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Blue Rai

5 producciones de ESCAC estarán presentes en el Festival de Málaga

Estamos felices de contar con  5  producciones de ESCAC FILMS en la 20a edición del Festival de cine de Málaga que se celebrará del 17 al 26 de marzo.

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FESTIVAL FASCURT

Fascurt es un festival que este año ha llevado a cabo su décimo tercera edición. Es un festival lleno de magia que se desarrolla a lo largo de tres días en la playa de un pueblo de pescadores llamado Masnou. Realmente no parece un festival, parece una reunión masiva en la que la gente, no solo del pueblo, va a la playa para ver cortos y beberse una cerveza. Esto no lo hace menos serio o menos cinematográfico. Creo que es todo el contrario: el cine está hecho para que gente de todo tipo se encuentre en un mismo sitio y vea algo que les haga sentir o emocionarse. Algo que les provoque miedo, risa, llanto… o que los deje indiferentes.

 

 

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VOLEU ENTRADES PER AL FESTIVAL MORITZ FEED DOG?

Moritz Feed Dog és el primer Festival de Cinema Documental sobre Moda, Cultura i Ciutat que es celebra a Espanya, i tindrà lloc a Barcelona els dies 14, 15, 16 i 17 de maig. Mortiz Feed Dog neix amb la voluntat d’oferir una programació en la qual, igual que a l’altre Festival organitzat per Inedit Producciones, Beefeater.In-Edit, prevalgui la qualitat cinematogràfica de les obres, des dels continguts a l’estètica. Una iniciativa que se centra en el gènere del documental i l’obra d’autor amb la moda com a temàtica, entenent aquesta disciplina com expressió cultural.

 

Gràcies a l’habitual col·laboració de l’ESCAC amb Moritz, disposem per als alumnes de 10 entrades per a la inauguració de la mostra, en què es projecta Dior and I, i 5 més per a cada una de les següents pel·lícules: Call it Balance in the UnbalanceChristian LouboutinFresh DressedTraceableNotebook On Cities and ClothesTwiggy: The Faces of the 60s.

 

Si en voleu alguna, escriviu a comunicacion@escac.es indicant el vostre nom i l’entrada que voleu; llavors se us proporcionarà un codi per a adquirir-la a través del web del festival.

 

Teniu temps fins dimecres 13 a les 9h per a fer les vostres peticions. Aprofiteu!

 

JORNADES DE NOVES ESTRATÈGIES D’EXHIBICIÓ I DISTRIBUCIÓ DE CINEMA INDEPENDENT

En el marc de la propera edició del Festival Internacional de Cinema d’Autor de Barcelona, es desenvoluparan les Jornades sobres noves estratègies d’exhibició i distribució de cinema independent, que tindran lloc al edifici de la Fundació SGAE entre el 28 i 29 d’abril de 2015. Una cita en què els diferents agents locals i internacionals de la indústria cinematogràfica es reuniran per impulsar la participació i cooperació en nous projectes. Les diferents taules rodones i ponències es complementaran amb espais destinats al networking i les reunions informals. Una trobada ineludible per als professionals que pretenen recórrer a noves vies de finançament, distribució, promoció i exhibició per a les (seves) pel·lícules.

 

Consulteu el programa.

 

ESCAC-EROS EN EL NOTODOFILMFEST

Alumnos y graduados de la ESCAC compiten en el Notodofilmfest con un divertido cortometraje sobre el precio de la fama, que se encuentra entre los más vistos.

 

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CRÓNICA DEL FESTIVAL REC

Cuando asistí a la XIV Edición del REC Festival Internacional de Cinema de Tarragona prácticamente no salí de la sala de proyecciones. Y aunque llegué el tercer día, pude ver los primeros proyectos de nuevos cineastas muy prometedores que competían en la sección principal, Ópera Prima. Estos son para mí los más destacables, para mejor o para peor.

 

10000 Km nos cuenta la historia de una pareja separada por la distancia que se comunica a través de las nuevas tecnologías. Éste último es el factor más redimible de la obra, puesto que la historia es algo insulsa. Completamente integrados tanto en la trama como en nuestras propias vidas, los sistemas de comunicación modernos aún tienen que hacerse su sitio en el cine. Hasta ahora si hablamos de películas en las que pasamos la mayor parte del tiempo viendo pantallas en la pantalla (valga la redundancia) nos vendrán a la cabeza obras de ciencia ficción como Star Trek II: La Ira de Khan o imaginaremos un futuro distópico y pesimista. No nos damos cuenta de lo cerca que está ya de nuestra realidad. 10000 Km se encarga de ir acorde con ella y recordárnoslo. Tal vez nos encontremos ante una metáfora sutil, la vida del protagonista masculino parece ser truncada completamente, pero, ¿es por la distancia de su amada o es porque ha olvidado que hay algo más fuera de la pantalla? Quizá esté divagando pero la película no se aleja de introducir conceptos sutilmente, como podemos ver en su inteligente uso de patrones cromáticos en los decorados y vestuario. Para acabar, resaltar que está muy bien interpretada. Natalia Tena y David Verdaguer son el verdadero sustento de la película, no sólo por ser los únicos personajes si no por la espontaneidad y frescura de sus diálogos.

 

10.000 Km

 

The Tribe te remueve. Inquietante y atractiva a partes iguales des de el primer minuto. De un lado tenemos el contenedor, larguísimos planos generales-secuencia y diálogos en lenguaje de signos sin subtítulos. Del otro su contenido, una inmersión fascinante hacia un mundo oscuro que no conocemos o ignoramos deliberadamente, pero que tenemos justo al lado. La elección en el tipo de plano, los diálogos ininteligibles y la crudeza al tratar escenas violentas nos transmiten una sensación: no deberíamos estar viendo esto. Como lo hace su ritmo lento, al que no estamos nada acostumbrados. La pantalla nos invita a formar parte de algo a lo que no pertenecemos y de lo que queremos guardar una cómoda distancia, provocándonos a la vez rechazo y un interés cuasi morboso, motivado por la incredulidad. Brillante.

 

Dos otoños, tres inviernos debería ser un corto. Y probablemente lo sea, aunque estirado como un chicle, pues muchas de las obras presentadas a la sección Ópera Prima encuentran su origen en cortos previos. Su formato, combinando constantemente voz en off con personajes hablando directamente a la cámara, es como éstos mismos. Por su personalidad y su comportamiento y palabras pueden enternecernos al principio y sin duda pasaremos un buen rato y nos divertiremos con ellos, pero pasada la novedad cansan un poco.

 

Si The Tribe nos muestra el reverso tenebroso del mundo actual y la sociedad, El camí més llarg per tornar a casa hace lo propio con nosotros mismos. Borja Espinosa interpreta a un hombre abatido por la muerte de un ser querido. Su incapacidad para afrontarlo y la enajenación que le provoca el duelo lo arrastrarán en una espiral descendiente hasta lo más bajo y triste del comportamiento humano. Aunque pueda parecer un tema muy casuístico su mensaje adquiere un carácter universal. No es solo que todos intentemos negar nuestro inevitable perecimiento para así vivir mejor, también puede aplicarse a cómo nos evadimos en general de afrontar problemas. El tono que utiliza le da al tema un aire oscuro y así consigue tocarnos de una manera mucho más desgarradora. El uso del perro como símbolo encaja a la perfección con el contexto y representa muy bien cómo un conflicto nos perseguirá por más que intentemos evitarlo, pero resulta un poco manipulador.

 

El camí més llarg per tornar a casa

 

For some inexplicable reason se nos vende en el programa del festival como la historia de un Woody Allen húngaro. Y ciertamente nos remite a la obra del director, concretamente a Toma el dinero y corre. Ambas son óperas primas y sucesiones de secuencias unidas por un hilo bastante fino, cuasi invisible, pero igualmente tienen su gracia y nos hacen reír. Solo que esta menos. Cuando en el Q & A posterior al pase se nos reveló que nunca llegó a escribirse un verdadero guion no nos sorprende. Aun así hay que felicitar al equipo, formado en gran parte por noveles que colaboraron en este proyecto de fin de carrera. La película ya ha cosechado un notable éxito en Hungría y ha ganado ya algún premio (irónicamente, al mejor guion).

 

Viktoria es épica e intimista, histórica y onírica. Nos cuenta a la vez la historia de tres generaciones de mujeres de una misma familia y la de la caída de la URSS. Aunque puedan parecer oxímoros y ciertamente algunos de sus contenidos choquen entre sí o no estén del todo bien enlazados, no se puede concebir el film quitando una de sus partes. Además todo va envuelto en una fotografía y un diseño de producción impecables que nos atraen y sumergen.

 

Los Hongos es un gran ejemplo de película descriptiva. Lo inusual de su contenido y sus colores bonitos y brillantes nos entretienen mientras conocemos el estilo de vida de dos jóvenes grafiteros de la Colombia urbana y lo contrastamos con el de sus progenitores. Casi todos ellos son personajes con algún punto de ternura (o muchos), y todo va aderezado con música muy rítmica y alegre. Su visionado deja un muy buen sabor de boca.

 

No One’s Child es la historia basada en hechos reales de cómo un niño lobo fue encontrado en los bosques y posteriormente civilizado. Aunque la premisa sea algo tópica se nos acaba presentando una subversión del tema, que también acaba siendo un poco típica. Como estereotipada es la rápida aceleración que el niño experimenta en su proceso de aprendizaje. La pregunta es, ¿daña eso a la película? Sí, puede que no sea muy original y que ello haga rehuir al espectador con más experiencia, pero su factura es reluciente. Hay que elogiar la interpretación de Denis Muric como el niño, al igual que la de sus compañeros, adultos e infantiles. Y la historia, sea como sea, está contada de una forma muy fluida y correcta. Además, el uso de metáforas y un mensaje simples nos hacen sentir muy listos como espectadores, por lo que es un recurso muy astuto. Perfectamente comprensible que ganase el premio del público. Pero bajo su “sencillez” se esconde mucho trabajo de preparación y detallismo, que también hay que valorar.

 

No One’s Child

 

Como se ve, ha sido una experiencia muy variada e interesante. Concluiré con un pequeño apunte sobre el festival en sí. Por su sencillez, por su humildad y por mantener un ambiente distendido y familiar que se mantuvo en los Q & A (y sobretodo en el acto de clausura con Carlos Vermut), quisiera felicitar a la organización. Mi más sincera enhorabuena.

 

Jaume Bernabéu (1º)

 

CRÒNICA DE L’ALTERNATIVA. FESTIVAL DE CINEMA INDEPENDENT DE BARCELONA

Si faig la vista enrere a tota aquesta setmana de festival he de dir que m’he sorprès, i molt.

 

Recordo el primer dia quan, asseguda al tren en el camí d’anada al CCCB, no deixava de preguntar-me: amb què em trobaré? Quan dius que vas a un festival de cinema, la gent sol imaginar-se “red carpets”, molts periodistes, gent famosa i elegant… L’Alternativa és un d’aquells festivals que clarament s’exclou d’aquesta categoria.

 

El Hall de L’Alternativa. Espai de trobada.

 

El sentiment és el de trobar-me com a casa, per la familiaritat, la senzillesa y naturalitat de l’ambient. El festival desprèn això i molt més, i crec que el Hall és la sala que més personifica la seva essència. Hamaques, coixins per terra, matalassos… la gent es posa còmode i comenta. És una zona de pas, de moviment, i una zona de barreja ja que no sols hi trobem el públic del festival sinó també el públic d’altres exposicions del CCCB. Això, per a mi, és l’Alternativa, és el cinema. Aquesta sala està oberta a tothom. No es necessita entrada per a accedir-hi i això la fa diferent. Amb projeccions non-stop i la gent parlant. Al cap i a la fi el cinema està fet per a això: per a reunir persones al voltant d’una experiència col·lectiva que dóna pas a idees, sentiments, opinions, punts de vista diferents… M’agrada perquè aquesta és potser la sala més salvatge, la més autèntica. Es deixa de banda tota aquesta suposada aparença que ha de tenir el cinema i es queda amb el que importa: el què i el perquè.

 

49 països participants i 150 projeccions al llarg de tota una setmana. Evidentment no vaig poder assistir a totes elles però vaig poder disfrutar de Diop Mambèty, Anne Marie Mièville juntament amb Godard, María Cañas, Camila José Donoso, Harun Farocki, José Alayón… Una gran varietat d’autors, una gran varietat de temàtiques… i un joc amb el temps que m’ha permès ampliar una mica més la meva visió sobre el cinema d’aquests últims 40 anys.

 

“Naomi Campbel” de Camila José Donoso i Tomás Videla

 

Trobo que aquesta varietat converteix l’Alternativa en un festival de culte. No en el sentit que un necessita saber per a entendre sinó perquè un cop es surt d’allà el públic s’ha enriquit culturalment. És curiós el que es pot arribar a aprendre escoltant converses alienes sortint de les projeccions, assistint a col·loquis de directors, intercanviat opinions al Hall o simplement fent cua.

 

Tota la diversitat d’activitats que oferia el festival (seminaris d’escoles, taules rodones, tallers infantils, masterclass…) va portar a un públic molt variat també. Gent jove, gent gran, nens… Tots reunits en un mateix punt compartint coses diferents i a la vegada similars, rebent una mateixa idea de maneres diferents.

 

Sarah Romero (1er)

 

 

CRÓNICA DE LA CASA ASIA FILM WEEK

La semana pasada la Casa Asia de Barcelona y los Cinemes Girona organizaron por segunda vez la Casa Asia Film Week, una ambiciosa muestra de películas asiáticas difíciles de ver en nuestro país.

 

Entre sus peculiaridades estaba el hecho de que el jurado que valoró las películas a competición estaba compuesto por estudiantes de cine. Entre ellos estaba nuestra alumna Georgina Latorre (3º), que ha escrito una crónica de su experiencia, hablando de las películas que más le interesaron.

 

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Martes 11

 

Cine acogedor, esperanzas de éxito; sala llena y altas expectativas. Así es como se inicia el Casa Asia Film Week y lo hace con la película Seven Weeks, hecho que ni comparto ni comprendo en una inauguración que viene con una historia detrás (hacía dos años que el festival no se llevaba a cabo en Barcelona) y una incertidumbre ante sí. Una película espesa, con planos ametralladores y un guión incesante y a veces inconexo que pretende transmitir un discurso forzado y artificioso. Pasada la primera hora (de las tres que dura la película) medio cine está vacío.

 

Es una lástima que el festival se haya presentado con una película que no era poco interesante, pero sí pretenciosa y demasiado espesa, con una multitud de ideas detrás y, a mi modo de ver, hecha con prisas.

 

Miércoles 12

 

Tras la inauguración, las expectativas siguen altas, pero el miedo ha aumentado. Después de la interesante aunque poco trascendente, Josh , se proyecta Sun Station, un rayo de sol que ilumina, de repente, una sala tristemente medio vacía. Una obra emocionante, con una interpretación sublime y un paisaje insólito, desgastado y paradójicamente atractivo y original. Tratando unos temas universales como lo son la soledad y el compañerismo, la historia nos adentra a una situación cultural totalmente desconocida e interesante.

 

Jueves 13

 

Snow se desarrolla en un solo espacio y eso juega sin duda a su favor. Con una premisa aparentemente simple (problemas económicos) se juegan una serie de actitudes y sentimientos que chocan con el regreso del protagonista a su casa natal, enseñándonos de manera sutil la cultura iraní. El director y guionistas nos muestran en una hora y media dos cosas muy importantes en el cine: cómo mantener al espectador enganchado a una historia que se desarrolla entre cuatro paredes y un conjunto de matices culturales que nos acercan a una sociedad tan lejana y desconocida.

 

Tras esta hermosa película, nos proyectan Wajma, una obra maestra. A pesar de no ser un tema novedoso ni original, la película es sorprendente por cómo se nos enfoca la historia; una joven afgana se queda embarazada de un hombre que, al enterarse de la noticia, se desentiende. Un padre afgano con unas convicciones culturales claras evoluciona y crece por amor a su hija. Una madre que no abandona los sentimientos de su niña y la acompaña hasta donde haga falta a pesar de llevar encima un peso tan grande como lo es la duda de estar haciendo lo correcto. Una abuela que se involucra, de un modo encubierto, en una historia totalmente atrevida, valiente y llena de contradicciones, en el buen sentido de la palabra.

 

“Wajma”, dirigida por Barmak Akram, ganó el primer premio del CAFW

 

Todo ello contado con una interpretación increíble por su voraz veracidad.

 

Echaba de menos una película feminista y he recibido una buena dosis con un valor añadido: cultura.

 

Después de estas dos grandes películas, se proyecta una más: The Owners. Desde luego ésta última se desmarca. Ya no estamos en un terreno realista, sino totalmente onírico y estéticamente muy atrevido. Cada plano del film es digno de ser estudiado, propio de un cuadro. Cargada de simbolismo, la película apuesta por la mezcla entre lo dramático y lo absurdamente cómico, un contraste que hace del film algo especial, con un trasfondo crítico y aplicable a toda sociedad, sea de donde sea.

 

“The Owners”, de Adilkhan Yerzhanop (Kazajistán), mención especial del jurado

 

Viernes 14

 

The Teacher’s Diary es el inicio de un día menos potente que el de ayer. Con una apuesta clara hacia lo fácil, la película nos narra la típica historia de amor a distancia entre dos profesores; nada del otro mundo. Sin embargo hay algo interesante en el film; es el paisaje, una escuela flotante en medio de un largo inmenso rodeado por verdes montañas. Desde luego, agradable a la vista.

 

Después de la típica película romántica se nos proyecta Nomadic Chilhood, una película interesante aunque inconexa. La premisa es unir las diferentes historias que se nos presentan con un tema conjunto: la vida de distintos nómadas. Sin embargo sigue siendo poco para decir que todas las escenas formaban parte de esa misma película. Algunas historias duraban poco, otras demasiado, y al final, me quedo con la sensación de haberme perdido algo.

 

Tras algo de desconcierto empieza Nuoc, una película interesante en un entorno todavía más interesante. Casas flotantes en medio del mar, supervivencia y de repente y por sorpresa, ciencia ficción, que solo aparece en los últimos 20 minutos y a mi parecer, sobraba. Me hubiera bastado con la idea que se desarrolla a lo largo del film, quitando ese final desconcertante e incoherente, con unos efectos especiales de risa. Cuando no hay presupuesto, creo que es más inteligente quitarte de la cabeza querer hacer algo y quedarte en el intento, la simplicidad no tiene porqué ser aburrida; en cambio, quedarte a medias es indudablemente negativo.

 

Sábado 15

 

Miracle In Cell Num. 7 es admirable por su mezcla de tragedia y comicidad. Siempre agradezco reír y llorar en una misma película, sin embargo la historia no me parece nueva y la manera de tratarla me ha molestado; la intención de hacer llorar al espectador está demasiado presente en el guión, creo que la sutileza no es el punto fuerte de este film y es por ello que no me ha cautivado. Sin embargo, es una película digna de ser vista, interesante y con una interpretación sublime por parte de una niña pequeña, que rebosa inteligencia y credibilidad con tan solo una mirada.

 

Domingo 16

 

Con Norte, the end of history se cierra el ciclo, se acaba el festival. La película nos habla del cruce de dos vidas, que se acaban condicionando. El bien y el mal, la justicia y la injusticia se presentan a lo largo del film de manera evidente. Es una buena película, pero encuentro innecesaria su larga duración. Son 4 horas, puede que con 3 hubiera bastado para contar absolutamente lo mismo. Entiendo la intención de alargar los planos para mostrar la cotidianidad, pero no entiendo el por qué de una cola tan extremadamente larga al final de cada acción. Repito, la película tiene contenido, pero parte de ese contenido se pierde en los minutos que sobran en cada plano.

 

“Norte. The End of History”, del filipino Lav Diaz, también recibió una mención del jurado

 

La sensación al final del festival es enormemente satisfactoria. A pesar de haber mejores y peores películas, de todas he aprendido, me he acercado a una cultura inmensamente diferente a la nuestra. El ambiente que se ha creado a lo largo de estos seis días ha ido a mejor hora tras hora.

 

Hay películas dignas de recordar, de revisar y de releer. Hay películas que todavía me hacen pensar y sin duda lo seguirán haciendo a lo largo de los meses. Incluso hay alguna que recordaré toda mi vida. Está claro que estamos aquí por el cine, pero hay algo que todavía me ha emocionado más que cualquier película: las ganas de seguir haciendo posible este festival, el esfuerzo y trabajo que se ha volcado para hacer posible estas proyecciones es admirable. Un pequeño cine que no destaca por su cartelera comercial, sino por su apuesta por un cine diferente, inteligente, rico y tristemente tan lejano a la mayoría.

 

Me ha emocionado que todavía existan estas ganas, esta pasión por un cine tan agradable, tan necesario.

‘LUNÁTICO’, DE ESCAC FILMS, EN EL FESTIVAL DE SEVILLA

Además de El camí més llarg per tornar a casa, de la que ya os hablamos, el Festival de Cine Europeo de Sevilla acoge otra película realizada por talento de la escuela, Lunático, una producción de ESCAC Films dirigida por Eduard Sola.

 

En un pueblo en el campo catalán viven los abuelos andaluces de Eduard Sola. Lunático documenta lo que podría ser una historia más de inmigración, amor mutuo y trabajo duro, sino fuera porque el abuelo de Solà es inventor. Es así como en sus ratos libres y a lo largo de toda su vida, el abuelo ha dado vida a toda clase de invenciones disparatadas y de utilidad dudosa: desde unas pinzas luminosas para tender por la noche, a una máquina de tocar el violín. Sólo que, pronto descubriremos, el abuelo tiene una invención que gana por goleada a todas las demás. Y que puede llevarle (y llevarnos) más allá de la estratosfera.

 

 

La película compite en la sección Resistencias, que es el espacio que el certamen reserva al cine español “más estimulante y combativo”, con premio otorgado por un jurado FIPRESCI, y en el que encontramos también los últimos trabajos de Daniel V. Villamediana o Pablo Llorca.

 

¡Suerte!

 

Poster_Lunatico

GRADUADOS DE ESCAC HACEN EL MEJOR DOCUMENTAL DEL FESTIVAL IN-EDIT

Felicitamos a Bogaloo Films, y en especial a Miguel Angel Blanca y Bernat Manzano, graduados de ESCAC, por el premio que acaban de recibir en el Festival In-Edit de Barcelona. Su Un lloc on caure mort, sobre el cantante del grupo de punk-bronca Autodestrucció en plena crisis vital, ha sido considerado el mejor documental nacional del certamen. ¡Enhorabuena!

 

Os dejamos con el tráiler.

Si os gusta, luego podéis verlo aquí!

 

Un lloc on caure mort – Trailer from Boogaloo Films on Vimeo.