NEGATIVO GANADOR: El existencialismo en el cine

Inconformista y desafiante. La leyenda del indomable.

 

 

El modo en que un hombre acepta su destino y todo el sufrimiento que éste conlleva, la forma en que carga con su cruz, le da muchas oportunidades –incluso bajo las circunstancias más difíciles- para añadir a su vida un sentido más profundo. Puede conservar su valor, su dignidad, su generosidad. O bien, en la dura lucha por la supervivencia, puede olvidar su dignidad humana y ser poco más que un animal, tal como nos ha recordado la psicología del prisionero en un campo de concentración. Aquí reside la oportunidad que el hombre tiene de aprovechar o de dejar pasar las ocasiones de alcanzar los méritos que una situación difícil puede proporcionarle. Viktor Frankl.

 

 

El cineasta estadounidense Stuart Rosenberg dirige en 1967 uno de los más críticos y emotivos clásicos del cine carcelario, La leyenda del indomable, obra maestra de este director, que volvería a alcanzar el éxito en 1980 con Brubaker, otra película en la que también trata el tema de la crueldad del sistema penitenciario americano.

 

La leyenda del indomable.

 

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NEGATIVO GANADOR: Los secundarios de Hitchcock

HITCHCOCK

 

Los secundarios de sus películas.

Hoy: Encadenados (1946) y Atrapa a un ladrón (1955)

 

 

Espionaje. Robos. Nazis. Atracos. Organizaciones secretas. Romance. Intriga. II Guerra Mundial. Thriller. Todas estas palabras, algunas de las cuales ponen título a algunos de los géneros cinematográficos más destacados, aparecen en sólo dos de los filmes de Alfred Hitchcock. El suspense era el fuerte de Hitch, pero queda más que claro que no sólo el suspense lo era. Dominaba y retrataba, como reflejan sus filmes, todos y cada uno de los aspectos de la vida de las personas valiéndose de reglas, las escritas y las no escritas, de los distintos géneros que hasta la fecha llenaban los cines y los despachos de los grandes productores de Hollywood.

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CRÍTICA DE “THE ASSASSIN”

LOS PAISAJES EMOCIONALES

 

The Assassin

 

Si bien el estilo formal del cineasta taiwanés Hou Hsiao-Hsien ha ido mutando a lo largo de tres décadas y media, su esencia se ha mantenido perenne con la transcurso del tiempo. Al fin y al cabo, desde Los chicos de Fengkuei (1983) hasta Millennium mambo (2001), pasando por Ciudad de tristeza (1989) o Adiós, Sur, adiós (1996), sus filmes versan sobre individuos que tratan de adaptarse al entorno que los rodea. Y esta temática reiterante a lo largo de toda su filmografía se relaciona perfectamente con la historia de un país que pocas veces ha podido gozar de una soberanía propia. Un país que ha tratado de reivindicar sus orígenes de manera persistente y que escasas veces ha sido escuchado.

 

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ENTREVISTA CON MONTXO ARMENDÁRIZ (VÍDEO)

El cineasta Montxo Armandáriz visitó la ESCAC para dar una charla y conversar con los alumnos y tuvimos la ocasión de hacerle una extrevista en exclusiva para hablar del cine y de su obra.

 

 

ANÁLISIS DE “LA ASCENSIÓN”

 

“Then go, go on living, without a conscience.”

 

La Ascensión (1977), pese a que en la actualidad ha quedado en el olvido, especialmente teniendo en cuenta el relativo éxito en los festivales de cine independiente, es una de las grandes masterpieces que nos ha dejado el cine soviético. Dirigida por Larisa Shepitko, el film narra el camino que tienen que cruzar dos partisanos a fin de conseguir alimentos para un grupo de personas que huyen de la ocupación Nazi. De diferentes, y hasta cierto punto opuestos, orígenes: uno perteneciente meramente al ejército y el otro un intelectual revolucionario. Rodeados de las blancas capas del despiadado invierno y en un contexto protagonizado por el terror hacia el invasor, serán atrapados por el bando Nazi, donde se pondrán a prueba las más esenciales virtudes de las que se jacta la humanidad y con ellas el tema principal de la película: la lealtad a los valores propios.

 

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NEGATIVO GANADOR – Otro cine español

UN OTOÑO SIN BERLIN – LARA IZAGIRRE

 

Hace unas semanas estuve en Madrid, llegue un jueves, y el viernes cuando me junte con mi amiga Grace decidimos ir al cine. Esa mañana mi hermana me había hablado de una película que había hecho una vasca, me decía que era su primera película y que hablaba sobre una chica que volvía a casa después de un tiempo. Y yo por eso de que era vasca, de que era su primera película y que el tema es algo que me suele tocar vivir desde que me fui de casa, decidí que seria “Un otoño sin Berlin” la película del viernes.

 

De esa manera e igual que me paso cuando mi madre me vino a ver a Barcelona y vimos “Amama”, esta vez, dos vascas se metían en el cine Princesa de Madrid a ver una preciosa historia que ya empezaba a sentir en carnes propias.

Al salir del cine cogí una reseña de la película que tenían en la taquilla y allí lei lo que decía Lara: “Un otoño sin Berlin surge de una necesidad de comunicar cosas que eran importantes para mi de una forma inconsciente y que no podía transmitir si no era a través del cine.[…] Yo buscaba transmitir una sensación concreta de un momento de la vida”.

 

 

Lara lo había conseguido, al menos conmigo, yo había llegado a sentir esa sensación en cada momento de la película, desde que June (protagonista) baja del autobús con la maleta y recorre las calles para llegar al timbre de un portal, hasta el ultimo plano en el que vuelve a ese autobús que la había traído.
No se si condicionada por haber sentido estos momentos tantas veces dentro de mi, o por si verlos representados en un paisaje conocido, la película de Lara me volvió a inspirar de alguna manera.
June, después de haberse marchado sin decir demasiado a nadie, vuelve a casa también sin avisar. Allí se encontrara con Diego, chico con el que tuvo una relación en el pasado y que ahora vive encerrado en casa. También se encontrara con Ane, su amiga de toda la vida, ademas de con su padre y su hermano. A la vez conocerá a Nico, un niño al que le dará clases de francés.

 

 

Siendo esta la tercera película vasca que veo en el cine este año (después de Loreak y Amama), encuentro una forma de narrar en común en las tres películas. No en todos los aspectos, pero si en el ritmo de las historias, no hay prisa, las cosas pasan porque tienen que pasar, como la vida, que se va sucediendo. En esta forma de narrar veo la personalidad, la forma de ser de los vascos, entiendo una cultura, un paisaje, una historia.
En “Un otoño sin Berlin” todo el dramatismo que podría haber en la historia no esta, porque no se mete el dedo en la llaga, porque cuenta la vida, el amor, la amistad… y esto es mucho mas bonito. Hay una ternura en toda la película, una nostalgia, esa nostalgia del personaje de Irene Escolar, la nostalgia de la directora que también vuelve allí a rodar su película. Todo esta retratado con un inmenso amor, como la relación entre June y Diego, o la de June y Nico.

 

 

Con todo esto, me pareció extraordinaria la actuación de Irene Escolar, que me llevo durante toda la película de un lado a otro cada vez sintiéndome mas cerca del personaje de June. Hasta el momento final en el que con solo un plano y el rostro de June llegamos a entender y empalizar con todo lo que ha pasado, esta pasando y podría pasar el personaje.
Una preciosa opera prima que habla sobre como es aquello de volver a casa después de haber estado fuera y de haber mitificado esa vuelta, sobre las relaciones humanas, sobre la vida que pasa y sobre la maduración de un personaje que tiene que aceptar que algunas cosas son como son y que mas tarde, de esta aceptación vendrá su felicidad.

NEGATIVO GANADOR: Cine polémico

MAYBE THE NEXT ONE

 

 

…el deseo es una pregunta cuya respuesta no existe, una hoja cuya rama no existe, un mundo cuyo cielo no existe… – Luis Cernuda

 

El deseo es como las vías de la montaña rusa cuando se acerca la bajada. Es un motor que atrae a sus víctimas, desprovistas de voluntad, y se hace amo de todas las esquinas de la pared a las que poder mirar, el significado de todas las canciones que suenan cuando tienen que sonar y la incoherente coherencia de este mundo. El deseo devora tu habitación, se alimenta de ti, pasa a formar parte de ti. Crash (1996) de David Cronenberg, basada en la novela homónima de J.G. Ballard, es probablemente uno de los más elegantes retratos de lo que yo llamo las víctimas de lo exquisito, las que siempre han interiormente deseado la exaltación del todo, que viven sumergidas bajo el agua por el placer de la asfixia, que mueren sin morir del todo cuando sienten el deseo de algo que sobretodo no se entiende.

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ANÁLISIS DE “HÄXAN”

 

Häxan – Benjamin Christensen – 1922 – Dinamarca

 

Benjamin Christensen, nacido en 1879 en Dinamarca, fue uno de los grandes directores de la época, pese a no ser tan reconocido actualmente, es uno de los mayores representantes del cine mudo nórdico junto a directores como Dreyer y Sjöström. Christensen comenzó estudiando medicina pero no tardó en encontrar su vocación como actor de teatro y, en 1901, debuto en el cine. Más tarde, en 1914, dirigió su primera película, en la cual también actuó, titulada “Det Hemmelighedsfulde X” (The Mysterious X), en esta película ya se empieza a notar su gran virtud como director, por ejemplo, presentando una dirección de arte revolucionaria para la época y que volvería a destacar más adelante en su tercer proyecto, uno de los más ambiciosos, hasta entonces, debido a su gran coste de producción: Häxan. Esta película le abrirá las puertas a la UFA en Alemania donde dirigirá dos películas más para después marchar, al igual que muchos otros directores, a los Estados Unidos.

 

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NEGATIVO GANADOR: De Ulises a Superman

EDIPO, CAMINANTE DE LOS CIELOS (Parte II)

 El lado oscuro surge en la senda del héroe

(Star Wars: Episodio V – El Imperio Contraataca)

 

“La Fuerza está contigo, joven Skywalker… pero todavía no eres un Jedi.” (Darth Vader, la Sombra del héroe -entre el hombre y la máquina- poco antes del enfrentamiento con Luke)

 

 

Todo viaje tiene su bajada a los infiernos. El lado oscuro, el mal, está siempre al acecho para recordar que la primera victoria de los héroes nunca es la definitiva. Llegados a este punto, el héroe se conoce a sí mismo y empieza a tener una perspectiva cada vez más clara de cuál debe ser su destino, y es aquí cuando descubrimos su faceta más frágil y humana, cuando las tentaciones y las dudas sobre su moralidad aparecen para convertirse en un tormento verdaderamente difícil de sortear.

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CRÍTICA DE “EL CLUB”

“Y vio Dios que la luz era buena, y separó a la luz de las tinieblas”

 

A lo que Pablo Larraín responde:

 

“Yo creo que siguen juntas”

 

 

En una casa de un pequeño pueblo de costa chileno conviven cuatro antiguos sacerdotes y una mujer. Pasan el tiempo paseando, apostando en carreras de galgos y rezando. ¿Quién diría pues, que estas personas están pagando por sus pecados? Un día aparece un hombre en la casa que cambiará y hará peligrar la tranquila vida de nuestros protagonistas y a su vez, hará que nos cuestionemos a costa de qué y hasta qué punto puede llegar el abuso de poder de ciertas instituciones.

 

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