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DIRECTOR Y PRODUCTOR DE “LA ISLA MÍNIMA” VISITAN ESCAC

ESCAC sigue apostando por traer a la escuela grandes cineastas de nuestro país, para que compartan consejos e impresiones con los alumnos en tertulias, pues creemos que dialogar con verdaderos profesionales de la industria es una de las mejores maneras de aprender.

 

Alberto Rodríguez, director de "La isla mínima"
Alberto Rodríguez, director de “La isla mínima”

 

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JOSEP MAIXENCHS, REP LA MEDALLA D’OR AL MÈRIT CULTURAL

Com ja havíem anunciat, ahir per la tarda Josep Maixenchs, President Honorífic de la Fundació ESCAC, va rebre la Medalla d’Or al Mèrit Cultural de l’Ajuntament de Barcelona en reconeixement a la seva llarga trajectòria com a professional del cinema i formador de talents de l’audiovisual, que ha contribuït a situar el nostre cinema internacionalment.

 

El propi alcalde de la ciutat, Xavier Trias, li va fer entrega de la condecoració.

 

En el seu parlament, Maixenchs va recordar com l’escola va créixer per necessitat, gràcies a la insistència d’aquells que volien formar-se en la professió, i com la seva voluntat va ser crear un centre multicultural i obert a tothom, que impartís uns estudis originals i únics. Alhora, va aprofitar per a demanar més ajuda a les institucions per al sector.

 

Josep Maixenchs parla al Saló de Cent de l'Ajuntament de Barcelona en presència de l'alcalde Xavier Trias
Josep Maixenchs parla al Saló de Cent de l’Ajuntament de Barcelona en presència de l’alcalde Xavier Trias

 

PEDRO ALMODÓVAR APADRINA LOS 20 AÑOS DE ESCAC (VÍDEO)

El pasado jueves 20 de noviembre de 2014, para celebrar el 20° aniversario de la ESCAC, los alumnos y profesores de la escuela pudieron disfrutar de la visita de uno de los mayores directores y productores de este país: Pedro Almodóvar.

 

Os ofrecemos aquí una breve crónica escrita por uno de los alumnos asistentes, Òscar Larraga (1º). Al final, encontraréis un vídeo que resume la jornada. Si os gusta, ¡compartidlo!

 

Pedro Almodóvar corta la cinta que inaugura el nuevo plató con su nombre
Pedro Almodóvar corta la cinta que inaugura el nuevo plató con su nombre

 

Ni más ni menos que Pedro Almodóvar, cineasta ganador de múltiples premios, sobre los cuales destacan dos Oscar (uno a mejor guión original y otro para mejor película extranjera), se convirtió en el padrino del vigésimo aniversario de la escuela e inauguró el nuevo plató de la escuela, el cuál llevará su nombre en honor a su larga carrera profesional y a su amplia filmografía, compuesta por más de veinte largometrajes.

 

Por supuesto, su visita no terminó aquí, sino que culminó con una Masterclass en la que más que dar un discurso, Almodóvar respondió a preguntas de los estudiantes a la vez que les daba valiosos consejos. Así mismo, la ESCAC no solo se empapó de su experiencia, sino también de su simpatía y buen humor. A base de bromas consiguió meterse al público en el bolsillo y que se respirara una atmosfera agradable y cómoda, tanto para él como para el resto de asistentes. Tan íntima devino la atmosfera del coloquio que pudimos conocer las preocupaciones, las ambiciones y los intereses más personales del cineasta.

 

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El nuevo plató de ESCAC, lleno hasta la bandera

 

Acompañado por el profesor de la ESCAC Sergi Sánchez, Almodóvar nos contó sus inicios en el mundo cinematográfico y cómo, por el hecho de no haber ido a una escuela, ha aprendido solo con la práctica, la experiencia y los errores. “Cada cosa que hacía era como si la descubriera”, explica. Aunque esto también le ha facilitado la creación de un estilo propio, lo que ha hecho posible la aparición de un nuevo adjetivo para designar un estilo cinematográfico: ‘almodovariano’.

 

Aprovechando una oportunidad como esta, los alumnos de la escuela se le dirigieron en busca de consejo y opinión sobre el cine. Además, también le preguntaron por su filmografía, en relación al guión, a sus similitudes y repeticiones y acerca de la dirección de arte, a la cual, reconoció el mismo Almodóvar, trata de manera obsesiva. Según afirmó, le encantan los colores brillantes y saturados, sin mencionar su debilidad por el color rojo.

 

Sobre la figura del director, destacó la importancia de la comunicación con todo el equipo y la capacidad de decisión en cualquier momento. Además quiso subrayar que todo director tiene que encontrarse a sí mismo y, consecuentemente, su propia forma de narrar.

 

Pedro Almodóvar hablando de su cine, acompañado por Sergi Sánchez
Pedro Almodóvar hablando de su cine, acompañado por Sergi Sánchez

 

“He decidido que continuaré haciendo cine”, fue una frase que soltó Pedro Almodóvar durante el coloquio, ya que como dijo, ha nacido para hacer cine y espera verse al cabo de unos años aún dirigiendo, aunque tenga que ser en una silla de ruedas. Sin embargo, le aterroriza el hecho de que sus futuras películas rebajen el nivel de su obra, motivo por el cual se da un buen tiempo para reflexionar y asegurarse que quiere tirar un proyecto adelante.

 

Los alumnos de la ESCAC nos sentimos sumamente agradecidos del paso de una gran figura del cine (referencia y fuente de inspiración) por la escuela, y esperamos que todos los consejos que nos dio un día nos ayuden a tener la misma fama que Pedro Almodóvar.

 

 

¡HEMOS GANADO LA SHOPPING NIGHT BARCELONA!

Nos hemos llevado el gato al agua en la The Shopping Night Barcelona. Nuestra recreación gigante del robot Maria de la película Metrópolis de Fritz Lang ha sido considerada la mejor adaptación cinematográfica de un evento que pretendía convertir el Paseo de Gracia de Barcelona en un gran plató de cine.

 

 

No teníamos duda de que el esfuerzo (la figura se instaló durante todo el día bajo la lluvia) valdría la pena. Gracias y felicidades a todos los alumnos y profesores de Construcción Efímera que lo han hecho posible, así como a Oriol Barcelona y Marc Giralt por la genial iluminación, y a Filmin por su alianza.

 

Premio a la Mejor Adaptación Cinematográfica otorgado en la The Shopping Night Barcelona
Premio a la Mejor Adaptación Cinematográfica otorgado en la The Shopping Night Barcelona

 

ENTREVISTA CON EL DIRECTOR CARLOS VERMUT

Tras un primer largometraje que se parecía más a un experimento narrativo que a una ficción convencional, y que le valió un seguimiento de culto, Carlos Vermut se ha situado en la cresta de la ola del mundillo cinematográfico en España gracias a haber ganado el Festival de San Sebastián con Magical Girl.

 

Jaime Puertas (1º) ha tenido la suerte de poder conversar con él y sacarle jugo. Aquí os dejamos con su entrevista.

 

Carlos Vermut
Carlos Vermut

 

CHANTAJE Y CHOCOLATE CON CHURROS: ENTREVISTA CON CARLOS VERMUT

 

El problema de la gente en general es la necesidad que tienen de comprenderlo todo. Por eso eres débil, Lola; porque tratas de comprender cosas que no tienen explicación

 

Así de fácil lo declara Carlos Vermut (Madrid, 1980) en boca de Juana, en su opera prima Diamond Flash (Psicosoda Films, 2011). Y parece que va en serio: con 34 años y con una breve carrera de un lustro, Vermut ha conquistado a la crítica y al público en la pasada 62 edición del festival de cine de San Sebastián. Su segunda y última película hasta la fecha, Magical Girl (Aquí y allí films, 2014), lo ha consagrado en palabras de Almodóvar como “el mejor descubrimiento del cine español en lo que llevamos de siglo”. Tan sólo hace falta comparar la portada de su último filme con La prima Angelica (Saura, 1974) para ver que el joven cineasta sabe lo que hace. Como un oasis en mitad del desierto, ha nacido un artesano en medio de tanta sequía. Larga vida.

 

Me gustaría que hablaras sobre tu primer contacto con el cine, es decir, sobre tus orígenes. ¿Cuándo decidiste dedicarte al cine?

 

No sé hasta qué punto puedo hablar de un primer contacto con el cine. La relación que yo tengo con el cine es progresiva. En el momento en que empiezo a dibujar es el momento en que empiezo a contar historias. A los dieciséis años grabé un vídeo con la cámara de mis padres, por pura curiosidad. Más adelante, a los veintiocho, me compré mi propia cámara y empecé a grabar a mi hermano y a mi compañero de piso, en plan de coña. Empecé a contar historias filmadas, hice un par de cortos y gané el Notodofilmfest. En ese momento me di cuenta de todas las posibilidades que este mundo me ofrecía, y, pese a que en ningún momento me planteé dedicarme al cine, acabé por escribir el guión de mi primera película, Diamond Flash, que consistía en tres cortos unidos. Para producirla tuve que ahorrar dinero y me puse a trabajar. Todo fue ir experimentando, y para evolucionar tienes que cagarla y volverte a levantar: es el ciclo del aprendizaje. Y la verdad es que mi recorrido ha sido bastante improvisado, como todo en esta vida supongo.

 

Antes de cineasta, fuiste dibujante de cómics. ¿Hasta qué punto ambos mundos pueden interrelacionarse en tus filmes?

 

Sí, la influencia del cómic es importante en mi cine. Fundamentalmente lo veo desde el punto de vista técnico, en la planificación. El hecho de ser dibujante me permite expresar en un plano muchas cosas. De alguna forma, siempre pienso en los planos como si fueran viñetas de un tebeo. Y por eso en las dos películas que he hecho predominan los planos estáticos, donde el movimiento de cámara es mínimo.

 

“El Banyan rojo” de Carlos Vermut

 

Con tan sólo dos películas has logrado crear todo un cosmos de personajes y situaciones caracterizado por tu siempre tan peculiar visión. Tu cine es claramente de autor, y, sin embargo, los dos filmes que has realizado hasta la fecha son thrillers. ¿Te consideras un autor o un cineasta de género?

 

Estas cosas no me las planteo. No me preocupo por definirme como un autor de Cahiers du cinéma o de blockbusters. Mi objetivo es hacer la película que quiero hacer, la que me emociona. Si para el siguiente filme que haga voy a encontrar un productor que me proporcione veinte millones y total libertad, pues yo encantado. No quiero ni mucho menos etiquetarme.

 

Háblame sobre tus personajes: seres de pasado incierto capaces de llegar hasta donde sea por lograr su objetivo. ¿Cuál es tu proceso de construcción de personajes?

 

Es cierto esto que dices: me gusta explorar la moral del ser humano. Y es verdad que temas como la venganza están muy presentes. Pero también creo personajes que persiguen otros objetivos; Enriqueta, en Diamond Flash, por ejemplo, simplemente busca un hombre que la haga reír. En el cine siempre se ha tendido a catalogar a los directores o bien en la trama o bien en el personaje. Yo siempre intento buscar el equilibrio entre ambos, pues creo que los personajes tienen tanto que aportar a la trama como la trama a los personajes. Me gusta contar historias donde los diferentes destinos se crucen. Siempre tengo una concepción de lucha interna en mis personajes. En Magical Girl lo ejemplifico con la tauromaquia: el combate entre razón y emoción. Pues sí: me gusta que los personajes se debatan entre el instinto y la racionalidad. Al fin y al cabo como todos.

 

Muy ligado a tus personajes y a tus tramas se encuentra esa dimensión del misterio y de lo desconocido con la que juegas en tu cine.

 

Me fascina el misterio en el cine. Yo me limito a contar el presente de una historia y de unos personajes, pero estos personajes también tienen un pasado. Es un aspecto que muchas veces se olvida y es fundamental. El hecho de crear unos personajes con pasado, presente y futuro, de los cuales el espectador sólo conozca el presente, es uno de los principales mecanismos del misterio. Poniendo el ejemplo de Pulp Fiction: ¿qué hay dentro del maletín? Nadie nunca lo sabrá. Pero es algo que está ahí, implícito o explícito, y crea tensión. Me gusta dejar espacios en blanco para que el público los rellene, no tanto con la lógica sino con la intuición, imaginación o emoción. Por eso Magical Girl es tan diferente según el espectador que la visione: porque intuición, imaginación y emoción son diferentes en cada persona. También tengo que decir que el cine ya de por sí es misterioso, y el arte en general. No sabemos por qué nos emociona, pero nos emociona: lloramos, reímos o incluso llegamos a sentir rabia. Ese es, sin duda, el misterio más grande.

 

Si hay algo que te caracterice como creador y realizador es, ciertamente, la meticulosidad con la que cuentas tus historias, perfectamente calculadas y tramadas. ¿Cuál es el proceso de escritura de guión que sigues?

 

En un inicio me centro, sobre todo, en la estructura: hay guionistas que empiezan a escribir una historia que no saben cómo acabará. Yo no puedo. Necesito saber de qué va la película mínimamente. Una vez estructuradas las diferentes escenas, las desgloso, es decir, entro en detalles, escenarios, diálogos, etc. En parte es lo que te comentaba antes: para crear una historia no sólo me centro en la trama sino que también en los personajes. Quiero que todo esté justificado y todo vaya de la mano. En el caso de Diamond Flash tenía claro que quería contar la historia de la vida de un superhéroe sin tener en cuenta, precisamente, al superhéroe. En el caso de Magical Girl, sabía desde un principio que quería contar una historia de chantajes. Claro está que no te puedes quedar en la trama, sino que tienes que dotar cada escena, cada palabra de un sentido personal y emotivo.

 

“Diamond Flash”

 

Y siguiendo el tema de los actores, ¿hasta qué punto es importante la dirección de actores en tu cine?

 

La dirección de actores es una de las dimensiones del cine que más me interesa y fascina. Es, claramente, fundamental.  Al fin y al cabo son los actores los que interpretan a aquellos personajes que forman parte de ti y que constituyen la película.

 

De Diamond Flash a Magical Girl has dado un gran paso: has pasado de rodar con actores no conocidos a rodar con actores como Luís Bermejo o Bárbara Lennie o incluso con consagrados como Sacristán. ¿Hay una gran diferencia?

 

Sinceramente no me preocupo por eso. Lo que me han aportado Luís, Bárbara o Pepe ha sido ese espíritu profesional que tanto beneficia al cineasta y del que tanto puede aprender. Por lo demás, lo que más me preocupa es encontrar al actor perfecto para el papel. Si es conocido o no, es secundario. Fellini iba por Nápoles buscando por las calles las caras más raras, por ejemplo. En Magical Girl he tenido la suerte de trabajar en el casting con Sara Bilbatua, directora de casting de directores como Almodóvar o Guillermo del Toro. Fue con ella con quién tomé la decisión de incorporar a Bárbara Lennie y José Sacristán en el equipo. A Luís Bermejo ya lo tenía fichado: había escrito el papel prácticamente para él.

 

Bárbara Lennie en “Magical Girl”

 

Pese a la peculiar estética de tus filmes, al final nos hablas de toros, de churros con chocolate y utilizas a Manolo Caracol en la banda sonora. ¿Hasta qué punto son importantes los orígenes? ¿Cuáles son tus influencias?

 

Siempre se ha dicho que para saber hacia dónde vas tienes que saber de dónde vienes. Pues es un poco esto: para contar una historia, tengo que conocer aquello que rodea a los personajes, que al fin y al cabo no dejan de ser mis personajes, y, por lo tanto, también mi mundo. En el filme retrato, en cierta forma, mi mundo: el Madrid que conozco, los bares que conozco, etc. Y utilizo aquella música que me gusta y creo conveniente, no sólo Manolo Caracol sino también música japonesa. Me encantan directores como Carlos Saura y Pedro Almodóvar. Y veo muy interesante a Nacho Vigalondo, entre otros.

 

¿Cómo crees que te va a influenciar el haber ganado la Concha de Oro a la mejor película y la Concha de Plata al mejor director en la pasada edición de San Sebastián?

 

Yo encantado. Quiero que estos premios sean un beneficio, como un apoyo a mi carrera para que mis próximas películas tengan un mayor alcance. Nunca me lo tomaría como un punto de presión para el próximo proyecto.

 

DANIEL MONZÓN VISITA ESCAC

La setmana passada vam tenir la sort que ens visités en Daniel Monzón, director de pel·lícules com Celda 211 i El niño. El Daniel ens va regalar una Masterclass al matí en una aula plena a vessar d’alumnes expectants. Un d’ells, el Joan Martínez Urango (1r), ens explica com va anar la trobada.

 

Fotos de Jaime Puertas i Òscar Larraga.

 

Daniel Monzón (a la dreta), molt expressiu, acompanyat per Sergi Sánchez
Daniel Monzón (a la dreta), molt expressiu, acompanyat per Sergi Sánchez

 

Daniel Monzón visita ESCAC amb gran entusiasme i amb moltes ganes de compartir amb l’alumnat la seva experiència en el món del cinema i així poder donar consells a futurs cineastes.

 

Comença explicant que l’origen de la seva devoció per aquest art prové de quan era ben petit: amb set anys va anar a veure King Kong i li impactà de gran manera. També, agafava llibres de cinema i amb les fotografies s’imaginava histories que després veuria en pel·lícules reals.

 

Poc a poc s’anà interessant cada cop més en les pel·lícules i va començar a escriure articles sobre cinema que després deixà caure en revistes com Fotogramas, a on el van agafar per realitzar entrevistes, crítiques, etc. Més tard, va entrar a treballar a TVE i també a programes de ràdio, mentre estudiava ciències de la informació en la branca d’imatge.

 

Però Monzón, després de treballar en diverses tasques cinematogràfiques, decideix rodar el seu primer llargmetratge, titulat El corazón del guerrero, sense haver fet cap curtmetratge anteriorment. Comenta que abans de dur a terme el rodatge sentia por a descobrir que fer cinema realment no li agradava, però aquesta va desaparèixer en el primer dia de rodatge, en comprovar que el cinema era la seva vida.

 

Després de El corazón del guerrero ha dirigit quatre pel·lícules més on trobem, per exemple, Celda 211, i la més actual, El niño.

 

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L’aula de la xerrada es va quedar petita

 

“Per fer cine necessitem passió”, ens comenta Monzón, de la mateixa manera que ens diu que abans de rodar hem de tenir una bona preparació però que sempre va bé deixar un percentatge de improvisació per no perdre naturalitat en el resultat final i això ho comprovem quan comencem a parlar sobre Celda 211 on explica anècdotes com per exemple el fet de voler rodar en una presó real i al trobar la més indicada van veure que estava pintada d’un vermell que recordava a la sang i amb un terra que semblava un tauler d’escacs però que els va fascinar de tal manera que van decidir respectar-ho.

 

Abans d’arribar al torn de preguntes ens parla de la seva experiència rodant El niño, una pel·lícula única ja que aquest tema mai s’havia rodat abans a Espanya i remarca que va costar moltes hores de treball i com a recompensa ha resultat ser la segona pel·lícula més taquillera d’Espanya amb una recaptació de 16 milions d’euros.

 

Explica que abans de començar a rodar volia saber molta informació sobre el tema de tràfic de drogues per tal de fer una pel·lícula molt propera a la realitat i això ho va aconseguir entrevistant autèntics delinqüents juntament amb la policia.

 

Probablement el que més ens impacta d’ell i de la seva carrera és el fet que sigui autodidacta.

 

En el torn de preguntes es deixen caure consells sobre com dialogar i reforçar la connexió director-actor per poder millorar la qualitat final, ja que és un aspecte molt important i que moltes vegades es deixa en segon terme.

 

També ens comenta que li han ofert fer remakes de Fúria de titanes y El Cuervo, entre d’altres títols, i inclús fer el remake de pel·lícules seves com Celda 211, però que ha rebutjat ja que com diu ell: “es que jo això, ja ho he fet”.

 

Abans d’acomiadar-se explica que té nous projectes en ment i moltes ganes de realitzar-los.

 

La naturalitat de Monzón, els seus consells i la seva manera de captar l’atenció han fet d’aquest parell d’hores una Màster Class rica en coneixements, que a més d’un li haurà servit d’ajuda i d’inspiració per a futurs projectes.

 

A la tarda, Monzón, acompanyat de la muntadora Mapa Pastor, assistiria a una projecció de Celda 211 organitzada per l’ESCAC a la Filmoteca de Catalunya.

 

JOAN MARIMÓN PRESENTA EL SEU LLIBRE “EL MONTAJE CINEMATOGRÁFICO”

El proper dijous 6 de novembre a les 19.00 el professor de l’ESCAC Joan Marimón presentarà el seu llibre “El montaje cinematográfico. Del guion a la pantalla” a l’Acadèmia de Cinema de Catalunya (Passeig de Colom 6, Barcelona). Si hi voleu assistir, haureu de confirmar la vostra presència a info@academiadelcinema.cat

 

Estem segurs que aquesta publicació suposarà una fita en la bibliografia fílmica espanyola, i la xerrada de dijous es presenta d’allò més interessant, ja que també comptarà amb la presència de nombrosos professionals del muntatge.

 

Per anar fent boca, us deixem aquí un text introductori escrit pel mateix Joan Marimón.

 

Portada de "El montaje cinematográfico. Del guión a la pantalla"
Portada de “El montaje cinematográfico. Del guión a la pantalla”

 

ALQUIMISTES D’EMOCIONS

 

“La invisibilitat del muntatge clàssic va fer invisibles els muntadors”, es diu al documental La magia del montaje (The cutting edge, The magic of movie editing, 2004) de Wendy Apple amb muntatge de Tim Tobin. La frase es una variació de la que es coneix com la gran paradoxa de l’ofici de muntador: és l’únic professional que es dedica a ocultar el seu treball.

 

La invisibilitat del professional de la postproducció tendeix a mantenir-se malgrat les propostes de muntatge visible de Jean Luc Godard a A bout de souffle (1960), malgrat els errors de continuitat que editors moderns fan servir com a recursos, malgrat formats com ara el videoclip o com els documentals (que acostumen a ser productes “de muntatge”) o dels nombrosos programes de continuitats-collage de l’actual panorama televisiu.

 

A la presentació del llibre “El montaje cinematográfico. Del guion a la pantalla” del dijous dia 6 de novembre en la Acadèmia de Cinema de Catalunya prendran la paraula diversos muntadors catalans (uns quants d’ells ex alumnes de l’ESCAC) responsables d’alguns dels millors documentals i llargs de ficció catalans i espanyols dels darrers temps. Entre la invisibilitat que continua manant a la majoria de pel.lícules i la condició sovint de monjo a una sala més aviat obscura, aïllat del món, del muntador, aquest col.lectiu de professionals de l’audiovisual segueix configurant-se com un enigma. La presentació del dia 6 pot ser una ocasió de visibilizar uns quants muntadors i de reivindicar així, en una petita mesura, una de les millors professions, la de  l’alquimista de les emocions que s’amaga en tot muntador.