola Dueñas. A través de la cámara, las voces en off, las imágenes desenfocadas, los contrapuntos… Ramon Salazar se mete dentro, dentro de la poesía que rodea a este personaje y a la vida, lo cubre todo de una nostalgia, melancolía. Descubrimos en el personaje de Andrés todas estas vidas, las lleva con el, todas sus vidas pasadas existen, están, y los otros personajes las perciben, como un halo, como un ultimo suspiro.

 

La película escoge momentos, son recuerdos, flashes que nos ayudan a entender al personaje protagonista y a empatizar con el. Poco a poco vamos descubriendo el porque de la extraña relación con su madre, su forma de ser, la relación con su hermana, su cobardía, su valentía, su miedo, su amor, su tristeza…

 

 

En cada una de las posibles vidas se nos muestra una cara de este personaje “aniñado” que interpreta Andrés. Desde la oscura Madrid hasta la luminosa Berlin en la que todo es luz, música, fiesta… Tres ciudades, tres posibles vidas, tres “Hijos”, tres formas de narrar. En Madrid, la narración es mas convencional, hay menos contrapuntos, voces en off, menos poesía. Todo esto se va haciendo mayor, es decir, la narración pasa a ser menos convencional, hay mas poesía, a medida que nos vamos moviendo de Madrid a Berlin y a sus otras vidas posibles. Aun así, la historia salta de un momento a otro constantemente, sin orden cronológico, pero si un sentido.

 

 

10.000 noches en ninguna parte nos plantea ese “Y si…” que tantas veces hemos deseado conocer. Abre las puertas a las probabilidades y nos permite ver lo que podría haber sido, para que al final estas posibles vidas desaparezcan y nos quedemos con el personaje de Andrés en Madrid con su madre, diciéndonos de alguna forma que daba igual el camino que hubiese escogido, porque al final la vida le hubiese llevado a lo mismo, o que daban igual sus vidas posibles porque donde tenia que estar, y lo que realmente importaba es donde acaba el personaje.

 

Andrés Gertrúdix, Nawja Nimri, Lola Dueñas, Susi Sanchez, Rut Santamaría, Paula Medina, y otros actores y actrices mas, nos sumergen con sus interpretaciones en la historia que Salazar quería contar, de un modo maravilloso, como si recitasen un poema, nos leyesen un cuento, o con ese ultimo halo nos quisieran llevar hacia ellos para meternos en estas posibles vidas de “El hijo”.

 

 

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LOS HÉROES DEL MAL – El mal es un punto de vista, nada más.

Hace tiempo que estaba con las ganas de ver la película de Zoe Berriatua. Lo intenté en los cines de Barcelona pero no fue posible, llegue tarde a los de Bilbao. Después de esta espera he conseguido en mi ordenador, disfrutar de esta hora y media con Esteban, Aritz y Sara, los protagonistas de esta opera prima.

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Hablar

 

 

“Después de haber soñado con estar siempre contigo, después de haber mentido, de haber mentido y engañado. Si quieres discutimos, si puedo lo arreglamos, puede que tenga frío, después, después lo hablamos” – Ray Loriga

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UN OTOÑO SIN BERLIN – LARA IZAGIRRE

 

Hace unas semanas estuve en Madrid, llegue un jueves, y el viernes cuando me junte con mi amiga Grace decidimos ir al cine. Esa mañana mi hermana me había hablado de una película que había hecho una vasca, me decía que era su primera película y que hablaba sobre una chica que volvía a casa después de un tiempo. Y yo por eso de que era vasca, de que era su primera película y que el tema es algo que me suele tocar vivir desde que me fui de casa, decidí que seria “Un otoño sin Berlin” la película del viernes.

 

De esa manera e igual que me paso cuando mi madre me vino a ver a Barcelona y vimos “Amama”, esta vez, dos vascas se metían en el cine Princesa de Madrid a ver una preciosa historia que ya empezaba a sentir en carnes propias.

Al salir del cine cogí una reseña de la película que tenían en la taquilla y allí lei lo que decía Lara: “Un otoño sin Berlin surge de una necesidad de comunicar cosas que eran importantes para mi de una forma inconsciente y que no podía transmitir si no era a través del cine.[…] Yo buscaba transmitir una sensación concreta de un momento de la vida”.

 

 

Lara lo había conseguido, al menos conmigo, yo había llegado a sentir esa sensación en cada momento de la película, desde que June (protagonista) baja del autobús con la maleta y recorre las calles para llegar al timbre de un portal, hasta el ultimo plano en el que vuelve a ese autobús que la había traído.
No se si condicionada por haber sentido estos momentos tantas veces dentro de mi, o por si verlos representados en un paisaje conocido, la película de Lara me volvió a inspirar de alguna manera.
June, después de haberse marchado sin decir demasiado a nadie, vuelve a casa también sin avisar. Allí se encontrara con Diego, chico con el que tuvo una relación en el pasado y que ahora vive encerrado en casa. También se encontrara con Ane, su amiga de toda la vida, ademas de con su padre y su hermano. A la vez conocerá a Nico, un niño al que le dará clases de francés.

 

 

Siendo esta la tercera película vasca que veo en el cine este año (después de Loreak y Amama), encuentro una forma de narrar en común en las tres películas. No en todos los aspectos, pero si en el ritmo de las historias, no hay prisa, las cosas pasan porque tienen que pasar, como la vida, que se va sucediendo. En esta forma de narrar veo la personalidad, la forma de ser de los vascos, entiendo una cultura, un paisaje, una historia.
En “Un otoño sin Berlin” todo el dramatismo que podría haber en la historia no esta, porque no se mete el dedo en la llaga, porque cuenta la vida, el amor, la amistad… y esto es mucho mas bonito. Hay una ternura en toda la película, una nostalgia, esa nostalgia del personaje de Irene Escolar, la nostalgia de la directora que también vuelve allí a rodar su película. Todo esta retratado con un inmenso amor, como la relación entre June y Diego, o la de June y Nico.

 

 

Con todo esto, me pareció extraordinaria la actuación de Irene Escolar, que me llevo durante toda la película de un lado a otro cada vez sintiéndome mas cerca del personaje de June. Hasta el momento final en el que con solo un plano y el rostro de June llegamos a entender y empalizar con todo lo que ha pasado, esta pasando y podría pasar el personaje.
Una preciosa opera prima que habla sobre como es aquello de volver a casa después de haber estado fuera y de haber mitificado esa vuelta, sobre las relaciones humanas, sobre la vida que pasa y sobre la maduración de un personaje que tiene que aceptar que algunas cosas son como son y que mas tarde, de esta aceptación vendrá su felicidad.

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AMAMA

 

Hace unas cuantas semanas mi madre venía de visita a Barcelona y la misma noche en la que llegó nos fuimos al cine a ver Amama, en la sala éramos todos vascos que sintiéndonos lejos de casa fuimos a recordar y a sentir aquello que esta en nuestro pasado, cultura, genética y forma de vivir. Una historia sobre las raíces y tradiciones vascas, sobre las metáforas, la pérdida, el dejar marchar, el cambio de generaciones, la vida, la familia.

 

 

Amama 2

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