CREANDO MUNDOS. UN TRABAJO DE VFX

Terminamos la semana mostrando el trabajo de uno de nuestros alumnos del Máster de Animación y Efectos Visuales. Se trata de un ‘timelapse’ que resume las muchas horas que una tarea de estas conlleva. Pero el resultado final siempre merece la pena.

 

¡Gracias, Pau Minguell, por hacérnoslo llegar!

 

 

CINEMA EN CURS

Avui us volem presentar la iniciativa Cinema en Curs, que es va iniciar en escoles i instituts de Catalunya el 2005 amb la intenció “d’apropar als joves el cinema com a art, creació i cultura, i explorar les potències pedagògiques de la creació cinematogràfica”. Enguany, un dels estudiants que han entrat becats a la nostra escola, el Joan Martínez, provenia d’aquest programa, demostrant que la formació que s’hi proporciona és excel·lent.

 

El cinema ha estat una de les formes d’entreteniment més importants del segle XX; i durant el segle XXI, malgrat la dura competència, continua atraient milions de persones de tot el món a les sales de cinema o al davant dels televisors, ordinadors, tauletes… Els films són una bona font de conversa. Sempre que en veiem algun el comentem amb aquelles persones que tenim a prop (companys de feina, amics i familiars). Parlem de la seva trama i actors, de com ens ha emocionat i, sobretot, de si ens ha agradat o no. En tant que art popular, el cinema desperta en nosaltres la voluntat d’opinar-ne. Cada espectador és un crític (igual que el en futbol cada aficionat és un entrenador).

 

Al llarg d’una vida, una persona pot arribar a veure centenars, si no milers, de pel·lícules, i amb finalitats d’allò més diverses: d’entreteniment, educatives, estètiques… Però què en sabem del cinema? Al marge del reconeixement dels seus actors i directors més destacats, que apareixen a la televisió i les revistes, ¿tenim una idea prou precisa de la seva producció o del seu llenguatge? ¿Podem enfrontar-nos a un text audiovisual amb prou garanties d’estar copsant el seu sentit profund o de discriminar entre allò novedós i allò que és còpia o reciclatge? Són qüestions clau, ja que aquests textos vehiculen un bon grapat de discursos de la nostra societat.

 

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A través de la teoria i de la pràctica, Cinema en Curs vol donar les eines necessàries als més joves per a desenvolupar una mirada crítica, alhora que despertar la seva creativitat i l’interès pel món que els envolta.

 

Des de la Fundació ESCAC, amoinada per les mateixes qüestions, volem felicitar tots els responsables del projecte per la seva bona feina.

 

Descobriu-ne més aquí.

 

Podeu llegir l’experiència d’una de les seves mestres, la cineasta Nely Reguera, també professora de l’ESCAC.

 

ENTREVISTA CON EL DIRECTOR CARLOS VERMUT

Tras un primer largometraje que se parecía más a un experimento narrativo que a una ficción convencional, y que le valió un seguimiento de culto, Carlos Vermut se ha situado en la cresta de la ola del mundillo cinematográfico en España gracias a haber ganado el Festival de San Sebastián con Magical Girl.

 

Jaime Puertas (1º) ha tenido la suerte de poder conversar con él y sacarle jugo. Aquí os dejamos con su entrevista.

 

Carlos Vermut
Carlos Vermut

 

CHANTAJE Y CHOCOLATE CON CHURROS: ENTREVISTA CON CARLOS VERMUT

 

El problema de la gente en general es la necesidad que tienen de comprenderlo todo. Por eso eres débil, Lola; porque tratas de comprender cosas que no tienen explicación

 

Así de fácil lo declara Carlos Vermut (Madrid, 1980) en boca de Juana, en su opera prima Diamond Flash (Psicosoda Films, 2011). Y parece que va en serio: con 34 años y con una breve carrera de un lustro, Vermut ha conquistado a la crítica y al público en la pasada 62 edición del festival de cine de San Sebastián. Su segunda y última película hasta la fecha, Magical Girl (Aquí y allí films, 2014), lo ha consagrado en palabras de Almodóvar como “el mejor descubrimiento del cine español en lo que llevamos de siglo”. Tan sólo hace falta comparar la portada de su último filme con La prima Angelica (Saura, 1974) para ver que el joven cineasta sabe lo que hace. Como un oasis en mitad del desierto, ha nacido un artesano en medio de tanta sequía. Larga vida.

 

Me gustaría que hablaras sobre tu primer contacto con el cine, es decir, sobre tus orígenes. ¿Cuándo decidiste dedicarte al cine?

 

No sé hasta qué punto puedo hablar de un primer contacto con el cine. La relación que yo tengo con el cine es progresiva. En el momento en que empiezo a dibujar es el momento en que empiezo a contar historias. A los dieciséis años grabé un vídeo con la cámara de mis padres, por pura curiosidad. Más adelante, a los veintiocho, me compré mi propia cámara y empecé a grabar a mi hermano y a mi compañero de piso, en plan de coña. Empecé a contar historias filmadas, hice un par de cortos y gané el Notodofilmfest. En ese momento me di cuenta de todas las posibilidades que este mundo me ofrecía, y, pese a que en ningún momento me planteé dedicarme al cine, acabé por escribir el guión de mi primera película, Diamond Flash, que consistía en tres cortos unidos. Para producirla tuve que ahorrar dinero y me puse a trabajar. Todo fue ir experimentando, y para evolucionar tienes que cagarla y volverte a levantar: es el ciclo del aprendizaje. Y la verdad es que mi recorrido ha sido bastante improvisado, como todo en esta vida supongo.

 

Antes de cineasta, fuiste dibujante de cómics. ¿Hasta qué punto ambos mundos pueden interrelacionarse en tus filmes?

 

Sí, la influencia del cómic es importante en mi cine. Fundamentalmente lo veo desde el punto de vista técnico, en la planificación. El hecho de ser dibujante me permite expresar en un plano muchas cosas. De alguna forma, siempre pienso en los planos como si fueran viñetas de un tebeo. Y por eso en las dos películas que he hecho predominan los planos estáticos, donde el movimiento de cámara es mínimo.

 

“El Banyan rojo” de Carlos Vermut

 

Con tan sólo dos películas has logrado crear todo un cosmos de personajes y situaciones caracterizado por tu siempre tan peculiar visión. Tu cine es claramente de autor, y, sin embargo, los dos filmes que has realizado hasta la fecha son thrillers. ¿Te consideras un autor o un cineasta de género?

 

Estas cosas no me las planteo. No me preocupo por definirme como un autor de Cahiers du cinéma o de blockbusters. Mi objetivo es hacer la película que quiero hacer, la que me emociona. Si para el siguiente filme que haga voy a encontrar un productor que me proporcione veinte millones y total libertad, pues yo encantado. No quiero ni mucho menos etiquetarme.

 

Háblame sobre tus personajes: seres de pasado incierto capaces de llegar hasta donde sea por lograr su objetivo. ¿Cuál es tu proceso de construcción de personajes?

 

Es cierto esto que dices: me gusta explorar la moral del ser humano. Y es verdad que temas como la venganza están muy presentes. Pero también creo personajes que persiguen otros objetivos; Enriqueta, en Diamond Flash, por ejemplo, simplemente busca un hombre que la haga reír. En el cine siempre se ha tendido a catalogar a los directores o bien en la trama o bien en el personaje. Yo siempre intento buscar el equilibrio entre ambos, pues creo que los personajes tienen tanto que aportar a la trama como la trama a los personajes. Me gusta contar historias donde los diferentes destinos se crucen. Siempre tengo una concepción de lucha interna en mis personajes. En Magical Girl lo ejemplifico con la tauromaquia: el combate entre razón y emoción. Pues sí: me gusta que los personajes se debatan entre el instinto y la racionalidad. Al fin y al cabo como todos.

 

Muy ligado a tus personajes y a tus tramas se encuentra esa dimensión del misterio y de lo desconocido con la que juegas en tu cine.

 

Me fascina el misterio en el cine. Yo me limito a contar el presente de una historia y de unos personajes, pero estos personajes también tienen un pasado. Es un aspecto que muchas veces se olvida y es fundamental. El hecho de crear unos personajes con pasado, presente y futuro, de los cuales el espectador sólo conozca el presente, es uno de los principales mecanismos del misterio. Poniendo el ejemplo de Pulp Fiction: ¿qué hay dentro del maletín? Nadie nunca lo sabrá. Pero es algo que está ahí, implícito o explícito, y crea tensión. Me gusta dejar espacios en blanco para que el público los rellene, no tanto con la lógica sino con la intuición, imaginación o emoción. Por eso Magical Girl es tan diferente según el espectador que la visione: porque intuición, imaginación y emoción son diferentes en cada persona. También tengo que decir que el cine ya de por sí es misterioso, y el arte en general. No sabemos por qué nos emociona, pero nos emociona: lloramos, reímos o incluso llegamos a sentir rabia. Ese es, sin duda, el misterio más grande.

 

Si hay algo que te caracterice como creador y realizador es, ciertamente, la meticulosidad con la que cuentas tus historias, perfectamente calculadas y tramadas. ¿Cuál es el proceso de escritura de guión que sigues?

 

En un inicio me centro, sobre todo, en la estructura: hay guionistas que empiezan a escribir una historia que no saben cómo acabará. Yo no puedo. Necesito saber de qué va la película mínimamente. Una vez estructuradas las diferentes escenas, las desgloso, es decir, entro en detalles, escenarios, diálogos, etc. En parte es lo que te comentaba antes: para crear una historia no sólo me centro en la trama sino que también en los personajes. Quiero que todo esté justificado y todo vaya de la mano. En el caso de Diamond Flash tenía claro que quería contar la historia de la vida de un superhéroe sin tener en cuenta, precisamente, al superhéroe. En el caso de Magical Girl, sabía desde un principio que quería contar una historia de chantajes. Claro está que no te puedes quedar en la trama, sino que tienes que dotar cada escena, cada palabra de un sentido personal y emotivo.

 

“Diamond Flash”

 

Y siguiendo el tema de los actores, ¿hasta qué punto es importante la dirección de actores en tu cine?

 

La dirección de actores es una de las dimensiones del cine que más me interesa y fascina. Es, claramente, fundamental.  Al fin y al cabo son los actores los que interpretan a aquellos personajes que forman parte de ti y que constituyen la película.

 

De Diamond Flash a Magical Girl has dado un gran paso: has pasado de rodar con actores no conocidos a rodar con actores como Luís Bermejo o Bárbara Lennie o incluso con consagrados como Sacristán. ¿Hay una gran diferencia?

 

Sinceramente no me preocupo por eso. Lo que me han aportado Luís, Bárbara o Pepe ha sido ese espíritu profesional que tanto beneficia al cineasta y del que tanto puede aprender. Por lo demás, lo que más me preocupa es encontrar al actor perfecto para el papel. Si es conocido o no, es secundario. Fellini iba por Nápoles buscando por las calles las caras más raras, por ejemplo. En Magical Girl he tenido la suerte de trabajar en el casting con Sara Bilbatua, directora de casting de directores como Almodóvar o Guillermo del Toro. Fue con ella con quién tomé la decisión de incorporar a Bárbara Lennie y José Sacristán en el equipo. A Luís Bermejo ya lo tenía fichado: había escrito el papel prácticamente para él.

 

Bárbara Lennie en “Magical Girl”

 

Pese a la peculiar estética de tus filmes, al final nos hablas de toros, de churros con chocolate y utilizas a Manolo Caracol en la banda sonora. ¿Hasta qué punto son importantes los orígenes? ¿Cuáles son tus influencias?

 

Siempre se ha dicho que para saber hacia dónde vas tienes que saber de dónde vienes. Pues es un poco esto: para contar una historia, tengo que conocer aquello que rodea a los personajes, que al fin y al cabo no dejan de ser mis personajes, y, por lo tanto, también mi mundo. En el filme retrato, en cierta forma, mi mundo: el Madrid que conozco, los bares que conozco, etc. Y utilizo aquella música que me gusta y creo conveniente, no sólo Manolo Caracol sino también música japonesa. Me encantan directores como Carlos Saura y Pedro Almodóvar. Y veo muy interesante a Nacho Vigalondo, entre otros.

 

¿Cómo crees que te va a influenciar el haber ganado la Concha de Oro a la mejor película y la Concha de Plata al mejor director en la pasada edición de San Sebastián?

 

Yo encantado. Quiero que estos premios sean un beneficio, como un apoyo a mi carrera para que mis próximas películas tengan un mayor alcance. Nunca me lo tomaría como un punto de presión para el próximo proyecto.

 

VÍDEO DE LA MASTERCLASS DE DANIEL MONZÓN EN ESCAC

Mientras terminamos de preparar los vídeos y textos de los grandes acontecimientos de la semana pasada (la visita de Pedro Almodóvar y el Acto de Graduación), os presentamos el vídeo que Eric Borrás (1º) y Dany Belenguer (1º) han elaborado a partir de la charla que Daniel Monzón dio en ESCAC en Octubre. Quienes no pudisteis asistir tal vez os sorprendáis.

 

 

Pedro Almodóvar

“Para encontrar ideas es importante hacer un ejercicio de auto-análisis. Pensad en lo que os da más miedo; y también en lo que os da placer pero está prohibido y puede dar mala imagen de vosotros.”

ACTE DE GRADUACIÓ

Avui divendres 21 de novembre de 2014 tindrà lloc la cerimònia de graduació de la 17ª promoció d’alumnes de l’ESCAC (Grau en Cinema i Mitjans Audiovisuals). L’acte se celebra a la Sala Paranimf de l’edifici central de la Universitat de Barcelona a les 18.00h.

 

En commemoració dels 20 anys de l’escola, el Padrins d’enguany seran tots els graduats de la 1ª promoció, entre els quals hi ha noms il·lustres com els de J.A. Bayona, Kike Maíllo, Roser Aguilar, Oscar Faura, Oriol Capel, Lluís Segura

 

La mesa presidencial estarà conformada per Josep Maixenchs (President Honorífic de la Fundació ESCAC), Sergi Casamitjana (Director de l’ESCAC), Josep A. Plana (Vicerector del Grup UB, TICS i Serveis Comuns), Ferran Mascarell (Conseller de Cultura Generalitat de Catalunya) i Oriol Capel (guionista graduat de l’ESCAC i representant del grup de Padrins).

 

L’acte consistirà en la projecció dels tràilers dels projectes de final de carrera dels graduats, els parlaments de les autoritats de la taula presidencial, la intervenció musical del quartet de saxofons del Conservatori del Liceu i el lliurament de diplomes. En acabar, es realitzarà la festa de graduació per a la comunitat ESCAC a la Fàbrica Moritz de Barcelona.

 

Des d’aquí volem felicitar a tots aquells que us gradueu, i desitjar-vos la millor de les sorts! També agrair la presència dels que van conformar la primera promoció de l’escola. Els pioners.

 

Tots plegats, gaudiu de la cerimònia i de la festa! És per a vosaltres.

 

EL CINE QUE NOS HIZO SOÑAR HACE 20 AÑOS

Como ya sabréis, ESCAC cumple 20 años. Las celebraciones empiezan el jueves con la visita de Pedro Almodóvar, el padrino del aniversario, y continuarán el viernes con el acto de graduación, al que asistirán todos los graduados de la primera promoción de la escuela.

 

Esto lo contaremos en breve. Hoy queremos adelantarnos un poco para ofreceros este divertido, ingenioso y algo nostálgico artículo que Andrea Ordóñez (1º) ha escrito para conmemorar la efeméride de una escuela que nació antes incluso que ella. A esto se le llama ‘tradición’.

 

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Este año, a ESCAC le ha tocado soplar (atentos a la cifra, puede que aún no lo hayáis adivinado) 20 velas para celebrar su inauguración en 1994. Sin duda, un magnífico año. Y no solo por el hecho de que esta escuela abriera sus puertas, sino porque fueron doce meses repletos de estrenos, tanto en la televisión como en la gran pantalla, de los cuales, muchos de ellos gozan actualmente de una gran popularidad, e incluso algunos han llegado a convertirse en un referente para las nuevas generaciones de cineastas.

 

Para celebrar las dos décadas que lleva funcionando este centro, vamos a recordar e invitar a nuestra fiesta de aniversario a 20 películas y series de aquella gran cosecha.

 

Como la vida es una caja de bombones, pues nunca sabes lo que te va a tocar, comenzaremos con un film muy dulce. Forrest Gump se une a la reunión, y como uno de los asistentes más especiales. No solo por el reconocimiento que recibió (6 Oscar a sus espaldas y 3 Globos de Oro, entre otros), si no por el imborrable recuerdo que nos queda a todos aquellos que la hemos visto, disfrutado y sentido. Aún sigo esperando que un desconocido me cuente una historia tan asombrosa en la parada de autobús (y sé que me entendéis).

 

En segundo lugar, tenemos el placer de encontrarnos con El rey león. Para todos los que hemos nacido a mediados de los 90, sus melodías y canciones han sido y serán la banda sonora de nuestra infancia. ¡Gracias Hans Zimmer, Tim Rice y Elthon John!

 

Enviamos invitaciones también a Quiz show. El dilema (Robert Redford) y a Ed Wood (Tim Burton) ¡y aquí están! Dispuestas a ayudarnos con el pastel. Quizá Van Doren (Ralph Fiennes) quiera jugar con nosotros a algún juego de preguntas y respuestas mientras Ed Wood (Johnny Depp) nos da unos consejos a los alumnos más novatos (cada uno sabrá si aplicarlos o no) ¿Quién se anima a proponérselo?

 

¡Tranquila Pulp Fiction, no nos hemos olvidado de ti! 20 años cumple la mítica escena de baile entre Mia (Uma Thurman) y Vicent Vega (John Travolta) al compás de “You never can tell” de Chuck Berry. Grande, Tarantino.

 

Continuamos con la celebración y pasamos del rock & roll de Chuck a una canción más romántica. Es hora de poner una lenta. The Temptations toman el relevo y comienza a escucharse “I’ve got sunshine on a cloudy day…” Es el turno de felicitar a My Girl, pero no a Vada (Anna Chlumsky) con 11 años, si no con 13, pues es la segunda parte la que viene a nuestra fiesta. Mientras tanto, Backbeat mira con recelo al equipo de música ¿Cómo puede ser que estando una película sobre The Beatles entre los invitados no se elija una canción del grupo? Lo sentimos chicos, pero no siempre podéis ser los mejores.

 

Backbeat, es una película basada en una novela (titulada “The Real Life Story Behind Backbeat- Stuart Sutcliffe: The Lost Beatle”), igual que algunas de sus compañeras de aniversario: El cliente, Cadena perpetua, Entrevista con el vampiro, Mujercitas, La máscara y La muerte y la doncella (aunque las dos últimas se realizaron a partir de un cómic y una obra de teatro, respectivamente).

 

Se abre la puerta y entra Charles. Le perdonamos que haya llegado tarde, pues después de ver Cuatro bodas y un funeral sabemos que tiene muchos compromisos sociales. Se sirve un té, como buen inglés, y comienza a hablar con Robert Flaherty, personaje principal de Mis aventuras con Nanuk el esquimal (suponemos que sobre documentales, ya que en seguida Hoop Dreams se une a la conversación).

 

Entre los invitados, también se encuentran Clerks, joyita del cine independiente que con un presupuesto de 27.000 dólares llegó a recaudar 3.894.240$; Canción de cuna, película española ganadora de 5 Premios Goya dirigida por José Luis Garci y Exótica (Atom Egoyan), galardonada con el Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes, la Espiga de Plata en el Festival de Valladolid y nombrada Mejor Película Canadiense en el Festival de Toronto y en los Premios Genie.

 

Con vuestro permiso, me tomaré la licencia de preguntar ¿cómo os quedáis? O sería más apropiado decir ¿cómo va eso? Joey Tribbiani acaba de aparecer al más puro estilo F·R·I·E·N·D·S (con un bocata de albóndigas en la mano) y seguido por el grupo de música The Rembrandts. Suenan los primeros acordes de sus guitarras y, por fin, sentimos que la fiesta ya está completa: “I’ll be there for you” se convierte en la banda sonora de nuestro aniversario. Ahora, solo nos queda sacar la tarta y pedir un deseo, aunque creo que esperaremos hasta el final de la canción, ya que en cualquier momento, Monica, Phoebe, Chandler, Ross o Rachel pueden asaltar el escenario para robar los instrumentos y queremos estar preparados para ayudarles.

 

Así que, mientras esperamos lo inevitable, propongo que brindemos por la ESCAC, por todas las personas que han formado parte en algún momento de la escuela y por todas las que están por llegar. Si esto no es amor por el arte, que baje Billy Wilder y lo vea. QUE EL CINE TE ACOMPAÑE.

CRÓNICA DE LA CASA ASIA FILM WEEK

La semana pasada la Casa Asia de Barcelona y los Cinemes Girona organizaron por segunda vez la Casa Asia Film Week, una ambiciosa muestra de películas asiáticas difíciles de ver en nuestro país.

 

Entre sus peculiaridades estaba el hecho de que el jurado que valoró las películas a competición estaba compuesto por estudiantes de cine. Entre ellos estaba nuestra alumna Georgina Latorre (3º), que ha escrito una crónica de su experiencia, hablando de las películas que más le interesaron.

 

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Martes 11

 

Cine acogedor, esperanzas de éxito; sala llena y altas expectativas. Así es como se inicia el Casa Asia Film Week y lo hace con la película Seven Weeks, hecho que ni comparto ni comprendo en una inauguración que viene con una historia detrás (hacía dos años que el festival no se llevaba a cabo en Barcelona) y una incertidumbre ante sí. Una película espesa, con planos ametralladores y un guión incesante y a veces inconexo que pretende transmitir un discurso forzado y artificioso. Pasada la primera hora (de las tres que dura la película) medio cine está vacío.

 

Es una lástima que el festival se haya presentado con una película que no era poco interesante, pero sí pretenciosa y demasiado espesa, con una multitud de ideas detrás y, a mi modo de ver, hecha con prisas.

 

Miércoles 12

 

Tras la inauguración, las expectativas siguen altas, pero el miedo ha aumentado. Después de la interesante aunque poco trascendente, Josh , se proyecta Sun Station, un rayo de sol que ilumina, de repente, una sala tristemente medio vacía. Una obra emocionante, con una interpretación sublime y un paisaje insólito, desgastado y paradójicamente atractivo y original. Tratando unos temas universales como lo son la soledad y el compañerismo, la historia nos adentra a una situación cultural totalmente desconocida e interesante.

 

Jueves 13

 

Snow se desarrolla en un solo espacio y eso juega sin duda a su favor. Con una premisa aparentemente simple (problemas económicos) se juegan una serie de actitudes y sentimientos que chocan con el regreso del protagonista a su casa natal, enseñándonos de manera sutil la cultura iraní. El director y guionistas nos muestran en una hora y media dos cosas muy importantes en el cine: cómo mantener al espectador enganchado a una historia que se desarrolla entre cuatro paredes y un conjunto de matices culturales que nos acercan a una sociedad tan lejana y desconocida.

 

Tras esta hermosa película, nos proyectan Wajma, una obra maestra. A pesar de no ser un tema novedoso ni original, la película es sorprendente por cómo se nos enfoca la historia; una joven afgana se queda embarazada de un hombre que, al enterarse de la noticia, se desentiende. Un padre afgano con unas convicciones culturales claras evoluciona y crece por amor a su hija. Una madre que no abandona los sentimientos de su niña y la acompaña hasta donde haga falta a pesar de llevar encima un peso tan grande como lo es la duda de estar haciendo lo correcto. Una abuela que se involucra, de un modo encubierto, en una historia totalmente atrevida, valiente y llena de contradicciones, en el buen sentido de la palabra.

 

“Wajma”, dirigida por Barmak Akram, ganó el primer premio del CAFW

 

Todo ello contado con una interpretación increíble por su voraz veracidad.

 

Echaba de menos una película feminista y he recibido una buena dosis con un valor añadido: cultura.

 

Después de estas dos grandes películas, se proyecta una más: The Owners. Desde luego ésta última se desmarca. Ya no estamos en un terreno realista, sino totalmente onírico y estéticamente muy atrevido. Cada plano del film es digno de ser estudiado, propio de un cuadro. Cargada de simbolismo, la película apuesta por la mezcla entre lo dramático y lo absurdamente cómico, un contraste que hace del film algo especial, con un trasfondo crítico y aplicable a toda sociedad, sea de donde sea.

 

“The Owners”, de Adilkhan Yerzhanop (Kazajistán), mención especial del jurado

 

Viernes 14

 

The Teacher’s Diary es el inicio de un día menos potente que el de ayer. Con una apuesta clara hacia lo fácil, la película nos narra la típica historia de amor a distancia entre dos profesores; nada del otro mundo. Sin embargo hay algo interesante en el film; es el paisaje, una escuela flotante en medio de un largo inmenso rodeado por verdes montañas. Desde luego, agradable a la vista.

 

Después de la típica película romántica se nos proyecta Nomadic Chilhood, una película interesante aunque inconexa. La premisa es unir las diferentes historias que se nos presentan con un tema conjunto: la vida de distintos nómadas. Sin embargo sigue siendo poco para decir que todas las escenas formaban parte de esa misma película. Algunas historias duraban poco, otras demasiado, y al final, me quedo con la sensación de haberme perdido algo.

 

Tras algo de desconcierto empieza Nuoc, una película interesante en un entorno todavía más interesante. Casas flotantes en medio del mar, supervivencia y de repente y por sorpresa, ciencia ficción, que solo aparece en los últimos 20 minutos y a mi parecer, sobraba. Me hubiera bastado con la idea que se desarrolla a lo largo del film, quitando ese final desconcertante e incoherente, con unos efectos especiales de risa. Cuando no hay presupuesto, creo que es más inteligente quitarte de la cabeza querer hacer algo y quedarte en el intento, la simplicidad no tiene porqué ser aburrida; en cambio, quedarte a medias es indudablemente negativo.

 

Sábado 15

 

Miracle In Cell Num. 7 es admirable por su mezcla de tragedia y comicidad. Siempre agradezco reír y llorar en una misma película, sin embargo la historia no me parece nueva y la manera de tratarla me ha molestado; la intención de hacer llorar al espectador está demasiado presente en el guión, creo que la sutileza no es el punto fuerte de este film y es por ello que no me ha cautivado. Sin embargo, es una película digna de ser vista, interesante y con una interpretación sublime por parte de una niña pequeña, que rebosa inteligencia y credibilidad con tan solo una mirada.

 

Domingo 16

 

Con Norte, the end of history se cierra el ciclo, se acaba el festival. La película nos habla del cruce de dos vidas, que se acaban condicionando. El bien y el mal, la justicia y la injusticia se presentan a lo largo del film de manera evidente. Es una buena película, pero encuentro innecesaria su larga duración. Son 4 horas, puede que con 3 hubiera bastado para contar absolutamente lo mismo. Entiendo la intención de alargar los planos para mostrar la cotidianidad, pero no entiendo el por qué de una cola tan extremadamente larga al final de cada acción. Repito, la película tiene contenido, pero parte de ese contenido se pierde en los minutos que sobran en cada plano.

 

“Norte. The End of History”, del filipino Lav Diaz, también recibió una mención del jurado

 

La sensación al final del festival es enormemente satisfactoria. A pesar de haber mejores y peores películas, de todas he aprendido, me he acercado a una cultura inmensamente diferente a la nuestra. El ambiente que se ha creado a lo largo de estos seis días ha ido a mejor hora tras hora.

 

Hay películas dignas de recordar, de revisar y de releer. Hay películas que todavía me hacen pensar y sin duda lo seguirán haciendo a lo largo de los meses. Incluso hay alguna que recordaré toda mi vida. Está claro que estamos aquí por el cine, pero hay algo que todavía me ha emocionado más que cualquier película: las ganas de seguir haciendo posible este festival, el esfuerzo y trabajo que se ha volcado para hacer posible estas proyecciones es admirable. Un pequeño cine que no destaca por su cartelera comercial, sino por su apuesta por un cine diferente, inteligente, rico y tristemente tan lejano a la mayoría.

 

Me ha emocionado que todavía existan estas ganas, esta pasión por un cine tan agradable, tan necesario.

¡PEDRO ALMODÓVAR VISITA ESCAC!

Efectivamente. Pedro Almodóvar, el prestigioso e internacionalmente reconocido director y productor, visitará ESCAC el próximo jueves día 20 de noviembre. Y lo hará por varios motivos.

 

El primero, convertirse en el padrino del 20 aniversario de la escuela. Lo cual nos honra enormemente y pone un broche de oro a este hito de la institución.

 

Almodóvar, además, inaugurará el nuevo plató de nuestras instalaciones, que llevará su nombre, y participará en un coloquio con todos los alumnos de ESCAC, que tendrán la ocasión de intercambiar ideas e impresiones acerca del cine con uno de sus mayores artistas.

 

Pedro Almodóvar

 

Por la tarde, Almodóvar se desplazará a la Filmoteca de Catalunya, en Barcelona, para asistir a la proyección de La flor de mi secreto acompañado por su hermano (y productor) Agustín Almodóvar y por la actriz Marisa Paredes, protagonista de este y otros films del cineasta manchego.

 

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Todos los alumnos, profesores y personal de la escuela están invitados. ¡No dejéis pasar la oportunidad!

ENTREVISTA CON EL PRODUCTOR JUAN GORDON

Si estos días os hemos hablado de Daniel Monzón a raíz de su visita a ESCAC y de el pase de Celda 211 en la Filmoteca de Catalunya, hoy os presentamos una entrevista con uno de los productores de esa película, Juan Gordon, fundador de la compañía Morena Films. Gordon conversa con Jaime Puertas (1º) no solo sobre Celda 211 sino también sobre su experiencia en la producción y de la situación del cine español. Viniendo de alguien con su recorrido y currículum, las declaraciones no tienen desperdicio.

 

Juan Gordon
Juan Gordon

 

¿Cuándo decidiste hacerte productor de cine?

 

Yo soy de vocación tardía. Desde pequeño siempre me habían gustado tanto el cine como los negocios, pero para cuando yo descubrí que podía ganarme la vida con un oficio así, ya había estudiado Derecho y había trabajado durante siete años. Igualmente, decidí ponerme manos a la obra y, en vez de comenzar a asistir a diferentes rodajes como asistente de producción, decidí formarme en aspectos como la escritura de guión o la dirección para aprender así cómo hacer una película y, desde ahí, saber cómo venderla.

 

Tus primeros pasos en el mundo del cine. ¿Cómo fue la experiencia de la primera película?

 

La primera película que produje fue Lluvia en los zapatos, en 1998. Coincidí con Maria Ripoll (directora) en Los Ángeles. Y me acuerdo que, de broma, le dije: “produciré tu primera película”. Y nos reíamos. Hasta que un día me llegó un guión de un tal Rafa Russo, que nunca había tenido experiencia laboral en el cine. Lo leí y creí que podría funcionar. Se lo enseñé a Maria y aceptó. Y así me embarqué en el primer proyecto. Fue un filme de financiación complicada: había dinero francés y alemán y estaba rodada en inglés. Y funcionó muy bien. Demasiado, creo yo, para ser el primer proyecto. Creo que tendríamos que haber sufrido un poco más para darnos cuenta de lo complicado que era todo este mundo.

 

Háblanos del nacimiento de Morena Films, tu productora.

 

Cuando llegué de nuevo a España, después de haber estudiado en la Universidad de California del Sur, estuve trabajando cuatro años con Elías Querejeta. Pero yo siempre había querido tener una productora, para sacar adelante aquellos proyectos que realmente encajaban con mis gustos. Me junté con Álvaro Longoria, socio de Morena Films, planteamos un business plan, presentamos el proyecto a diferentes inversores financieros y a partir de ahí empezamos.

 

¿Se podría decir que Morena Films acabó por consolidarse con la producción de Celda 211?

 

¿Consolidarse? Yo creo que no. Nosotros siempre hemos trabajado según una serie de criterios que planteamos ya desde el origen de la productora. Criterios como la realización de un cine de interés para la mayor parte del público. Celda 211 es el fruto de aquellos planteamientos iniciales. Es verdad que después del éxito del filme más gente empezó a interesarse por la productora y las cuentas se sanearon. Quizá sí que hubo un antes y un después en este sentido.

 

Luis Tosar y Alberto Ammann en “Celda 211”, de Daniel Monzón

 

Siguiendo con Celda 211, ¿cuándo te integraste en el proyecto? ¿Creíste siempre en él?

 

Tiempo atrás yo acudía a unas charlas realizadas en Barcelona cuyo objetivo era juntar literatura y cine. En estas charlas llegó a mis manos la novela de Celda 211 de Francisco Pérez Gandul. Leí el libro y me gustó. Pensé que sería buena idea llevarlo al cine. Pero por aquel entonces en Morena Films teníamos mucho trabajo. Así que decidí contactar con la productora gallega Vaca Films, para proponerles una coproducción y de esta manera descargar parte de mi responsabilidad en el proyecto. Yo siempre creí en esta película.

 

¿Cómo fue el proceso de producción de la película? ¿Quién acabó invirtiendo en ella?

 

En cuanto Vaca Films aceptó, nos pusimos a buscar diferentes directores. El perfil de Daniel Monzón nos pareció interesante y conveniente. Él respondió de manera positiva y sugirió a Jorge Guerricaechevarría como guionista. Nos pusimos manos a la obra, ellos desde escritura de guión y nosotros desde producción. Creo recordar que fue en el primer tratamiento cuando Telecinco decidió apostar por la película, y luego llegaron Canal+ y Paramount. También tuvimos un agente francés que invirtió dinero en el filme y así conseguimos los 3,7 millones de euros que fueron el presupuesto de la película.

 

¿Filmar en una prisión de Zamora fue una idea que venía preconcebida desde el guión o fue más bien improvisado? ¿El hecho de que la localización fuese real es debido a la búsqueda de realismo o a la falta de presupuesto?

 

Estuvimos pensando largo tiempo en la localización. Incluso pensamos en rodar fuera de España: Puerto Rico, Colombia, etc. Pero nos quedamos en España por cuestión de comodidad. Y al final dimos con esta prisión, que por aquel entonces estaba abandonada. Nos pareció ideal. El hecho de rodar en una prisión real daba más verosimilitud. La verdad es que nunca me ha gustado rodar en plató las localizaciones importantes; siempre pienso que les falta algo. Y menos en una película como Celda 211, donde prácticamente hay una unidad de espacio.

 

Después de Celda 211 llegaron nuevos proyectos como Elefante Blanco o Siete días en la Habana. Ambas películas son coproducciones con Suramérica. Y parece que hoy en día está en auge la coproducción con países como Argentina.

 

Precisamente acabo de volver del rodaje de un nuevo proyecto en el que nos hemos embarcado, en coproducción con Argentina. De todas maneras no creo que haya un auge de la coproducción. No habrá más de 15 películas al año coproducidas con Latinoamérica. Antes había muchas más. Ahora la legislación española te obliga a que el país minoritario en la producción aporte un mínimo de millón y medio de presupuesto. Así se hace muy complicado, pues las producciones suramericanas son mayoritariamente pequeñas. La regulación ayuda a películas más comerciales como puede ser Elefante Blanco o la recién estrenada Relatos Salvajes, pero no a las producciones independientes.

 

Ricardo Darín y Jérémie Reiner en “Elefante Blanco”, de Pablo Trapero

 

¿Cuál es tu visión ante la crisis sobre la producción de cine en España?

 

Ahora mismo es un desastre. Estamos en una situación jodida: la consumición de cine en salas ha bajado mucho. A priori por la crisis y la subida del IVA, pero al final se ha convertido en un hábito esto de no ir al cine. Nos encontramos ante el boom de la piratería, aunque ya se hayan articulado medidas, como la Ley Sinde, que al final resultaron ineficaces. Ahora mismo la gente solamente va al cine cuando la película se convierte en un evento de masas del que todo el mundo habla. Es el caso de películas como Ocho apellidos vascos. Sí, es todo una rueda: como la gente no va al cine no hay dinero para la producción de grandes películas. Pero también es verdad que la calidad del cine español ha subido mucho en estos últimos años. Considero que este es el mejor momento para solucionar esta terrible situación, y así que se puedan realizar buenas historias con más medios.

 

¿Cuál es la relación que se da en España entre el cine comercial y el cine independiente?

 

En España hay un gran sector de cine comercial pero también de cine independiente que últimamente está cobrando protagonismo. Magical Girl, la gran ganadora de la pasada edición del Festival de San Sebastián puede ser el ejemplo perfecto. Creo que en los dos tipos de cine existe calidad. Hay películas comerciales de calidad, lo mismo que también las hay independientes. El problema es que en España estamos mucho más cerca del cine comercial que del independiente, y siempre ha sido así. Siempre se ha pretendido llegar a la masa.

 

¿Qué opinas sobre las nuevas formas de producción low cost como el crowdfunding? ¿Hasta qué punto puede ser competencia para una productora tradicional como Morena Films?

 

A mí me parece de puta madre. Pero no nos engañemos: estas nuevas formas de producción no van a solucionar el panorama industrial de cine en España. Son películas donde no se paga ni al equipo técnico ni al artístico y que, en general, beneficia básicamente al director. No es desde luego una manera de ganar dinero.

 

¿Qué nuevos proyectos tiene Morena Films?

 

Ahora mismo estamos haciendo un thriller llamado Cien años de perdón, en coproducción con Argentina, sobre un atraco a un banco dirigido por Daniel Calparsoro y con pretensiones parecidas a Celda 211. También estamos rodando Altamira, película de época en inglés dirigida por Hugh Hudson (director de Carros de Fuego), protagonizada por Antonio Banderas. Y se está filmando El olivo, una película de Icíar Bollaín, que creo que puede funcionar muy bien. ¡Ahora mismo tenemos mucho trabajo!