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GRADUADOS DE ESCAC PRESENTAN PELÍCULA EN SEVILLA

El Festival de Cine Europeo de Sevilla, que se inaugura el 7 de noviembre, verá el estreno mundial de una nueva película surgida del talento de la ESCAC. Se trata de El camí més llarg per tornar a casa, que dirige Sergi Pérez, escriben el propio Sergi más Roger Padilla y Eric Navarro, fotografía Bet Rourich (junto con Julián Elizalde), monta Liana Artigal, compone la música Àlex Sardà y produce Aritz Cirbián, con Carlos Pequerul como director de la producción. La mayor parte del equipo técnico también ha salido de ESCAC, como Anna Harrington, jefa de sonido directo. ¡Menudo plantel!

 

El camí més llarg per tornar a casa trata sobre Joel, que una mañana sale de casa para llevar a su perro al veterinario, y al dejarse las llaves dentro, se ve envuelto en una huida obsesiva de sí mismo. Mientras da desconcertantes vueltas, intenta deshacerse del perro y va dejando desencajados a sus amigos y conocidos, la verdad de lo que le ocurre va aflorando, ajustando las cuentas que tiene consigo mismo (a raíz de un trauma reciente), que no le permiten atisbar el camino de vuelta al hogar.

 

 

El film compite en la Sección Oficial del certamen sevillano, en la que también han sido seleccionadas las últimas cintas de Alain Resnais, Pedro Costa, Manoel de Oliveira, Mike Leigh, Larry Clark, Bertrand Bonello o Roy Andersson. La primera división del cine de autor europeo, vamos.

 

Las proyecciones de El camí més llarg per tornar a casa se llevarán a cabo los días 12 y 13 de noviembre, ambas a las 20:15h en los Cines Nervión de la capital andaluza.

 

Más información: festivalcinesevilla.eu

 

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ESCAC EN EL FESTIVAL CANAL + DE SERIES

Con gran éxito se presentaron el domingo, dentro del Festival Canal + de Series, los episodios piloto de Taxi y VHS, dos proyectos de final de Grado de nuestra escuela. Diego Castiñeiras, alumno de primero de la ESCAC, estuvo allí y nos lo cuenta.

 

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El pasado fin de semana tuvo lugar en los cines Cinesa de Diagonal Mar el Festival Canal + de Series. Del 24 al 26 de octubre se proyectaron en varias salas capítulos de diferentes series como Juego de tronos, Big Bang o Modern Family, además de las diversas master class y talleres temáticos.

 

Entre estos talleres se realizó el de “ESCAC: Nuevos creadores”, el domingo 26. Dentro de este taller se presentaron dos episodios piloto para series realizados por alumnos de 4º de la ESCAC. Un equipo formado por varios alumnos y profesores de la escuela dio a conocer los proyectos que han desarrollado: Taxi y VHS.

 

Tuvimos la oportunidad de disfrutar de dos series muy diferentes, con historias muy dispares, de 30 minutos de duración cada una. La primera en visionarse fue Taxi, la historia de un taxista veinteañero de Barcelona, rodada tanto en catalán como en castellano. El segundo piloto proyectado fue VHS, que nos presenta a un padre de familia que acaba de ser despedido de su trabajo y decide volver al trabajo que había dejado hace más de una década: el porno.

 

Conferenciantes en el Festival Canal + de Series
Conferenciantes en el Festival Canal + de Series

 

La proyección de los pilotos fue acompañada por un coloquio con los creadores de los proyectos, cuatros alumnos de la ESCAC y sus profesores Paco Caballero, Natalia Duran y Enric Pardo, en el que explicaron cómo los hicieron posible con aproximadamente 8.000€.

 

Tras una extensa charla en la que se habló tanto del comienzo de los proyectos como del desarrollo hasta la versión final, se dio por finalizada la cita, de la cual la gran cantidad de espectadores asistentes salió con muy buen sabor de boca y grandes expectativas.

SITGES FILMS (i 9)

Acabem el repàs a alguns dels títols que els nostres alumnes van poder gaudir al Festival de Sitges amb la crítica de Joan Martínez, alumne de primer, sobre Réalité.

 

I recordeu que aquest blog está obert a la col·laboració de tots els estudiants. Animeu-vos!

 

 

Si el món dels somnis ja és força complex, Réalité és el súmmum. Un film ple de connotacions absurdes i un guió format per diferents capes que s’entrellacen entre elles.

 

En total en trobem tres: en un primer lloc una nena, que es diu Réalité, que desitja veure una pel·lícula en VHS que troba a l’interior d’un porc senglar que ha matat el seu pare. Per una altra banda tenim un càmera d’un programa de televisió que vol fer realitat una pel·lícula que té en ment des de fa força temps i que intentarà que un productor li compri. Finalment, un presentador d’un programa que té una malaltia que resulta ser producte de la seva ment.

 

A l’inici de la pel·lícula és desenvolupen les tres històries i poc a poc aniran entrellaçant-se i barrejant-se fins a arribar a un cert punt on tot perd el sentit i la realitat és veu totalment regirada: la nena aconsegueix mirar la cinta de vídeo on apareix el càmera que arriba a la bogeria i s’interna en un centre psiquiàtric i alhora és gravada per un productor…

 

El ritme és bastant accelerat, cosa que en alguns moments pot donar lloc a confusions i un cert desordre.

 

En l’apartat més tècnic trobem una bona fotografia amb tons terrossos i poc saturats. Els espais utilitzats són força variats, plató de TV, casa forestal, centre psiquiàtric, etc.

 

L’estructura narrativa es va entrellaçant amb una única peça musical interpretada per violins que es repeteix en molts moments de la pel·lícula i que crea un ambient de tensió i de desconcert.

 

En la meva opinió personal trobo que és un film per un públic força concret i que estigui mitjanament familiaritzat amb arguments complexos i regirats com és el cas de Réalité.

 

En molts moments m’he arribat a perdre ja que hi havia masses girs i barreges entres les diferents capes de la història que donaven lloc a confusió. Potser amb un segon visionat moltes coses s’haguessin connectat.

 

En un primer moment semblava una barreja de somnis però finalment ha resultat ser una combinació de diferents realitats, totalment fictícies, que probablement donen lloc al títol de la pel·lícula.

SITGES FILMS (8)

Avui tornem a viatjar a l’Àsia Oriental. Òscar Larraga, alumne de 1er, ens comenta Kundo: Age of the Rampant.

 

 

«United we are people, divided we are thieves» és una de les cites que més es repeteix en la pel·lícula Kundo: Age of Rampant, dirigida per Yoon Jong-bin, i que millor la descriu. Aquesta superproducció coreana que narra com un carnisser que perd la seva família és acusat d’un delicte no comès. Afortunadament, és salvat per un grup d’espadatxins als quals s’unirà per lluitar en contra de la corrupció i ajudar els pobres. De manera que ens trobem davant un grup de Robin Hoods que roben als rics per entregar-ho als pobres.

 

Tot i ser un espectacle d’arts marcials, es podria dir que té algunes característiques típiques del western com són els bandits que roben, els deserts o els personatges que munten a cavall, sense esmentar el fet que ens trobem davant d’una història on hi ha d’una banda els «bons» i de l’altra els «dolents» i que l’estil que envolta el film és molt americà.

 

Aquest film està dividit en cinc actes, el primer dels quals fa la funció de pròleg, en què es veu com Kundo, el grup de lluitadors, actua davant la corrupció. A continuació, el segon acte és el plantejament, ja que es presenta al protagonista, Dol Moo-chi (Ha Jung-woo), i a l’antagonista, Joo Yoon (Gang Dong-won), fill d’un noble ric i d’una concubina, que representarà la màxima corrupció, donat que serà capaç d’assassinar membres familiars per tal d’aconseguir poder, puix que ell és il·legítim. A més a més, durant aquest acte es veurà com Joo Yoon encarrega una feina al protagonista, la qual és una trampa. Per tant, més endavant serà sentenciat a mort pel mateix Joo Yoon, just després que assassinin la seva germana i la seva mare. Ja en l’acte tercer, Dol Moo-chi és salvat pels Kundo i amb ànsies de venjar la seva família, lluitarà, al costat d’aquests bandits, contra els nobles. Així que ja ha començat el nus del film, el qual s’estén fins la meitat del cinquè acte i dóna lloc al desenllaç, que tot i no ser explícit és un final tancat.

 

La història d’aquesta pel·lícula es desenvolupa a partir de tots els girs que esdevenen, ja que són aquests els que construeixen el sentit i la coherència del film. D’aquesta manera, a mesura que transcorre la història es va creant una relació d’odi més estreta i clara entre el protagonista i l’antagonista, de forma que encara que Kundo sigui un grup de bandits, el clímax del film es troba a la batalla final entre Dol Moo-chi i Joo Yoon.

 

En aquesta pel·lícula destaca l’acció i l’aventura; i el drama i la comicitat es troben en un punt d’equilibri que permet que l’espectador es trobi davant d’un film seriós, ja que no deixa de ser una crítica a la tirania i la corrupció, però al mateix temps, entretingut i lleuger.

 

Cal destacar que el director ha decidit afegir el recurs de la veu en off per presentar personatges o, acompanyada de flashbacks, explicar successos, puix que d’aquesta forma es pot donar més informació al públic en menys temps. Considero que es una decisió molt encertada perquè permet que l’espectador conegui tot el necessari per comprendre i gaudir del film però sense deixar que la pel·lícula es faci llarga, avorrida o pesada.

 

Pel que fa a l’atmosfera de la pel·lícula, les localitzacions exteriors tenen gran importància, ja que més de la meitat del film té lloc a l’aire lliure. A més a més, en general, aquestes acostumen a ser lluminoses i destaquen els colors càlids, mentre que els interiors, solen ser una mica més foscos.

 

Afegim que la direcció d’art ha establert un grau de diferenciació dels pobres i els rics a partir de la textura i el color del vestuari, ja que la roba dels pobres, a part d’estar bruta, és més fosca i opaca i és rugosa, mentre que els rics vesteixen amb colors més clars i brillants i la seva vestimenta és completament llisa, a part de ser més gran, ampla i ornamentada. D’altra banda, gràcies al vestuari, l’atrezzo i als escenaris, la direcció d’art transporta a l’espectador a una Corea del Sud de mitjans del segle XIX.

 

Tot i així, des del meu punt de vista, cal ressaltar la importància del muntatge en les escenes de lluita, ja que genera un ritme i un caos (controlat) que atrapen l’espectador, però mai desorientant-lo, és a dir, que encara que es canviï de pla i de personatge de manera molt seguida, el públic és capaç de captar i entendre tot el que succeeix. Però la virtuositat del muntatge no seria possible sense la complexa coreografia dels intèrprets. Tanmateix, en aquest tipus d’escenes, la importància que cobren els efectes especials és fonamental; afortunadament, en aquest film estan molt ben treballats, fins el punt que alguns passen gairebé desapercebuts.

SITGES FILMS (7)

Seguimos con el repaso de películas que nuestros alumnos vieron en el Festival de Sitges. Hoy, Sarah Romero, de primer curso, comenta ’71.

 

 

Yann Demange nos presenta su nuevo largometraje protagonizado por un Jack O’Connell ubicado en una situación límite.

 

¿Qué nos quiere decir Demange con esta película? Nos encontramos en 1971, época de grandes disturbios relacionados con el IRA. O’Connell se encuentra en una ciudad rompecabezas en la cual cualquier error le puede llevar a la muerte.

 

La película hace un crescendo reflejado en la tensión que hay en cada situación y que también vive, irremediablemente, el espectador. Dicha tensión estalla en forma de una violencia que podríamos tachar de molesta. Lo que quiero decir realmente con esto no es que la violencia a veces no resulte molesta. Siempre lo es. La diferencia aquí es que la violencia que hay en una película es más llevadera que la que podemos recibir en la vida real. En ’71 esta violencia no es llevadera. He podido ver realmente odio en los ojos de los figurantes, un odio que puede ser difícil de entender. El largometraje se convirtió para mí en una agresión psicológica. Sentía odio pero también lo recibía. Constantemente me situaba en un bando distinto del conflicto. En un chasquido sentía vergüenza hacia los ingleses y en otro comparaba a los irlandeses con animales.

 

El personaje de O’Connell es muy fuerte, consiguió absorberme con facilidad. Vivía virtualmente lo que vivía él y me di cuenta de que llegados a un punto de la película aceptaba cualquier cosa con tal de que éste sobreviviera y volviera a casa. Acepté la muerte fría de su compañero y la de un niño, acepté los dobles juegos, acepté el mal de otros para su bien…

 

La película terminó y me relajé de golpe. El personaje había llegado donde yo quería: a su casa sano y salvo. En un primer momento pensé: uf, ya está. Pero al cabo de poco volví a darle vueltas. Realmente el conflicto no se solucionó. Hice un viaje en el tiempo y me di cuenta de que seguirían enviando pelotones militares a las calles de la ciudad, que los niños al salir del colegio seguirían apuntados con armas, que seguirían entrando en casa de la gente sin motivos, que seguirían muriendo inocentes y que los deshonestos seguirían escabulléndose.  Conflictos así han pasado a lo largo de la historia de la humanidad por culpa de la mísera idea de querer controlar siempre a los demás y seguirán pasando.

 

No puedo dejar de preguntarme si realmente es un thriller por todo lo que le pasa al protagonista o si lo es por ese mensaje de que estas cosas han pasado, pasan y seguirán pasando siempre. Recordando lo que me sucedió al acabar la peli, me vuelvo a preguntar si no será un thriller porque, después de todo, lo único que importa es que vuelva a casa sea el precio que sea.

SITGES FILMS (6)

Comentario de la cinta japonesa Over Your Dead Body, dirigida por Takashi Miike. Autor de la crítica: Èric Borràs, alumno de 1º.

 

 

El director japonés mundialmente identificado como “la provocación que llegó de oriente” vuelve a causar polémica, controversia e impacto sobre los espectadores con su último trabajo: Over Your Dead Body (Kuime), adaptación cinematográfica de la más famosa historia de fantasmas de la cultura nipona; eso sí, aplicando su inconfundible estilo pero sin abandonar la tradición teatral de esta leyenda.

 

La historia se narra inteligentemente siguiendo dos tramas paralelas: por un lado la muy presente representación sobre escenario del relato original Yotsuya Kaidan, y por contraposición, el día a día de los actores que dan vida a esta obra. A medida que se sucede el tiempo, la fina línea que separaba la realidad de la ficción acaba resquebrajándose.

 

Tres personajes y sus respectivos papeles en la función encabezan esta inquietante película. Una reconocida actriz de teatro, su amante (actor de poca monta) y la mujer con la que es engañada, interpretan a una esposa sumisa y enferma, su violento marido y la pretendiente por conveniencia del mismo. Desde el principio, los personajes ficticios son moldes de quienes los interpretan, dos caras de una misma persona en dos mundos muy diferentes: la ficción y la realidad. De esta forma, los actores que materializan a los personajes de la obra son poseídos por su propia interpretación, convirtiendo la representación teatral en un espejo de sus vidas. Así, el paralelismo entre los dos mundos, cada vez más evidente en el film, permite a Miike tergiversar la trama y jugar con la metáfora.

 

Sumando los elementos anteriores, se consigue un nuevo concepto de terror. Incluye lo fantasmagórico en un mundo no muy lejano al nuestro, que poco a poco va quedando contaminado por lo paranormal.

 

Over Your Dead Body nos presenta quésucedería si lo fantástico dejara de serlo, mediante una historia tradicional contada de una forma muy moderna, con una oscuridad que invade el ambiente, un terror psicológico que casi se puede tocar y el elemento gore que caracteriza a Takashi Miike.

SITGES: MASTERCLASS DE ROLAND EMMERICH

ESCAC Week no solo significa ver películas. Entre las actividades del Festival de Sitges se cuentan también interesantes Masterclass impartidas por destacados cineastas (en el sentido amplio de la palabra). Este año, una de las presencias más esperadas era la del director Roland Emmerich, responsable de títulos como Asalto al poder, 2012, o la emblemática Independence Day. Hoy colgamos aquí una breve crónica de su charla que ha realizado Daniel Molina, alumno de 1º.

 

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A su derecha, un traductor atareado; a su izquierda, Mike Hostench, subdirector del Festival. Él, sonriente y cómodo, con sus gafas de sol en el cuello del jersey y su pelo blanco iluminado por los focos. Las luces se atenúan, la música ambiental se detiene y comienza la clase.

 

En primer lugar, habla de sus inicios, donde reconoce que el cine alemán no era su fuente de inspiración, sino las películas de Hollywood, concretamente el cine de género. Entre risas, admite que no tenía nada claro escoger dirección, pues prefería el diseño de producción, pero mintió para poder estudiar en la escuela de cine. Siguiendo el hilo de sus orígenes,  reconoce estar satisfecho de no haber cambiado su estilo desde que inició sus andanzas en el mundo del celuloide y mantenerse fiel a los temas futuristas y las utopías catastróficas.

 

También le preguntaron por Stargate y levantó un murmullo en la sala cuando anunció que estaba en camino, aunque a largo plazo, una nueva franquicia de dicha película; de forma que podría completar su idea inicial de hacer tres films, frustrada por el reducido impacto de la cinta en su estreno. Tanto MGM como el propio Emmerich no fueron conscientes de la relevancia de la cinta original hasta años después.

 

Tras esto, contestó varias preguntas sobre El patriota: destacó lo emocionante que fue trabajar con John Williams, al que considera una magnífica persona y un excelente profesional; por otra parte, admitió que se sintió atraído por el guión a causa de la temática padre-hijo; y comentó la implicación total de Mel Gibson para desarrollar el personaje.

 

Asimismo, habló sobre la influencia de la literatura clásica en su cine por la cantidad de libros que consumió durante su juventud, y explica que cualquier cosa que escribas estará influenciada por aquello que has leído.

 

No dudó en reconocer que Anonymous es una de sus películas favoritas, aunque no fue de las más taquilleras, ya que trabajó mucho y se enorgullece del resultado de diseño de escenarios, además de aceptar su fascinación por las películas de época, sobre todo por la capacidad del cine de transmitir incluso la forma de pensar de las personas de siglos atrás.

 

Finalmente, con un aplauso unánime correspondido por una sonrisa del maestro de la destrucción, se levanta de su asiento y tras firmar unos cuantos autógrafos pone fin a una clase realmente magistral.

FESTIVAL CANAL+ DE SERIES. ¡ENTRADA LIBRE!

Del 24 al 26 de octubre tendrá lugar en Barcelona (en los Cinesa Diagonal Mar) el Festival Canal+ de Series. ¡Y es de entrada libre!

 

Aprovechadlo para asistir a sus charlas, a los diversos talleres que se organizan (de guion, doblaje, dirección de fotografía, etc.) o para visionar episodios de algunas de las series que ofrece Canal+ en sus canales (Big Bang, The Walking Dead o American Horror Story).

 

Pero sobretodo, no os perdáis los pilotos de series que han realizado los alumnos de cuarto de ESCAC como su proyecto final de carrera. Taxi es una serie joven, un retrato generacional, la historia de un paréntesis vital en el que se tiene que escoger un camino cuando los sueños están aún presentes y el vacío empieza a asomarse. VHS, por su parte, es una serie en clave dramática que junta dos mundos habitualmente muy lejanos: la familia y el porno. Ambas se presentan el domingo 26 a las 18:30h en el marco del “Taller ESCAC: nuevos creadores”. Tras el pase de los capítulos se realizará una mesa redonda con la participación de miembros de sus equipos y de los profesores Enric Pardo y Natalia Duran.

 

Ya sabéis que las series son el nuevo cine. ¡Venid a subiros al tren!

 

Más información en www.festivaldeseries.com

 

UNA SEMINCI ‘ESCAC-ERA’

El sábado arrancó la 59ª Seminci, o sea el Festival Internacional de Cine de Valladolid, que se va a prolongar hasta el próximo viernes 24 de octubre. Como ya sabréis, se trata de una de las citas imprescindibles del calendario cinéfilo español, que este año cuenta con la presencia de destacados cineastas, como el coreano Bong Joon-ho o el alemán Volker Schlöndorff, y de actrices como Verónica Forqué, a quien se ha otorgado (como a Bong) la Espiga de Honor del festival. Entre las películas a concurso, ni más ni menos que los últimos trabajos de los hermanos Dardenne (también presentes en la ciudad castellana), Liv Ullmann o Zhang Yimou; y en paralelo, muestras del reciente cine español, de la obra de Ermanno Olmi, del cine turco de la última década…

 

Por todo esto ya vale la pena hacerse eco del certamen, pero es que, además, este año ESCAC disfruta de un especial protagonismo. Primero porque tres de nuestros graduados concursan en la “Noche del corto español”: Estel Díaz con Ford Escort, Patrícia Font con Café para llevar y Laura Ferrés con A perro flaco.

 

Añádase a eso que los programadores han decidido este año homenajear a escuelas de cine en la sección “ECAM + ESCAC”. Hasta ocho cortometrajes de ESCAC, de la promoción 2013-2014, serán proyectados ahí: Casting de Dani Mena, Con la boca cerrada de Anna Farré,Campanadas de Simón García-Miñaúr de Pulsión sangrienta de Gerard Tusquellas, Ed de Albert Mallol, Ford Escort de Estel Díaz, 10 Miles to Bisbee de Oriol Regata y Sagnant de Tati Dunyó.

 

Una inmejorable ocasión para tomar la temperatura a la cantera de cineastas del país, justo antes de que den el salto a la primera división.

 

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SITGES FILMS (5)

Aprovechando su estreno este fin de semana, colgamos el comentario que Mar Subirats, alumna de 1º, ha hecho sobre Relatos salvajes.

 

 

EL JUEGO DE PERDER EL CONTROL

 

¿Es posible gozar gracias a la ira que conlleva perder el control? Esa pregunta nos plantea el director Damián Szifrón con este largometraje. Seis historias que argumentalmente están desvinculadas entre sí pero en la que los siete protagonistas presentan esa explosión de ira en momentos de máxima tensión. Lo fácil que es traspasar la línea de control establecida por una sociedad es el nexo de estos relatos.

 

La primera historia bien podría servir como prologo de lo que vamos a ver, como una pequeña demostración del placer de perder el control. Éste film, el tercero de Szifrón, juega con el espectador generándole el placer de contemplar la barbarie, con unos personajes que se dejan llevar por un comportamiento primitivo. Sin embargo el espectador empatiza directamente con estos, nos ponemos en su piel e incluso llegamos a entenderlos. Eso es posible gracias a la actitud antisistema del film, pues no es más que una gran crítica de la sociedad, de los que nos rodea, de los pilares de nuestra civilización. Seis cuentos que hacen que se mezclen géneros y tonos, como también las formas narrativas. Esa particularidad o esa diversidad hace que el espectador éste atrapado des de un principio.

 

Szifrón en este largometraje no cuenta con Diego Peretti como en sus dos anteriores trabajos pero tenemos a Darín, a Sbargalia, a Grandinetti o a María Onetto. Relatos salvajes, una película para ver, para disfrutar, pero sobre todo para sentir placer, ese placer que nos conecta con la realidad.