CORTOS DE ESCAC FILMS CANDIDATOS A LOS GOYA Y GAUDÍ

Ya se conocen los preseleccionados para el Premio Goya, de la Academia del Cine Español, y para al Premi Gaudí, de la Acadèmia del Cinema Català, al Mejor Cortometraje del año, y estamos muy contentos de poder anunciar que contamos con ¡4 candidaturas!

 

Tres de ellas son a los Gaudí. Se trata de los dramas  Alex, escrito y dirigido por Laura GarcíaUna hora, un paso, dirigido por Bernat Gual y Aitor Iturriza, y escrito por Emilio López; y de Café para llevar, escrito y dirigido por Patrícia Font.

 

Café para llevar, además, es también candidata al Goya.

 

Fotograma de "Café para llevar"
Fotograma de “Café para llevar”

 

¡Muchas felicidades a todos los responsables! Y suerte de cara a la selección final.

 

Podéis consultar el resto de preseleccionados al Gaudí y al Goya.

 

CRÍTICA DE ANNABELLE

TERROR CLÁSICO MODERNO

 

 

La esperada precuela de Expediente Warren: The Conjuring llega a los cines contando, esta vez, la historia de la tétrica muñeca que tanto pánico causó en el prólogo de su sucesora.

 

El argumento gira alrededor de una joven pareja a la espera de su primer hijo que, tras vivir un trágico accidente que acaba con la vida de sus vecinos y pone en peligro la suya, se vuelve víctima de continuados sucesos paranormales. Aquí es donde entra en juego la inanimada protagonista de la película, pues desde la adquisición de la muñeca, la vida de esta pareja se ve inundada de sucesos terroríficos y siniestros.

 

El film se presenta como una rememoración y homenaje a los clásicos del cine de terror de los años 60, progenitores del género. Las referencias son claras: encarnación de espíritus malignos, utilización del recurso de muñecos diabólicos, presencia eclesiástica, ambientación de época, y como guinda, protagonista joven y rubia. Todo un clásico.

 

Aunque utilice muchos recursos y elementos del terror de los inicios, la introducción de efectos digitales a la hora de presentar lo fantasmagórico nos hace sentir cómo serían esas películas si se rodasen con la tecnología actual. ¿Es posible hacer un film antiguo rodado con los medios de hoy día? Encontramos respuestas muy diversas a esta pregunta, dependiendo de si la exposición directa de los “monstruos” nos anula la magia del terror a lo desconocido, o si de lo contrario nos aterra la presencia del mal en su forma material.

 

La trama, típica y puede que algo previsible para los más experimentados del género, se encuentra a disposición de la muñeca, que brindará por más de un susto a nuestra salud.

 

Así, Annabelle se presenta como el concepto que tenemos de “película de miedo”, pero con la inclusión de un ingrediente que la hace diferente. ¿Es este clasicismo moderno la causa de su innegable éxito a nivel mundial?

Eric Borrás Benavente (1º)

CRÍTICA DE LOREAK

FLORES PARA RECORDAR

 

 

Loreak es el último trabajo de los directores Jon Garaño y Jose Mari Goenga, debutantes con 80 egunean en el 2010, que ahora nos presentan una película que se mueve alrededor del drama interno, utilizando las flores como idea principal, incluso como tema alrededor del cual el argumento va transcurriendo. Un largometraje que nos habla de las flores y de éstas utilizadas como una metáfora, como un recuerdo, como símbolo de la vida pero también como símbolo de la muerte.

 

Todo empieza con un ramo de flores y a partir de éste se va creando un puzle. Jugando con diferentes puntos de vista y con la ayuda de una voz en off, provocando así un crescendo continuo que crea un cierto suspense que deja atrapado al espectador. Es un rompecabezas protagonizado por tres personajes distintos y muy diferentes pero con una cierta similitud entre ellos, la soledad.

 

Así pues, las flores serán el elemento que va a unir a tres mujeres, el nexo de tres historias que llegan a ser una. Ese paralelismo entre personajes será el que nos recreará una atmósfera inicialmente marcada por la soledad. Las flores utilizadas como el elemento de unión de unas vidas marcadas por la ausencia.

 

Un largometraje que juega con el olvido y con lo que éste significa, creando una estructura de espejismo con unos personajes que quieren recordar pero finalmente acaban olvidando, olvidándose de la vida y de la muerte.

 

Loreak, que está hablada íntegramente en euskera, se mueve entre dos aguas, entre la vida y la muerte, entre el recuerdo y el olvido, entre la soledad y la compañía. Éste último trabajo que nos presentan los directores Garaño y Goenga es el perfecto ejemplo de la complejidad que conlleva lo simple.

 

Mar Subirats (1º)

 

DANIEL MONZÓN EN LA FILMOTECA DE CATALUNYA

Nos faltaba explicar la segunda parte de la visita a Barcelona (tras venir a la escuela) que ESCAC le preparó a Daniel Monzón, su paso por la Filmoteca de Catalunya, donde presentó su film Celda 211 y conversó con la audiencia.

 

Daniel Molina (1º) con su texto y Òscar Larraga (1º) con sus fotos lo relatan.

 

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Daniel Monzón (derecha) hablando al público de la Filmoteca de Catalunya

 

Sonrisa imborrable y entusiasmo contagioso le sirven como tarjeta de presentación desde el inicio de la sesión. Previamente introducido por Sergi Sánchez, crítico cinematográfico y profesor de ESCAC, Daniel Monzón nos insta al disfrute de su célebre Celda 211. Obedecemos casi obligados por la tensión y la sucesión de acciones frenéticas en esa cárcel de Toledo, con un Luis Tosar encarnando con maestría al terrorífico Malamadre.

 

La proyección termina con un aplauso que se alarga hasta que desaparece el último título de crédito. La luz inunda la sala de nuevo y los anfitriones vuelven a ocupar su asiento frente a los espectadores e incorporan a Mapa Pastor, montadora tanto de su nueva película, El Niño como el drama carcelario visionado minutos antes.

 

Daniel Monzón narra sus experiencias flanqueado por Mapa Pastor y Sergi Sánchez

 

En ese momento se inicia el coloquio y el director y guionista no duda en detallar cada respuesta, consiguiendo una tertulia dinámica y, sobre todo, divertida.

 

La primera pregunta viene de Sánchez, sentado a su derecha, atendiendo al proceso de investigación y documentación de los hechos en los que se inspira Celda 211, así como el nivel de verosimilitud de la cinta en comparación con los casos reales. Monzón explica su punto de partida, una novela homónima, a partir de la cual se empapa de experiencias junto a Jorge Guerricaechevarría en cárceles reales. Añade que estas vivencias le han servido para obtener distintos puntos de vista acerca de la vida en prisión.

 

Enlazando con el proceso de exploración de estos ambientes, comenta que los figurantes que aparecen en las escenas colectivas eran auténticos presos en tercer grado; cuya condición aportaba veracidad a su actuación e influía en los decorados y otros aspectos.

 

Mapa Pastor, en cambio, no se muestra tan desenvuelta ante el micrófono, pero su compañero de rodaje la empuja a intervenir y, como montadora, explica su satisfacción con el resultado final, pues asegura que fue difícil dado el cambio en cuanto a intensidad dramática que experimenta el metraje cuanto más se aproxima el desenlace.

 

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Mapa Pastor, montadora de ‘Celda 211’

 

La siguiente cuestión que se propone es referente al casting, donde Monzón agradece el trabajo a los responsables del departamento, pues afirma que está totalmente satisfecho. También explica que fue sencillo trabajar con los actores, ya que se mostraron dispuestos desde el primer momento a implicarse al máximo. Destaca la gran combinación entre Luis Tosar y Alberto Ammann. Considera que fue fácil trabajar con ellos, dadas las cualidades de cada uno; “la mayor labor de un director con los actores es elegirlos bien”, dice refiriéndose a una cita de Stanley Kubrick.

 

Por último, le preguntan acerca de los motivos que lo llevaron a escoger ese tema. Sin duda, está encantado de responder, aunque no sabe por qué escogió esta película. Considera que la causa no atiende a la razón. “Tienes la idea y es como un virus, cuya única cura es realizarla”.

DESCUBRE FOUR CORNERS

Seguro que habéis oído hablar de Four Corners, pero ¿sabéis en qué consiste? Descubridlo en este vídeo. (Realizado por los alumnos de 2º Àngels Gázquez, Guillem Gallego y Marco Bertolini)

 

‘LUNÁTICO’, DE ESCAC FILMS, EN EL FESTIVAL DE SEVILLA

Además de El camí més llarg per tornar a casa, de la que ya os hablamos, el Festival de Cine Europeo de Sevilla acoge otra película realizada por talento de la escuela, Lunático, una producción de ESCAC Films dirigida por Eduard Sola.

 

En un pueblo en el campo catalán viven los abuelos andaluces de Eduard Sola. Lunático documenta lo que podría ser una historia más de inmigración, amor mutuo y trabajo duro, sino fuera porque el abuelo de Solà es inventor. Es así como en sus ratos libres y a lo largo de toda su vida, el abuelo ha dado vida a toda clase de invenciones disparatadas y de utilidad dudosa: desde unas pinzas luminosas para tender por la noche, a una máquina de tocar el violín. Sólo que, pronto descubriremos, el abuelo tiene una invención que gana por goleada a todas las demás. Y que puede llevarle (y llevarnos) más allá de la estratosfera.

 

 

La película compite en la sección Resistencias, que es el espacio que el certamen reserva al cine español “más estimulante y combativo”, con premio otorgado por un jurado FIPRESCI, y en el que encontramos también los últimos trabajos de Daniel V. Villamediana o Pablo Llorca.

 

¡Suerte!

 

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DANIEL MONZÓN VISITA ESCAC

La setmana passada vam tenir la sort que ens visités en Daniel Monzón, director de pel·lícules com Celda 211 i El niño. El Daniel ens va regalar una Masterclass al matí en una aula plena a vessar d’alumnes expectants. Un d’ells, el Joan Martínez Urango (1r), ens explica com va anar la trobada.

 

Fotos de Jaime Puertas i Òscar Larraga.

 

Daniel Monzón (a la dreta), molt expressiu, acompanyat per Sergi Sánchez
Daniel Monzón (a la dreta), molt expressiu, acompanyat per Sergi Sánchez

 

Daniel Monzón visita ESCAC amb gran entusiasme i amb moltes ganes de compartir amb l’alumnat la seva experiència en el món del cinema i així poder donar consells a futurs cineastes.

 

Comença explicant que l’origen de la seva devoció per aquest art prové de quan era ben petit: amb set anys va anar a veure King Kong i li impactà de gran manera. També, agafava llibres de cinema i amb les fotografies s’imaginava histories que després veuria en pel·lícules reals.

 

Poc a poc s’anà interessant cada cop més en les pel·lícules i va començar a escriure articles sobre cinema que després deixà caure en revistes com Fotogramas, a on el van agafar per realitzar entrevistes, crítiques, etc. Més tard, va entrar a treballar a TVE i també a programes de ràdio, mentre estudiava ciències de la informació en la branca d’imatge.

 

Però Monzón, després de treballar en diverses tasques cinematogràfiques, decideix rodar el seu primer llargmetratge, titulat El corazón del guerrero, sense haver fet cap curtmetratge anteriorment. Comenta que abans de dur a terme el rodatge sentia por a descobrir que fer cinema realment no li agradava, però aquesta va desaparèixer en el primer dia de rodatge, en comprovar que el cinema era la seva vida.

 

Després de El corazón del guerrero ha dirigit quatre pel·lícules més on trobem, per exemple, Celda 211, i la més actual, El niño.

 

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L’aula de la xerrada es va quedar petita

 

“Per fer cine necessitem passió”, ens comenta Monzón, de la mateixa manera que ens diu que abans de rodar hem de tenir una bona preparació però que sempre va bé deixar un percentatge de improvisació per no perdre naturalitat en el resultat final i això ho comprovem quan comencem a parlar sobre Celda 211 on explica anècdotes com per exemple el fet de voler rodar en una presó real i al trobar la més indicada van veure que estava pintada d’un vermell que recordava a la sang i amb un terra que semblava un tauler d’escacs però que els va fascinar de tal manera que van decidir respectar-ho.

 

Abans d’arribar al torn de preguntes ens parla de la seva experiència rodant El niño, una pel·lícula única ja que aquest tema mai s’havia rodat abans a Espanya i remarca que va costar moltes hores de treball i com a recompensa ha resultat ser la segona pel·lícula més taquillera d’Espanya amb una recaptació de 16 milions d’euros.

 

Explica que abans de començar a rodar volia saber molta informació sobre el tema de tràfic de drogues per tal de fer una pel·lícula molt propera a la realitat i això ho va aconseguir entrevistant autèntics delinqüents juntament amb la policia.

 

Probablement el que més ens impacta d’ell i de la seva carrera és el fet que sigui autodidacta.

 

En el torn de preguntes es deixen caure consells sobre com dialogar i reforçar la connexió director-actor per poder millorar la qualitat final, ja que és un aspecte molt important i que moltes vegades es deixa en segon terme.

 

També ens comenta que li han ofert fer remakes de Fúria de titanes y El Cuervo, entre d’altres títols, i inclús fer el remake de pel·lícules seves com Celda 211, però que ha rebutjat ja que com diu ell: “es que jo això, ja ho he fet”.

 

Abans d’acomiadar-se explica que té nous projectes en ment i moltes ganes de realitzar-los.

 

La naturalitat de Monzón, els seus consells i la seva manera de captar l’atenció han fet d’aquest parell d’hores una Màster Class rica en coneixements, que a més d’un li haurà servit d’ajuda i d’inspiració per a futurs projectes.

 

A la tarda, Monzón, acompanyat de la muntadora Mapa Pastor, assistiria a una projecció de Celda 211 organitzada per l’ESCAC a la Filmoteca de Catalunya.

 

GRADUADOS DE ESCAC HACEN EL MEJOR DOCUMENTAL DEL FESTIVAL IN-EDIT

Felicitamos a Bogaloo Films, y en especial a Miguel Angel Blanca y Bernat Manzano, graduados de ESCAC, por el premio que acaban de recibir en el Festival In-Edit de Barcelona. Su Un lloc on caure mort, sobre el cantante del grupo de punk-bronca Autodestrucció en plena crisis vital, ha sido considerado el mejor documental nacional del certamen. ¡Enhorabuena!

 

Os dejamos con el tráiler.

Si os gusta, luego podéis verlo aquí!

 

Un lloc on caure mort – Trailer from Boogaloo Films on Vimeo.

GRADUADOS DE ESCAC PRESENTAN PELÍCULA EN SEVILLA

El Festival de Cine Europeo de Sevilla, que se inaugura el 7 de noviembre, verá el estreno mundial de una nueva película surgida del talento de la ESCAC. Se trata de El camí més llarg per tornar a casa, que dirige Sergi Pérez, escriben el propio Sergi más Roger Padilla y Eric Navarro, fotografía Bet Rourich (junto con Julián Elizalde), monta Liana Artigal, compone la música Àlex Sardà y produce Aritz Cirbián, con Carlos Pequerul como director de la producción. La mayor parte del equipo técnico también ha salido de ESCAC, como Anna Harrington, jefa de sonido directo. ¡Menudo plantel!

 

El camí més llarg per tornar a casa trata sobre Joel, que una mañana sale de casa para llevar a su perro al veterinario, y al dejarse las llaves dentro, se ve envuelto en una huida obsesiva de sí mismo. Mientras da desconcertantes vueltas, intenta deshacerse del perro y va dejando desencajados a sus amigos y conocidos, la verdad de lo que le ocurre va aflorando, ajustando las cuentas que tiene consigo mismo (a raíz de un trauma reciente), que no le permiten atisbar el camino de vuelta al hogar.

 

 

El film compite en la Sección Oficial del certamen sevillano, en la que también han sido seleccionadas las últimas cintas de Alain Resnais, Pedro Costa, Manoel de Oliveira, Mike Leigh, Larry Clark, Bertrand Bonello o Roy Andersson. La primera división del cine de autor europeo, vamos.

 

Las proyecciones de El camí més llarg per tornar a casa se llevarán a cabo los días 12 y 13 de noviembre, ambas a las 20:15h en los Cines Nervión de la capital andaluza.

 

Más información: festivalcinesevilla.eu

 

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CRÍTICA DE BOYHOOD

Este blog pretende ser, entre otras cosas, un espacio para que los alumnos expresen y compartan sus gustos y opiniones cinematográficas. Hacednos llegar vuestra voz.

 

A continuación, Jaime Puertas, alumno de 1º, nos da sus impresiones sobre Boyhood.

 

 

EL GRAN VIAJE

 

Cuando hablamos de Boyhood, momentos de una vida (Richard Linklater, 2014), hablamos de la infancia, de los sueños, de las fantasías, de los conflictos de familia, de los padres, de todas las ilusiones que el ser humano es capaz de abarcar. Cuando hablamos de Boyhood hablamos del tiempo, de la vida. Pero cuando hablamos de Boyhood también hablamos de la muerte. No de la muerte en el sentido más estricto de la palabra, pero sí en su significado más primitivo: la muerte entendida como el fin de una etapa. La muerte entendida como un viaje. En cierta manera, Boyhood no deja de ser una road movie, siendo la carretera una metáfora del paraíso perdido que es la infancia.

 

Whitman escribió en el Canto a mí mismo estos versos: “el retoño más pequeño demuestra que no existe la muerte / y que si alguna vez existió lo hizo para impulsar la vida, / sin esperar al fin para detenerla, / y que cesó en el momento en que apareció la vida”.

 

He estado pensando en estos versos, y creo que podrían ser perfectamente el origen de este valiente proyecto. Linklater se propone hablarnos de la vida a través del fin, de la muerte de todas las etapas que vivimos, que soñamos y que, una vez pasadas, añoramos. Una de las grandezas del filme reside en el personaje protagonista: Mason (magnífico Ellar Coltrane). Un chico normal, con una familia normal que vive en un sitio normal. De hecho, Mason somos todos nosotros. Todos en nuestra vida nos hemos enfadado con nuestros hermanos, hemos llegado a pensar que los elfos existen o que los adultos son aburridos. Sí, quizá lo que Linklater pretende decirnos con Boyhood es que nosotros siempre seremos nosotros, indistintamente de nuestra edad o del tiempo que pase. Y todas las experiencias por las que pasamos nos marcan, nos hacen ser como realmente somos. Nosotros: tristes o alegres, llorando o riendo, corriendo o en coche, durmiendo o despiertos, soñadores o aburridos, locos o cuerdos, volando, caminando, respirando, pero al fin y al cabo, nosotros. Boyhood habla de la vida en el sentido más sencillo (que no simple). Y como bien dice uno de los temas principales de la película, Hero (Family of the year): “I don’t wanna be your hero / No quiero ser tu héroe”. No, no hemos nacido para ser héroes de nadie. Simplemente viajamos, conocemos, disfrutamos, vivimos, morimos para ser héroes de nosotros mismos. Crear nuestra propia epopeya, escribir nuestra gran aventura, explorar lo desconocido, descubrir nuevos senderos. Eso es lo que somos y para lo que vivimos. Y esa es la sensación que transmite Boyhood; un filme lleno de vida. Citando la acertada frase, y quizá el mensaje más importante del filme, de la amiga universitaria de Mason: “¿Sabes cuando dicen eso de “atrapar el momento”? Pues cada vez estoy más convencida de que es al revés: el momento nos atrapa a nosotros”. Y quizá eso es la vida: un momento. Y por eso los 165 minutos de metraje del filme pasan como un instante fugaz. Un instante que, cuando más remoto, más genial. ¿Qué es Boyhood? Podríamos decir que es un sí a la vida. Un sí a la magia. Quizá no existen los elfos, pero en la vida existen mil maneras de hacer magia, realizar sueños. ¿La de Linklater? El cine.