ENTREVISTA A PATRICIA FONT, DIRECTORA DE “CAFÉ PARA LLEVAR”

Patricia Font estudió dirección en la ESCAC cuando, como ella dice, “aún no era una escuela muy conocida”, y hoy es una solvente guionista y directora televisiva a punto de dar el salto al cine. Su más reciente cortometraje, Café para llevar, producido por ESCAC Films, está pre-seleccionado a los premios Gaudí y Goya, cuyas nominaciones se conocerán en unos días. Hemos querido saber en qué más ha estado trabajando.

 

Patricia, ¿cómo se ha desarrollado tu carrera desde que saliste de la ESCAC?

 

Empecé a trabajar como script con la intención inicial de seguir aprendiendo dirección durante un tiempo, mientras intentaba llevar a cabo otros cortos que finalmente no salieron. Una peli llevó a la otra y al final me pasé muchos años de script. Así aprendí muchísimo; todo. Hasta que un día Pau Freixas me dio la oportunidad de dirigir unos capítulos de la segunda temporada de Pulseras Rojas y todo empezó a cambiar. Ahora puedo decir que trabajo como guionista y directora en una nueva serie de Pau Freixas para Filmax.

 

Háblanos de Café para llevar.

 

Es una historia muy sencilla sobre dos ex, Alicia y Javi, que se reencuentran casualmente dos años después de su ruptura y, a través del diálogo que entablan, vamos descubriendo que aún hay heridas que no están tan bien cicatrizadas como pensaban.

 

La historia habla de sentimientos con los que mucha gente se siente identificada fácilmente. Aún me sorprendo con la cantidad de personas que después de ver el corto vienen a decirme que les pasó lo mismo y que se han emocionado. Llegar a la gente de esta manera es lo más gratificante de todo.

 

CAFE PARA LLEVAR CARTEL

 

¿Qué referentes has empleado?

 

Los referentes a la hora de abordar tanto el guión como la dirección son muy clásicos, tomando como inspiración películas que retratan el mundo de la relación de pareja desde una óptica un tanto nostálgica: Tal como éramos (Sidney Pollack) y Dos en la carretera (Stanley Donen) son buenos ejemplos.

 

¿Cuál ha sido la historia del corto en sí?

 

La primera versión del guión la escribí hace años en un taller de dirección de actores de la EICTV (Escuela de Cine de San Antonio de los Baños, Cuba) de Corina Mestre, una profesora excepcional. Nos encargó escribir una secuencia con una premisa muy básica: dos actores, una localización, cinco páginas. Gustó mucho, así que al volver a Barcelona decidí escribir una versión más larga.

 

El rodaje se hizo en solo dos días, por falta de presupuesto, economizando todo lo posible. Reuní un equipo de amigos con los que ya había rodado mucho, por lo que nos entendimos fácilmente y, más importante aún, nos lo pasamos muy bien.

 

A pesar de tratarse de un proyecto modesto pudistéis contar con actores de primer nivel.

 

Es un historia de personajes, por lo que teníamos claro que lo más importante era el casting. Tuvimos la suerte de que Alexandra Jiménez (Promoción fantasma, Las brujas de Zugarramurdi) y Daniel Grao (Los ojos de Julia, Fin) se apuntasen al proyecto sólo con leer el guión. Además de ser actores increíbles nos lo pusieron todo muy fácil y, sin haberse conocido antes, tuvieron mucha química desde el principio. Eso era clave para que funcionase el corto.

 

Daniel Grao y Alexandra Jiménez

 

¿Qué recorrido ha hecho el film y qué expectativas tenéis?

 

Estrenamos en el Festival de Montreal y en el de Valladolid (Seminci) y conseguimos el Tercer Premio en el Festival de Alcalá de Henares, así que no podíamos empezar mejor. Después de pasar por el Festival de Soria y estar seleccionados para el ShortCat 2015, ahora Café para llevar está pre-seleccionado para los Gaudí y los Goya, así que estamos muy emocionados esperando la resolución de las votaciones. Las expectativas son que se el corto se vea lo máximo posible, por supuesto, en festivales y lo que venga.

 

Se trata de tu segundo cortometraje. ¿Qué proyectos tienes ahora mismo?

 

Además de la serie que he mencionado, también estoy trabajando junto a Enric Pardo en la adaptación de su novela Todas las chicas besan con los ojos cerrados, ambos proyectos producidos por Filmax. A parte, siempre que hablo con Alexandra Jiménez y Daniel Grao me dicen que me ponga a poner a escribir ya el largo de Café para llevar, y sí, es algo que también me propongo hacer.

 

CRÍTICA DE “MOMMY”

¿MAMÁ, ME HAS DEJADO DE QUERER?

 

 

Xavier Dolan, el niño prodigio del cine alternativo llega con su nueva obra, Mommy. Ya nos había sorprendido con largometrajes como J’ai tué ma mère (Yo maté a mi madre), su ópera prima, dónde también nos hablaba sobre el concepto de dependencia en una relación materno-filial, pero ahora con Mommy el director se aproxima al punto de vista de una madre. Es un largometraje que nos habla de las conexiones emocionales que se establecen entre tres personajes claramente inadaptados: el amor catastrófico que existe entre la madre y el hijo se ve respaldado con el personaje de la vecina, actuando así como eje catalizador entre los dos.

 

Dolan nos presenta una película enmarcada en un futuro realmente cercano hablándonos del dilema moral que supone el abandono de un hijo y las consecuencias emocionales que conlleva.

 

Mommy, rodada con el formato 1:1 prácticamente en su totalidad, solamente abre el formato (a 1:1,66) cuando los personajes se sienten emocionalmente liberados, dejando respirar al personaje y también al espectador. Con éste formato el autor lo que hace es situar el rostro del personaje dentro de unos límites y que con ello el espectador centre su atención en la imagen. Realmente estética, Mommy, no hace más que moverse entre los extremos, entre lo desbordante, lo excesivo, jugando así con el encuadre. El exceso no sólo se mueve dentro de parámetros estéticos sino que los personajes van variando de tono a medida que se va desarrollando el argumento, van saltando entre distintos tonos cada uno de ellos y la estética que engloba toda la película no hace más que acentuar ese aspecto.

 

 

Mommy, un largometraje que no hace más que consolidar la temprana trayectoria de un joven director, de una joven y prodigiosa promesa: Xavier Dolan. Puede ser que éste prodigio ya nos empiece a señalar un nuevo cine de autor.

 

Mar Subirats (1º)

 

CRÓNICA DEL FESTIVAL REC

Cuando asistí a la XIV Edición del REC Festival Internacional de Cinema de Tarragona prácticamente no salí de la sala de proyecciones. Y aunque llegué el tercer día, pude ver los primeros proyectos de nuevos cineastas muy prometedores que competían en la sección principal, Ópera Prima. Estos son para mí los más destacables, para mejor o para peor.

 

10000 Km nos cuenta la historia de una pareja separada por la distancia que se comunica a través de las nuevas tecnologías. Éste último es el factor más redimible de la obra, puesto que la historia es algo insulsa. Completamente integrados tanto en la trama como en nuestras propias vidas, los sistemas de comunicación modernos aún tienen que hacerse su sitio en el cine. Hasta ahora si hablamos de películas en las que pasamos la mayor parte del tiempo viendo pantallas en la pantalla (valga la redundancia) nos vendrán a la cabeza obras de ciencia ficción como Star Trek II: La Ira de Khan o imaginaremos un futuro distópico y pesimista. No nos damos cuenta de lo cerca que está ya de nuestra realidad. 10000 Km se encarga de ir acorde con ella y recordárnoslo. Tal vez nos encontremos ante una metáfora sutil, la vida del protagonista masculino parece ser truncada completamente, pero, ¿es por la distancia de su amada o es porque ha olvidado que hay algo más fuera de la pantalla? Quizá esté divagando pero la película no se aleja de introducir conceptos sutilmente, como podemos ver en su inteligente uso de patrones cromáticos en los decorados y vestuario. Para acabar, resaltar que está muy bien interpretada. Natalia Tena y David Verdaguer son el verdadero sustento de la película, no sólo por ser los únicos personajes si no por la espontaneidad y frescura de sus diálogos.

 

10.000 Km

 

The Tribe te remueve. Inquietante y atractiva a partes iguales des de el primer minuto. De un lado tenemos el contenedor, larguísimos planos generales-secuencia y diálogos en lenguaje de signos sin subtítulos. Del otro su contenido, una inmersión fascinante hacia un mundo oscuro que no conocemos o ignoramos deliberadamente, pero que tenemos justo al lado. La elección en el tipo de plano, los diálogos ininteligibles y la crudeza al tratar escenas violentas nos transmiten una sensación: no deberíamos estar viendo esto. Como lo hace su ritmo lento, al que no estamos nada acostumbrados. La pantalla nos invita a formar parte de algo a lo que no pertenecemos y de lo que queremos guardar una cómoda distancia, provocándonos a la vez rechazo y un interés cuasi morboso, motivado por la incredulidad. Brillante.

 

Dos otoños, tres inviernos debería ser un corto. Y probablemente lo sea, aunque estirado como un chicle, pues muchas de las obras presentadas a la sección Ópera Prima encuentran su origen en cortos previos. Su formato, combinando constantemente voz en off con personajes hablando directamente a la cámara, es como éstos mismos. Por su personalidad y su comportamiento y palabras pueden enternecernos al principio y sin duda pasaremos un buen rato y nos divertiremos con ellos, pero pasada la novedad cansan un poco.

 

Si The Tribe nos muestra el reverso tenebroso del mundo actual y la sociedad, El camí més llarg per tornar a casa hace lo propio con nosotros mismos. Borja Espinosa interpreta a un hombre abatido por la muerte de un ser querido. Su incapacidad para afrontarlo y la enajenación que le provoca el duelo lo arrastrarán en una espiral descendiente hasta lo más bajo y triste del comportamiento humano. Aunque pueda parecer un tema muy casuístico su mensaje adquiere un carácter universal. No es solo que todos intentemos negar nuestro inevitable perecimiento para así vivir mejor, también puede aplicarse a cómo nos evadimos en general de afrontar problemas. El tono que utiliza le da al tema un aire oscuro y así consigue tocarnos de una manera mucho más desgarradora. El uso del perro como símbolo encaja a la perfección con el contexto y representa muy bien cómo un conflicto nos perseguirá por más que intentemos evitarlo, pero resulta un poco manipulador.

 

El camí més llarg per tornar a casa

 

For some inexplicable reason se nos vende en el programa del festival como la historia de un Woody Allen húngaro. Y ciertamente nos remite a la obra del director, concretamente a Toma el dinero y corre. Ambas son óperas primas y sucesiones de secuencias unidas por un hilo bastante fino, cuasi invisible, pero igualmente tienen su gracia y nos hacen reír. Solo que esta menos. Cuando en el Q & A posterior al pase se nos reveló que nunca llegó a escribirse un verdadero guion no nos sorprende. Aun así hay que felicitar al equipo, formado en gran parte por noveles que colaboraron en este proyecto de fin de carrera. La película ya ha cosechado un notable éxito en Hungría y ha ganado ya algún premio (irónicamente, al mejor guion).

 

Viktoria es épica e intimista, histórica y onírica. Nos cuenta a la vez la historia de tres generaciones de mujeres de una misma familia y la de la caída de la URSS. Aunque puedan parecer oxímoros y ciertamente algunos de sus contenidos choquen entre sí o no estén del todo bien enlazados, no se puede concebir el film quitando una de sus partes. Además todo va envuelto en una fotografía y un diseño de producción impecables que nos atraen y sumergen.

 

Los Hongos es un gran ejemplo de película descriptiva. Lo inusual de su contenido y sus colores bonitos y brillantes nos entretienen mientras conocemos el estilo de vida de dos jóvenes grafiteros de la Colombia urbana y lo contrastamos con el de sus progenitores. Casi todos ellos son personajes con algún punto de ternura (o muchos), y todo va aderezado con música muy rítmica y alegre. Su visionado deja un muy buen sabor de boca.

 

No One’s Child es la historia basada en hechos reales de cómo un niño lobo fue encontrado en los bosques y posteriormente civilizado. Aunque la premisa sea algo tópica se nos acaba presentando una subversión del tema, que también acaba siendo un poco típica. Como estereotipada es la rápida aceleración que el niño experimenta en su proceso de aprendizaje. La pregunta es, ¿daña eso a la película? Sí, puede que no sea muy original y que ello haga rehuir al espectador con más experiencia, pero su factura es reluciente. Hay que elogiar la interpretación de Denis Muric como el niño, al igual que la de sus compañeros, adultos e infantiles. Y la historia, sea como sea, está contada de una forma muy fluida y correcta. Además, el uso de metáforas y un mensaje simples nos hacen sentir muy listos como espectadores, por lo que es un recurso muy astuto. Perfectamente comprensible que ganase el premio del público. Pero bajo su “sencillez” se esconde mucho trabajo de preparación y detallismo, que también hay que valorar.

 

No One’s Child

 

Como se ve, ha sido una experiencia muy variada e interesante. Concluiré con un pequeño apunte sobre el festival en sí. Por su sencillez, por su humildad y por mantener un ambiente distendido y familiar que se mantuvo en los Q & A (y sobretodo en el acto de clausura con Carlos Vermut), quisiera felicitar a la organización. Mi más sincera enhorabuena.

 

Jaume Bernabéu (1º)

 

ESTRENOS PARA NAVIDAD

Diciembre. Llega la Navidad y con ella nuevos y esperados estrenos. Uno de ellos, personalmente el más especial, es El Hobbit, la Batalla de los Cinco Ejércitos. Un año después, Peter Jackson nos presenta la que va a ser la última de la mítica saga de la Tierra Media y según las palabras del propio director, es el filme de la trilogía del Hobbit del que más se siente orgulloso. Ian Mckellen, Martin Freeman y Orlando Bloom, entre otros, se despiden de unos de los personajes más famosos del cine. Si ya fue triste imaginar que no volveríamos a ver a Gandalf en la pantalla después de El Señor de los Anillos, el Retorno del Rey, ahora, que ya es el adiós definitivo, hará que esta película tenga el doble de emoción y emotividad para los fans.

 

El Hobbit, la batalla de los cinco ejércitos

 

Otro filme imprescindible que se estrenará este mes (25 de diciembre) es Big Eyes, una película en la que Tim Burton nos cuenta la historia de los famosos cuadros de Keane, más conocidos por los cuadros de los niños de grandes ojos, que aún hoy en día se comercializan. Para ello, cuenta con la interpretación de Amy Adams en el papel de la artista y la verdadera autora de estas obras de arte. Este filme, comparte día de estreno con Invencible (Unbroken), Musarañas y Kaplan, tres películas de tres países diferentes y que son obligatorias para ver este mes. Unbroken es un drama épico, dirigido por Angelina Jolie, basado en hechos reales y que , además, es considerada como una de las Top 10 del año según el AFI (American Film Institute). Por otra parte, tenemos Musarañas, una producción española protagonizada por Macarena Gómez que ha decidido pasar de la comedia al thriller de terror. Una apuesta diferente y con un reparto que seguro que no nos decepcionará (Luis Tosar, Nadia de Santiago y Asier Etxeandia, entre otros). Y, por último, Kaplan, una comedia que representará a Uruguay en la carrera hacia el Oscar al mejor film de habla no inglesa. ¿Cuál de ellas ver el día del estreno? Difícil decisión.

 

Por otra parte, Benedict Cumberbatch no solo estrena la cuarta temporada de la serie Sherlock en España, sino que protagoniza The Imitation Game junto con Keira Knightley. Cumberbatch se mete de nuevo en la piel de un personaje extravagante y, en apariencia, solitario, pero su buena interpretación en todas las producciones en las que ha realizado este tipo de rol hace que sea una apuesta segura y que sepamos que este filme cubrirá todas nuestras expectativas.

 

The Imitation Game

 

Cambiando de género, la comedia también estará presente estas Navidades en dos películas francesas que han recogido muy buenas críticas: Se nos fue de las manos, dirigida por Philippe Lacheau y Nicolas Benamou, en la que un empleado, en apariencia serio y tranquilo, tiene que cuidar al hijo de su jefe mientras este está fuera. Por la noche, se ve enredado por sus amigos para montar una fiesta en la casa para celebrar su cumpleaños. Quizá, pueda parecer un argumento muy visto y previsible, pero el hecho de que el segundo acto esté narrado como si fuera la grabación de un amigo del protagonista podría marcar la diferencia y ser una buena apuesta para pasar una tarde entretenida. Y, por otra parte, tenemos Dios mío ¿pero qué te hemos hecho? de Philippe de Chauveron. Cuenta la historia de unos padres muy conservadores que lo único que quieren es que sus cuatro hijas se casen. Todas lo hacen, pero su elección, quizá, no sea la que ellos se esperaban…

 

Y, para finalizar, dos películas muy esperadas: una de ellas, Mr Turner, dirigida por Mike Leigh, ganador de la Palma de Oro en Cannes y varias veces nominado al Oscar, en la que continúa apostando por la improvisación y cuenta la historia del pintor cuyo nombre le da título a la obra. El protagonista es interpretado por Timothy Spall, que actualmente ha ganado ya 4 premios por su interpretación en esta película. Y, por último, Walesa, la Esperanza de un Pueblo, un filme dirigido por Andrzej Wajda, también ganador de la Palma de Oro en Cannes en el año 81 y nominado a los Premios Oscar.

 

Póster de Mr. Turner

 

En definitiva, puede que las Navidades sean una época de descanso, pero a los que nos apasiona el cine tendremos que organizarnos bien para que no nos quede ninguna película por ver. ¡Felices fiestas y a por el calendario!

 

Andrea Ordóñez (1º)

 

JOSEP MAIXENCHS, REP LA MEDALLA D’OR AL MÈRIT CULTURAL

Com ja havíem anunciat, ahir per la tarda Josep Maixenchs, President Honorífic de la Fundació ESCAC, va rebre la Medalla d’Or al Mèrit Cultural de l’Ajuntament de Barcelona en reconeixement a la seva llarga trajectòria com a professional del cinema i formador de talents de l’audiovisual, que ha contribuït a situar el nostre cinema internacionalment.

 

El propi alcalde de la ciutat, Xavier Trias, li va fer entrega de la condecoració.

 

En el seu parlament, Maixenchs va recordar com l’escola va créixer per necessitat, gràcies a la insistència d’aquells que volien formar-se en la professió, i com la seva voluntat va ser crear un centre multicultural i obert a tothom, que impartís uns estudis originals i únics. Alhora, va aprofitar per a demanar més ajuda a les institucions per al sector.

 

Josep Maixenchs parla al Saló de Cent de l'Ajuntament de Barcelona en presència de l'alcalde Xavier Trias
Josep Maixenchs parla al Saló de Cent de l’Ajuntament de Barcelona en presència de l’alcalde Xavier Trias

 

NOVES BEQUES DE POSTGRAU DE L’OBRA SOCIAL “LA CAIXA”

Us volem informar de que la convocatòria 2015 de beques de l’Obra Social ”la Caixa” ja està oberta.

 

Aquest any, es convoquen un total de 145 beques de postgrau per ampliar els estudis a universitats i centres d’ensenyament de tot el món:

 

  • 25 beques per cursar estudis de doctorat a universitats espanyoles
  • 65 per estudiar un postgrau a universitats europees
  • 48 a Amèrica del Nord
  • 7 a la zona Àsia Pacífic

 

Tota la informació sobre la nova convocatòria la podeu trobar en el següent enllaç:

 

http://obrasocial.lacaixa.es/ambitos/becas/becasdeposgrado_ca.html

 

Pot tractar-se d’una oportunitat extraordinària per a forma-vos com a professionals i com a persones. Si podeu, no deixeu passar l’ocasió.

 

CRÍTICA DE “JAUJA”

PARAÍSO PERDIDO O CÓMO INTERPRETAR CONSTELACIONES

 

 

«Los Antiguos decían que Jauja era una tierra mitológica de abundancia y felicidad. Muchas expediciones buscaron el lugar para corroborarlo. Con el tiempo, la leyenda creció de manera desproporcionada. Sin duda la gente exageraba, como siempre. Lo único que se sabe con certeza es que todos los que intentaron encontrar ese paraíso terrenal se perdieron en el camino»

 

Y así empieza Jauja, la última película del argentino Lisandro Alonso, director de filmes como Liverpool o Los muertos. Sin duda alguna, Jauja es mucho más que un largometraje de 101 minutos de duración protagonizado por un excelente Viggo Mortensen; Jauja es una declaración de principios, un ensayo filosófico, una reflexión sobre aquello que nos empuja a continuar.

 

Gil de Biedma dijo una vez: “Pero también / la vida nos sujeta porque precisamente / no es como la esperábamos”. Y Jauja es esto: el planteamiento, a partir de una trama tan visceral como la del padre que busca a la hija en mitad del desierto, sobre los pilares que constituyen el ser humano tal y cómo lo conocemos, tal y cómo nos conocemos. Y aquello que empieza siendo una búsqueda de la hija, del único patrimonio perdido, acaba por derivar en un viaje existencial donde el paisaje es lo único que queda.

 

 

Y, sin embargo, Jauja sigue siendo todavía más que esto: la magia del cine. Sí, la magia del cine de retratar tiempos y espacios distantes entre sí que coinciden en el destino. Llega un momento en el filme donde el realismo que impregnaba los primeros planos se convierte en anhelo, sueño, e incertidumbre. Anhelo el del protagonista por encontrar a su hija, sueño el de la hija al reencarnarse e incertidumbre la del espectador ante el relato que Alonso nos propone. Y entra la irracionalidad, y el filme te acoge, y cada plano de mece como mece la madre al niño recién nacido.

 

Y sin embargo, Jauja sigue siendo todavía más que esto: las constelaciones. Hacia la mitad del largometraje, en un bellísimo plano donde yacen Ingeborg, la hija del protagonista, y el amante latino con el que se escapa, la joven muchacha, fascinada por las marcas que el amante tiene en su espalda, entona: “Parece una constelación”. Sin duda alguna, Jauja es la metáfora del ser comprendido como constelación: complejidad y belleza unidos por una misteriosa áurea que, cuando más cerca estás de comprenderla, menos tiempo de vida te queda.

 

Y sin embargo, Jauja sigue siendo todavía más que esto: la incomprensión. Minutos antes de que empiece la proyección, Mortensen nos advierte en persona: “Muchos son aquellos que, tras ver el filme, se han preguntado infinitud de cosas. Les deseo mucha suerte a los que se atrevan a ir en busca de respuestas”. Pues sí; preguntas y más preguntas. Y al final lo único que queda es el paisaje desértico como espejo del capitán que, por cierto, también va en busca de preguntas que al final no se resolverán. Y la incomprensión tanto del espectador como del protagonista se refleja en la pérdida de aquellos colores magníficamente pintados por Timo Salminen, habitual director de fotografía de Kaurismäki. Así pues, como por arte de magia, el verde vegetal y el azul del agua van derivando a un gris volcánico donde no sólo se ha perdido la hija, sino también el padre.

 

Y sin embargo, Jauja sigue siendo todavía más que esto: la nostalgia del perro que hecha de menos a su dueña. La soledad de la mujer a la que sólo le queda su animal y su manantial. La tristeza del paisaje marchito. La desolación del hombre sin respuestas (quizá porque nunca supo formularse las preguntas). El romanticismo del siglo XIX. La nostalgia de Lisandro Alonso que, en un melancólico formato de pantalla en 4:3, canta a un cine artesanal en vías de extinción. Y quizás Jauja es el paralelismo entre la búsqueda de la tierra prometida y la recuperación de un cine perdido. Y sin embargo, Jauja sigue siendo todavía más que esto.

 

Jaime Puertas (1º)

 

JOSEP MAIXENCHS, MEDALLA D’OR AL MÈRIT CULTURAL

Comencem la setmana amb una gran notícia, com és que Josep Maixenchs, fundador i President Honorífic de la Fundació ESCAC, rebrà la Medalla d’Or al Mèrit Cultural que atorga l’Ajuntament de Barcelona.

 

El lliurament es farà aquest dijous 18 de desembre al Saló de Cent del consistori, en presència de l’Alcalde de Barcelona, Xavier Trias.

 

Aquest reconeixement s’uneix a la llarga llista de guardons aconseguits pel Sr. Josep Maixenchs, entre ells la Creu de Sant Jordi, la Medalla d’Or de la ciutat de Terrassa o el premi González-Sinde de l’Acadèmia de les Arts i les Ciències Cinematogràfiques d’Espanya, confirmant-lo com una figura clau de la cultura del nostre país.

 

No cal dir que és tot un orgull per a la nostra escola.

 

¡Moltes felicitats!

 

COL·LABOREM AMB EL BANC DELS ALIMENTS

A l’entrada de l’escola s’ha col·locat una caixa on podreu dipositar menjar per al Banc dels Aliments. Els productes més necessaris són: oli, llet, cereals, llegums i conserves de peix. Si l’omplim, estarem donant mitja tona d’aliments a persones necessitades. Animeu-vos a col·laborar! Hi ha temps fins el 18 de desembre. Gràcies.

 

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ESTRENA DE CURTS D’ESCAC A CINESA

Dilluns 15 a les 20h els cinemes Cinesa Diagonal de Barcelona seran l’escenari de la presentació de tres nous curtmetratges d’ESCAC Films; entre els quals, el preseleccionat al Goya i al Gaudí “Café para llevar”. L’entrada és lliure. No hi falteu!

 

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